tag:blogger.com,1999:blog-29065923159839754132024-03-04T23:53:20.451-08:00LP: Long PostsLo sonado y lo visto, por escrito.JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.comBlogger132125tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-60391325794118722332023-06-27T18:39:00.000-07:002023-06-27T18:39:18.190-07:00LA SERENIDAD TROPICAL DE COSTA RICA<p>PaisajísTico. Entre el clima agradable y la textura verde de sus montañas asoma la serena bienvenida de Costa Rica, un país pequeño en extensión pero amplio en riqueza biodiversa, oloroso a café y patacón, que corre en carreta y se expresa entre el sol playero y la energía de sus volcanes. </p><p>El calor de Alajuela es permanente, acosa pero no ensopa el vestuario, una provincia solar que se mueve a ritmo de carreta. Allí se camufla Sarchí, precisamente la tierra de un patrimonio artesanal sorprendente, maquillado en colochos rodantes, instrumento clave de boyeros, amiga de los cultivos y primorosa en los desfiles montañeros, un trabajo pulcro de colorido rodante y donde se aloja la carreta más grande del mundo. Mientras se siente el calor consumible del chifrijo (fríjoles con chicharrón) se admira la iglesia metálica de Grecia, la fe férrea, paz metálica provinciana, un credo que vive sin afanes.</p><p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzJsthi2pb44poMxVtC1KDeL80ivL56HH6cHdbFRVO2Dlvv0E6VXCkFrOlFiQysZGUxd5xrF_nmjyx9on7UJoZhnzeCMpEfahwmSR5rX9bcMxCIuOnC-3VeVZa78g4a0TbUKLy4KJkZQBBQUyeOvNL9BR6f5Op5XBwmWYBl1mDlxHO4abVBT2rHapJ1qw/s4608/IMG_6637.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="2592" data-original-width="4608" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzJsthi2pb44poMxVtC1KDeL80ivL56HH6cHdbFRVO2Dlvv0E6VXCkFrOlFiQysZGUxd5xrF_nmjyx9on7UJoZhnzeCMpEfahwmSR5rX9bcMxCIuOnC-3VeVZa78g4a0TbUKLy4KJkZQBBQUyeOvNL9BR6f5Op5XBwmWYBl1mDlxHO4abVBT2rHapJ1qw/s320/IMG_6637.JPG" width="320" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #2b00fe;">Boyeros, carretas y colochos: Sarchí</span></i></td></tr></tbody></table><br />La costa Atlántica respira sabores afro de mar grisáceo, reggae sin prisa y llovizna que aprieta sin ofender. Puerto Viejo acoge las raíces africanas con sus casitas de madera y negocios artesanales, en una arena variada que a veces oscurece en timidez y en otras se viste de brillo. Caminos naturales llevan al sosiego lejano de Manzanillo, trópico pensionado de oleaje reposado; el calor atrevido de Cocles invita a alquilar una tabla y retozar en surf; el río se hace cómplice junto al mar de Punta Uva, destino familiar de ancha playa y zapatilla suelta. La compañía gastronómica es el rice and beans, donde una vez más aparecen los triunfales fríjoles con su respectivo arroz, pero que baila piezas de acompañamiento junto a comida de mar y cierto picante oceánico.</p><p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZb0VITCybqLDsWqZfw-9FBztS-5_lIkgLjNs9NWqWaGKI5i2xPiRWbPgYduR-ZMBpEWAtm-r772l9AlNUENKFwMLbo6DMQAAbu157nkPa6VAa4xogMXiad84g1jH53Te0tPHVAhFIyizudyYHNssRjrygNxdPpJWBgPD6ufYg5o_KsDMh4C_y1rhj2Uw/s4608/IMG_6694.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="2592" data-original-width="4608" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjZb0VITCybqLDsWqZfw-9FBztS-5_lIkgLjNs9NWqWaGKI5i2xPiRWbPgYduR-ZMBpEWAtm-r772l9AlNUENKFwMLbo6DMQAAbu157nkPa6VAa4xogMXiad84g1jH53Te0tPHVAhFIyizudyYHNssRjrygNxdPpJWBgPD6ufYg5o_KsDMh4C_y1rhj2Uw/s320/IMG_6694.JPG" width="320" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #2b00fe;">Costa Rica es costa linda: Playa Manuel Antonio</span></i></td></tr></tbody></table><br />Las arenas se hacen más rubias en ciertos sectores del Pacífico. El surf se apodera del ambiente, las maletas pasajeras circulan con más frecuencia y las especies se hacen más visibles. Jacó es un punto de partida estándar, la playa cercana del capitalino de San José, de banderas arrugadas, olas estiradas y descansos prolongados; en Quepos el panorama es de tipo naval con puerto incluido, malecón amable y luces nocturnas suntuosas; la belleza se despliega en el parque Manuel Antonio, santuario natural que se jacta de playas admirables, iguanas traviesas, senderos de buenos modales y miradores fotogénicos, un paraíso marítimo que congrega una suerte de Edén que solo interrumpe su paz entre tanta chancleta anglosajona y humano curioso, pero que da la bienvenida a las mejores fotografías del trayecto Pacífico.</p><p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjf1cZ_DYOagvGbmL4Wti8X7gLwiLIgA8FK9s--v9TV0FEuWzgq5LDtIsEPVOXsHY3v1h6_efIbtapx7ZXBU6K_8QZ4qxqY4_e8yLAFEpHqTiccxB_wUqZHKefTALXjMu_qGcYHEUi2IQ2AjyxsycXFZklD1Fd5oq63HbQwNlyu-PxO6Wt6FuPBMxQtyms/s4608/IMG_6729.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="2592" data-original-width="4608" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjf1cZ_DYOagvGbmL4Wti8X7gLwiLIgA8FK9s--v9TV0FEuWzgq5LDtIsEPVOXsHY3v1h6_efIbtapx7ZXBU6K_8QZ4qxqY4_e8yLAFEpHqTiccxB_wUqZHKefTALXjMu_qGcYHEUi2IQ2AjyxsycXFZklD1Fd5oq63HbQwNlyu-PxO6Wt6FuPBMxQtyms/s320/IMG_6729.JPG" width="320" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #2b00fe;">Cráter de agua. Laguna de Botos</span></i></td></tr></tbody></table><br />Sin volcán no hay viaje completo. Más de 100 de esta clase en todo el país y con caminatas de frío hirviente para acompañar la aventura. El escogido, el Poás, pertenece a la provincia de Alajuela. Está vivo y con ganas de expectorar pero no deja de ser tímido ante la bruma, se camufla entre nubes y es prudente ante el espectador pero cuando revela su rostro se hace enorme y muestra su poderío sin miedo. Sin muchos pasos de diferencia lo acompaña la laguna de Botos, un cráter apagado que se embelleció con tratamiento acuático, paraje de silencios musicales rodeado de verdor que respira altura, un homenaje a la imperturbabilidad costarricense de naturaleza sinfín. </p><p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiCiQFAQRTV8mG3wj6NDfXRcmTje8zCNtgM5kHyBqJZ5P5CBt-v2c6uj4l2ZwhduAe7m3oii-AUhOE9PXtXoon49lL008djp45fRAmMb9AoGR8XIBDXM6acRxIFbNxgq0i1AQ4gKT5IkkmKqeu5Yh7K7lrbBaNbtqRhIM4q93iqsJZbC-lusDaITXOOJE/s4608/IMG_6805.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="2592" data-original-width="4608" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiCiQFAQRTV8mG3wj6NDfXRcmTje8zCNtgM5kHyBqJZ5P5CBt-v2c6uj4l2ZwhduAe7m3oii-AUhOE9PXtXoon49lL008djp45fRAmMb9AoGR8XIBDXM6acRxIFbNxgq0i1AQ4gKT5IkkmKqeu5Yh7K7lrbBaNbtqRhIM4q93iqsJZbC-lusDaITXOOJE/s320/IMG_6805.JPG" width="320" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="color: #2b00fe;"><i>Edificio de Correos. San José vive.</i></span></td></tr></tbody></table><br />San José es una mezcla entre calma tropical y asedio urbanístico, una ciudad que se desarrolla sin afanes, que cuenta con la ventaja relativa de una población moderada para mejor circulación en las calles. Una amabilidad discreta que genera fotografías en su Oficina de Correos, la gracia de su Teatro Nacional, el orden de su estación de ferrocarril, el paso seguro del parque Morazán, la sobriedad de su cine Magaly. Una capital muy caminante, desde la fuente de la Hispanidad hasta la amplitud de la Universidad de Costa Rica y el llamado nocturno del barrio California. Parada obligada en el Mercado Central y sus colosales ollas de carne, sustanciosas y cargadas en tubérculos que se bajan con jugo de cas, entretanto sus corredores se estiran en locales artesanales y frutas y hortalizas nativas. No hay que dejar de brindarle kilómetros peatonales al barrio tradicional Amón, pintado de bohemia y casitas coloridas que guardan bajo sus paredes sonidos de jazz, hardcore o sabiduría indígena bribri.</p><p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXiAJRy3sO0SrEYD-QUMKJPGT96Ti4x-f144ypCpy9ux0sA4Um2H4aEMJmnFCh9GwmFyBs4F_jay6hqlYaP_kArAs1PFzs0c9LYnwXPj3JWaxde1QO3AlMSY9UbJV67nv51oFZ_4TT0T0l2_M7190J8G8jO6FzAcRh-3GIYqQ18mTXsdnaw05ruUXOXZ0/s4608/IMG_6876.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="2592" data-original-width="4608" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXiAJRy3sO0SrEYD-QUMKJPGT96Ti4x-f144ypCpy9ux0sA4Um2H4aEMJmnFCh9GwmFyBs4F_jay6hqlYaP_kArAs1PFzs0c9LYnwXPj3JWaxde1QO3AlMSY9UbJV67nv51oFZ_4TT0T0l2_M7190J8G8jO6FzAcRh-3GIYqQ18mTXsdnaw05ruUXOXZ0/s320/IMG_6876.JPG" width="320" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="color: #2b00fe;"><i>La devastación atractiva. Ruinas de Cartago</i></span></td></tr></tbody></table><br />El desayuno tradicional es el gallo pinto, otra entrada gloriosa del fríjol negro con arroz que en complicidad con el café negro dominan el universo estomacal de este país. Se encuentra en casi todos sus rincones incluyendo Cartago, que podría llamarse la capital religiosa tica. Una ciudad fría y apacible con algunas casas de corte sureño estadounidense, unas ruinas históricas que transmutaron en atractivo turístico, una plazoleta digna de romería, una bandera que puede envolver un cantón completo y una basílica recolectora brutal de oraciones, Nuestra Señora de los Ángeles que recoge feligreses entre sus cúpulas varias y es punto principal de peregrinaje de todos los que tienen negocios místicos con Dios. </p><p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUBTbn1L3ZI5jMKsprzOsmoZ5LWa-IP3bCAMMIR1k2gdj0mbqrehMEThe-YZjbC0ddAFMf5bJkFJ5QnqdxxAajw6YkHPJp_3D7t8BfDwUo3WgqnpjEYc7C-pqUBQ977FY3gpbjC4H-KdK_ccZo7Pdh6RxlVgFM7Q7VwqFUsH-Obvl37Ku5wY9XtZ2rFBk/s4608/IMG_6774.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="2592" data-original-width="4608" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiUBTbn1L3ZI5jMKsprzOsmoZ5LWa-IP3bCAMMIR1k2gdj0mbqrehMEThe-YZjbC0ddAFMf5bJkFJ5QnqdxxAajw6YkHPJp_3D7t8BfDwUo3WgqnpjEYc7C-pqUBQ977FY3gpbjC4H-KdK_ccZo7Pdh6RxlVgFM7Q7VwqFUsH-Obvl37Ku5wY9XtZ2rFBk/s320/IMG_6774.JPG" width="320" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="color: #2b00fe;"><i>Alfombra verde. San Antonio de Escazú</i></span></td></tr></tbody></table><br />Costa Rica es un destino de paz. Benevolente, discreto en locuacidad, no se revoluciona, se disfruta con sus empanadas de repollo y sus fríjoles imperiales. Ofrece visiones cosmopolitas y andanzas de boyero en Escazú, panorámicas campeonas en La Ventolera, libertad sin ejércitos de su Museo Nacional, senderos de arena bañada en sencillez calurosa, cultivos amables de fresa en Heredia y canciones nostálgicas de Malpaís o Walter Ferguson. Un paraje latino que respira pureza biológica, serenidad tropical y un ofrecimiento comedido como destino para abrazar.</p><div style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;"><br /></div><div style="background-color: white; color: #222222; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: small;"><br /></div>JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-41191151691709243592021-12-25T18:43:00.000-08:002021-12-25T18:43:43.978-08:00EL PARAÍSO ES PEQUEÑO: QUINDÍO<p> </p><p>Un verde querido, con la amabilidad vertiginosa de la montaña, dispuesta a brindarnos cuanto fruto produce la tierra templada. Quindío es un departamento pequeño, enclaustrado entre cafetales y platanales, en un verdoso interminable acompañado de una arquitectura colonial cafetera que destila deleite, paz y una entrada terrenal a una suerte de Tierra Prometida con un componente humano de calidad sin igual en el resto del país.</p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiYNPC2a6zI-uiiD2e9dMMTjdUzbqcwpu0tsYv5Kl6_G9RAnorMPtzPps8RKvuZYtS0wpd7z8cop7HxtCsi8VhDYckB3XD7qYHYJC6Nf_DU-ryTwtY986-v9eNdoE15NvshwhqY-5rVZKwXNo5k5EkeWC4SLejmW9PpjfTwxiltggyi0tH7ihRfo_Ii=s4608" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="2592" data-original-width="4608" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiYNPC2a6zI-uiiD2e9dMMTjdUzbqcwpu0tsYv5Kl6_G9RAnorMPtzPps8RKvuZYtS0wpd7z8cop7HxtCsi8VhDYckB3XD7qYHYJC6Nf_DU-ryTwtY986-v9eNdoE15NvshwhqY-5rVZKwXNo5k5EkeWC4SLejmW9PpjfTwxiltggyi0tH7ihRfo_Ii=s320" width="320" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>El trasteo infinito. Desfile del Yipao en Willys.</i></td></tr></tbody></table><p>Armenia era un pueblito de casas de bahareque y una sensación lejana ante el desarrollo que la hizo inmune ante el caos de las grandes capitales. El terremoto de 1999 hizo replantear su paisaje y convertirla en una ciudad edificada, con una belleza sencilla, dotada de fríjoles fieles y cuyabros amables que de modo desinteresado indican direcciones, ayudan con las maletas y relatan su árbol genealógico en 15 minutos. Sin una agenda cosmopolita ni extravagancias citadinas, propone un itinerario gastronómico interesante con su variada propuesta de restaurantes, invita a caminar en su Avenida Bolívar desde su bulevar de compras en el centro, hasta su zona más norteña en parque Fundadores, el respirable Parque de la Vida y la zona de la Universidad del Quindío, todas afectuosas al transitar.</p><p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjlZ-0FddzvpgdC8-NOLymbCwU7JbUmYgXh29tvUBwEDlsFmB97X8fk1KCLZW25SCfOfOhHlq0Pz0Lysb_jA7nmrTiA7JFWSrMdCT8EtT1vBdJe9SHoStNq4bwbz2kVairMqz8C108D6ToqmWgNKkA3dP1H1dMDI4nQPk91X8TtvEsJoRwhOZncnj5b=s4608" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="2592" data-original-width="4608" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjlZ-0FddzvpgdC8-NOLymbCwU7JbUmYgXh29tvUBwEDlsFmB97X8fk1KCLZW25SCfOfOhHlq0Pz0Lysb_jA7nmrTiA7JFWSrMdCT8EtT1vBdJe9SHoStNq4bwbz2kVairMqz8C108D6ToqmWgNKkA3dP1H1dMDI4nQPk91X8TtvEsJoRwhOZncnj5b=w320-h180" title="El color del Quindío. Salento" width="320" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>El color del Quindío. Salento</i></td></tr></tbody></table><br />Pero el agrado sublime del paisaje quindiano es la municipalidad, el espíritu arriero sembrado en 11 pueblitos cargados de magia propia. Filandia es color alegre y sereno entre casitas de balcones amenos que despiden aroma a café bajo sus puertas y exhiben destrezas transmutadas en cestos y canastos. Es la zona norte quindiana, la del sueter obligado y arquitectura cautivadora. Salento aparece con sus calles pendientes, pequeña dulzura colonial y truchas recostadas en patacón. Vecina del <i>Valle de Cocora,</i> emblemático paraje de palmas de cera, fauna voladora insigne, menoscabadas por el merchandising de acrílicos y adornos innecesarios, pero siempre majestuosa con su comunidad de palmas, guardianas de la verde eternidad. Completa esta trinidad la menos ostentosa Circasia, que se despoja del peso masivo turístico pero guarda un encanto de calles parsimoniosas de olor a café, su cementerio Libre y su aire de paz acompañado de las gotas de lluvia risaraldenses que se cuelan entre las nubes viajantes.</p><p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgRpl8XhZXlGadgbh4SvU2YZKZTlSSVoOpONIJpayz1JkovEqYB_H-FBbwQS0TheoSxmNStHhmlJRn6fBzwXkvqpy4Jc7iReivE21mhzFLcEzygK7HuQTrWDBp-DWJsQx8qhP6oZP7F-iatsDR7DhtaJw-smUEoK2wShsjrDy8w6boUhjVCl-5cb8os=s4608" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="2592" data-original-width="4608" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEgRpl8XhZXlGadgbh4SvU2YZKZTlSSVoOpONIJpayz1JkovEqYB_H-FBbwQS0TheoSxmNStHhmlJRn6fBzwXkvqpy4Jc7iReivE21mhzFLcEzygK7HuQTrWDBp-DWJsQx8qhP6oZP7F-iatsDR7DhtaJw-smUEoK2wShsjrDy8w6boUhjVCl-5cb8os=s320" width="320" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Vivir entre el mural. Montenegro</i></td></tr></tbody></table><br />La zona céntrica quindiana cuenta con un clima irreprochable, siempre con el tinto en la mano. Calarcá y su pujanza comercial, acompañada de la picardía arriera de <i>Recuca </i>(Recorrido Cultural Cafetero) y la pomposa pasarela de especies del <i>Jardín Botánico</i>; hay calle despejada y ganas de habitar el entorno de Quimbaya, con iglesia de telenovela, artesanías en sus rincones y faroles que se contonean de luminosidad única en épocas decembrinas; Montenegro respira calma y se viste de murales, más de 100 camuflados en el pueblo, y vive bien rodeado con el Parque del Café, universo a escala de los municipios quindianos, el Paraíso de la Guadua con una galaxia entera de sus variedades y utilidades, e Inframundo para los amantes del terror rural nocturno; el calor concentrado con cierto sabor a Valle lo tiene La Tebaida, dueño industrial de la provincia que conforma industrias, aeropuerto y vías estratégicas para comunicarse con el resto del país, mientras se jacta de sus numerosos chalets y piscinas para el plan del bronceado cafetero.</p><p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhN1E0tRMqvqZVScEYK4dnxEQ5lbKjEXr_eGTq-ejQ4M25K-xicIFjx5WfOU99LbcJhv2pvqVP184gw3FH0JNQQGS4-Ja62j3bEOh2d4vKMAkN9MKk-8qaP5Y-TOsV66r_d7F9K9wWNHKjwkBJss5iHQiqA9N0NQfecCg6uph5USYhVWLc65GK2eqX7=s4608" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="2592" data-original-width="4608" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhN1E0tRMqvqZVScEYK4dnxEQ5lbKjEXr_eGTq-ejQ4M25K-xicIFjx5WfOU99LbcJhv2pvqVP184gw3FH0JNQQGS4-Ja62j3bEOh2d4vKMAkN9MKk-8qaP5Y-TOsV66r_d7F9K9wWNHKjwkBJss5iHQiqA9N0NQfecCg6uph5USYhVWLc65GK2eqX7=s320" width="320" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>El rincón apacible. Génova.</i></td></tr></tbody></table></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div>El sur es el encanto escondido. Desprovisto de la pompa y los cafetales aristocráticos que venden los paquetes turísticos, son pueblitos de menor tamaño pero mayor calidez humana. Buenavista es el mirador del departamento, panorámica envidiable y aventura de la trocha montañera en el Willys de turno; Córdoba se envuelve en guadua, creatividad profunda de sus artesanos que brindan vidas nuevas al bambú y acogen con serenidad discreta al transeúnte; el mejor café de la región se planta en Pijao, un pueblito hermoso encubierto en la montaña, con el mismo colorido de los pueblos norteños pero sin el hostigamiento de las cámaras, fácil de caminar sin el alboroto pendiente de la montaña y con tradición arqueológica y peso prehistórico; el último rincón es Génova, de parque frondoso y silencioso, cubierto de un frío amable y lejano, donde la paz se sienta a tomar el fresco y la plaza Café revela sus atributos históricos y tradicionales, mostrando un paisaje donde el alma nunca envejecerá.<p></p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhLeXmqswbz5IMk7ZulPtcbcVlJ9T7_y4avG-WL8rAwO3bSRWCLwSXN8Zw6x-aVBjhL4w468cSX97rBE0BSi19hqPo02vzT39vl-cJIECQC-gEmg7TTM_TG6AygGBe0T7duWEola-oVNFWohmC_2rSUqDFFby_EaFRGwwVKvWYH0dnjTZy8euv-EZ-W=s4608" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="2592" data-original-width="4608" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhLeXmqswbz5IMk7ZulPtcbcVlJ9T7_y4avG-WL8rAwO3bSRWCLwSXN8Zw6x-aVBjhL4w468cSX97rBE0BSi19hqPo02vzT39vl-cJIECQC-gEmg7TTM_TG6AygGBe0T7duWEola-oVNFWohmC_2rSUqDFFby_EaFRGwwVKvWYH0dnjTZy8euv-EZ-W=s320" width="320" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>La niebla espléndida. Valle del Cocora</i></td></tr></tbody></table><p>Recorrer este departamento promueve las ganas de nunca abandonarlo. Una tierra servicial, de temperatura afectuosa, con una movilidad y geografía estratégica para dispersarse por los rincones del interior del país, una fertilidad asombrosa que produce cultivos garosos de buena fruta y hortaliza, y un talante generoso de sus habitantes, que producen células de amabilidad de un modo pasmoso y que invitan a un pequeño paraíso de sencillez exquisita.</p>JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-64622749217791528352019-10-10T19:33:00.000-07:002019-10-10T19:33:42.857-07:00SAN PACHO: LA FIESTA QUE REZA ES NEGRA<br />
El malecón de Quibdó sufre de una bella austeridad. No es ostentoso, las aguas de río Atrato se refugian en colores discretos, no hay arena, no hay discotecas, hoteles con más asteroides que estrellas. Ese es su encanto. Se desprende de los cánones sofocantes del turismo convencional y ofrece la paz ansiada que nos niega el Caribe y los sitios top de TripAdvisor. Cuenta con un parque para hacer ejercicio, su típico letrero municipal y la imponente vista de la catedral San Francisco de Asís, dueña y señora de la vistosidad arquitectónica de la pequeña ciudad. Y epicentro final de la fiesta negra de San Pacho.<br />
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Chocó es un departamento olvidado por el gobierno, visto con malos ojos por quienes no lo conocen, empapado en periódicos de pobreza y corrupción, encerrado en la mitad de la selva sin los 'beneficios' de la civilización. Su mayoría es negra, heredera del cimarronaje esclavista y promotora innata del pacifismo. Su gente está construida en genes serenos, resistente, educada y provista de una energía maciza que le agradece favores al pescado de agua dulce y el plátano. Pero ante todo, una raza nacida para bailar.<br />
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Las fiestas de San Pacho congregan 12 barrios franciscanos que se desenvuelven entre la música y la oración. Desfilan comparsas sencillas, con trajes confeccionados al son de la recursividad, bonitos estampados pero sin la lentejuela de otros carnavales, con carrozas hechas a pulso que homenajean al Atrato y obviamente a su santo patrono. Se acompañan con la banda de chirimía, el formato institucional de la música chocoana con clarinete, saxo, platillos y tambores que acompañan sus ondulaciones corporales y aderezan las calles húmedas del vecindario.<br />
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Al final del desfile, el bunde. Una suerte de Apocalipsis bailable colmado de delirio corporal, humores fuertes y danza incesante. Un camión lidera el bullicio musical y va invocando un rebaño desbocado que aplaude, baila y suelta todo su paganismo en la calle como si no hubiera mañana. Es una horda incontrolable, contagiosa y llena de vigor, que sorprende por su poder infatigable y que va acompañando la última línea del cortejo hasta el final del recorrido. La negrura sísmica no para de bailotear.<br />
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Luego del calor agotador de cielo sin sol viene la noche. Pero el calor continúa. Quibdó es la ciudad de la transpiración eterna. Yescagrande, barrio representativo del centro, prepara su arsenal fiestero. Y todo es con marca local, nada de artistas de otros linderos. Tal vez por la falta de presupuesto, tal vez porque no quieren muchos foráneos en su propio jolgorio. Se nota que la fiesta no es un homenaje al derroche. Bailarines locales conocidos como <i>exóticos</i> hacen duelos circulares para saber quién es el mejor a la hora de retorcerse, de jactarse de popping chocoano, de contorsionarse en la infinita flexibilidad afro, duelos llenos de alegría, algarabía y aguardiente Platino. Entretanto las mujeres locales sacuden su trasero presto para la conexión genital, en el bárbaro y fascinante <i>choque</i>, el anca revoloteando cual batidora dispuesta a recibir al compañero que disfruta la cercanía, en una especie de galope libidinoso y sin prejuicio, las formas naturales de la danza quibdoseña.<br />
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La música en vivo está contagiada del aire popular del interior. El vallenato es columna pétrea de peluquerías, asaderos y cantinas, y no deja de serlo en los barrios paganos del San Pacho. La caja y el acordeón revolotean decibeles entre las bandas de covers. Son grupos privilegiados, pues son casi las únicos que llevan instrumentos. El resto del cartel son cantantes emergentes de salsa romántica y reggaetón que se deben defender cantando con pista al mejor estilo del transporte urbano. No obstante, la gente corea, baila y goza entre las gotas de lluvia nocturnas que diariamente acompañan el pavimento del bochorno chocoano. ¿Lo mejor? La chirimía, el formato que revuelve la entraña del negro, el indígena, el blanco. El poder de los vientos pacíficos que hacen erupción en tarima para rodear de negrura el espíritu de la celebración.<br />
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Entre el olor del arroz con longaniza y sopa de queso el río recibe la <i>Balsada</i>. Los barrios representativos decoran con esmero doce rústicas embarcaciones que se disponen a ser el objeto de la mirada de fieles y ajenos. El agua pone a navegar un banderero que agita el estandarte, una delegación corta en forma de comparsa, la banda de chirimía y el balsero. San Francisco es entonces el patrono del agua entre flores, ornamentaciones caseras, bombas de inflar y la entereza festiva que proyecta la banda. El malecón, atestado de cercanos y ajenos, recibe con alborozo el acto de las balsas franciscanas en el agua, que evocan la primera celebración de Fray Matías Abad con los indios del Atrato en el siglo XVII.<br />
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Después de pecar hay que rezar. Yescagrande, Alameda Reyes y Niño Jesús fueron los barrios de turno en cerrar el pagano frenesí. Pero al final de la fiesta, a las tres de la mañana se concentran los Gozos franciscanos, una procesión solemne de gente silenciosa que va al ritmo de unos hermosos cantos afro en honor al santo, una voz de ángel de piel negra que busca redimir toda culpa. Doce horas más tarde la procesión se hace multitudinaria, con San Pacho en hombros, la banda musical tocando su himno y el padre dirigiendo la devoción. Y es que los chocoanos, así como bailan rezan. La fe en su patrono es inmensa, cumplen <i>mangas</i> -penitencias- vestidos de franciscanos y cantan con convicción las alabanzas a San Francisco de Asís. El ritual debe arribar a la catedral en una misa estelar donde los habitantes se purifican del pecado y espantan la pena. Todo debe ser negra pureza.<br />
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San Pacho es parranda, sudor, agua y oración. Es el desahogo febril de las piernas durante cuatro meses - la fiesta se extiende a los barrios pequeños hasta diciembre- , es el grito estoico de la negritud invisible, es la inquebrantable fe que atraviesa ríos y selvas, es el calor hostigante que muta en una inexplicable paz, pero ante todo es un manifiesto de pertenencia e identidad que ninguna multinacional o guerra les puede quitar, es el Chocó en su calidad humana sobresaliente y sobreviviente, un legado cultural que sigue marcando huella por generaciones enteras.<br />
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<br />JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-51932679931123590252019-08-27T17:36:00.000-07:002019-08-28T08:25:20.203-07:00REBOBINAR EL CASSETTE<br />
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La nostalgia fue la dueña del espacio. Una legión de canas, cotizantes activas de pensión, veteranos inyectados de nueva juventud, se hicieron uno solo en el Centro de Eventos y dejaron salir su adolescente en todo su esplendor gracias al Cassette festival, una iniciativa que convocó a varios artistas que pertenecen al circuito de la nostalgia y fueron causantes de lágrimas felices, gargantas resentidas y resacas monumentales.<br />
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Como todos los cassettes, tuvo sus hits y otros momentos poco memorables. El centro de Eventos es un buen escenario con una distribución adecuada de los espacios incluyendo emprendimientos, zona de comidas, tarima alterna y un sitio de karaoke para los aventureros del ridículo. El sufrimiento fue de orden urinario, en especial para las mujeres, quienes debieron soportar el hastío de la espera con pocas plazas disponibles para sus labores de desalojo líquido. Y si bien llovió cerveza y whisky en todas las esquinas comprarlos era una aventura de EPS, con cierta anarquía a la hora de comprar y un caos relativo en la atención.<br />
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<iframe allow="accelerometer; autoplay; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/7hxt0otOddw" width="560"></iframe> </div>
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<i><span style="font-size: x-small;">Extraído del YouTube de Ricardo Rodríguez</span></i></div>
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Darle Play al Cassette comenzó con un recuerdo joven. Moenia es la banda de synth pop más reconocida de México y por aquí sonaron en los tempranos 2000. Pichardo y sus muchachos hicieron un show sobrio, con el vigor en su punto, buenos soportes en visuales y un setlist de satisfacción para sus fans de antaño, que todavía cantaban sin la lengua enredada -aún- por los efectos del alcohol. "Manto Estelar", "Ni tú ni Nadie" o "No Dices Más" hicieron parte del repertorio que disfrutó buena parte del público que llenó la plaza desde horas tempranas.<br />
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<span style="font-size: x-small;"><i>Extraído del Youtube de Aki Boxes </i></span></div>
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La cuota nacional reconocida fue Poligamia. El grupo de rock pop juvenil que más sonó en Unicentro de los 90s desempolvó sus clásicos y puso al ruedo "Mi Generación", "Búscame" y "Confusión" entre las bocas asistentes. Andrés Cepeda, solista reconocido, mantuvo su voz intacta y cantó sin desordenar su negro atuendo, le dio Play al cassette con "Desvanecer" sin la voz de Elsa pero con el apoyo de centenares de voces felices de revolcarse en el recuerdo. Freddy Camelo con guitarra rocanrolera, Gustavo Gordillo entero en el bajo, Juan Gabriel Turbay dando buenas señales en los teclados y César López sin escopetarra pero con baquetas hicieron la tarea como estudiantes juiciosos.<br />
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<i><span style="font-size: x-small;">Extraído del Youtube de Aki Boxes </span></i></div>
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Turno de las chicas. Lo que en los ochentas era un show colorido, presuroso y sexy se trasladó a un presente de sobriedad, trajes señoriales, con un sonido menos sintético y un poco más 'tímido'. Mimi, Ivonne e Ilse conservan sus siluetas, sus voces y algunos pasos coreográficos. Flans llevaban buen rato sin pisar suelo colombiano y fueron de las que más devolvieron el Cassette. "Me he enamorado de un Fan", "No Controles" o "Las mil y una Noches" sonaron de forma reposada sin alborotar demasiado al respetable, que aplaudieron con gratitud el nostálgico show de las mexicanas mientras se despedían con "Bazar".<br />
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<i><span style="font-size: x-small;">Extraído del Youtube de Aki Boxes </span></i></div>
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Las guitarras más resonantes salieron del veterano Miguel Mateos, artífice de aplausos múltiples. Sin su frondosa melena y con abdomen sexagenario, el argentino hizo memoria del Concierto de Conciertos del 88 a las 5 AM y repartió hits a diestra y siniestra. "Es tan Fácil Romper un Corazón", "Lola" y "Mi sombra en la Pared" tronaron con alborozo nostálgico entre su estruendo -de acústica un poco irregular- y bajo la manga sacó un Carlos Vives que provocó el éxtasis de la multitud, coreando al unísono "Cuando Seas Grande", haciendo un dúo colombo-argentino que despertó los mayores aplausos de la noche. Mateos, en un show de gran comunicación con su público se fue en la trifulca sonora y feliz de "Obsesión".<br />
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<i><span style="font-size: x-small;">Extraído del Youtube de Aki Boxes </span></i></div>
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El lado B -una especie de lado oscuro- del Cassette se dividió en dos partes. La primera, una presentación efímera, casi invisible, de Big Boy, quien se despachó con una rápida intervención de "La Chica de la Voz Sensual"y luego su tronado noventero "Mis Ojos lloran por Ti". Un cameo raro y tal vez innecesario. La segunda parte fue en la tarima alterna, el house desempolvando algunas coreografías a cargo de dos grandes nombres con una presentación agridulce: la gran Crystal Waters, maestra del "Gypsy Woman"enredada en un playback irregular y refugiada entre sus bailarines, y los belgas de Technotronic, que aunque contaron con dos MCs llenos de energía y diligentes con el público, no lograron llenar el vacío que dejó su vocalista original Ya Kid K, que ya no gira con ellos. De todos modos, el recinto dejó estallar hits como "Get Up"y la tremenda "Pump up the Jam". Más que una rumba y media fue una rumba a medias.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjnMe-J6jOmjJTu_DWeRsvMBA9Ktu5EdHKwQxGizM6WWtWZvVlzhJOAuMA75fYdWtzymsJvlxgiRlX6KcHH0lcmjsh1jmf3OzirtO8l2kclYnbgdayQu30JsxA1t0pXg6sz0lW_HxoQLmY/s1600/Boney+M+%253A+Autopista+Rock.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="628" data-original-width="983" height="204" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjnMe-J6jOmjJTu_DWeRsvMBA9Ktu5EdHKwQxGizM6WWtWZvVlzhJOAuMA75fYdWtzymsJvlxgiRlX6KcHH0lcmjsh1jmf3OzirtO8l2kclYnbgdayQu30JsxA1t0pXg6sz0lW_HxoQLmY/s320/Boney+M+%253A+Autopista+Rock.png" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Extraído de Autopista Rock</i></td></tr>
</tbody></table>
De regreso al gran escenario el plato extranjero fuerte, la Alemania más negra con Boney M. Una sobreviviente, Maizie Williams, en un cuarteto vocal que no lo hizo nada mal. Lindos trajes, evocaciones para los más veteranos con hits de los 70s, despegando por "Sunny", pasando por "Ma Baker"y "Daddy Cool" y cerrando con su sonadísimo "Rivers of Babylon". Deleite para mayores de 40, que fue un buen platillo vocal pero resintió la ausencia instrumental, pues iban sin banda, al estilo Soultrain. No obstante, fue una bella presentación que tal vez no se vuelva a ver en estas verdes sabanas.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2tA1_xJNsir-aK-msJVf_rFXAx8JcvSzOY-T-fwOREVj-rW2O04VLf1U4RqseVuwPd4aD7N3C-Dvqauu4fxk1gk5phVHN6kYZYhmLP25a1m-itjHJgOBLDotjk0zBCQkmqBqv94SEwj0/s1600/Proyecto+Uno+%253A+Claro+Mu%25CC%2581sica.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="628" data-original-width="841" height="238" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2tA1_xJNsir-aK-msJVf_rFXAx8JcvSzOY-T-fwOREVj-rW2O04VLf1U4RqseVuwPd4aD7N3C-Dvqauu4fxk1gk5phVHN6kYZYhmLP25a1m-itjHJgOBLDotjk0zBCQkmqBqv94SEwj0/s320/Proyecto+Uno+%253A+Claro+Mu%25CC%2581sica.png" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Extraído de Claro Música</i></td></tr>
</tbody></table>
El camino estaba empedrado de ebrios desafiando el frío y baños agotados de aglomeración. Los sobrevivientes que quedaron para el cierre sacudieron sus zapatos para el baile merengue house. Proyecto Uno -con su sobreviviente Nelson Zapata- le metió candela al escenario y destapó sus mejores cartas entre fogonazos al estilo "Latinos" o "Brinca" -que evocan aún al ausente Magic Juan- o las románticas "Another Night" o "Al Otro lado del Mar" con Nelson al comando vocal. Aunque la acústica maltrató un poco sus canciones más movidas, la presentación fue picante y los MCs nuevos hicieron un esfuerzo aceptable. El merengue house estuvo muy vivo durante una noche, con "El Tiburón" como pieza de cierre, que nos recordó que rebobinar el Cassette siempre será un acto de complacencia para las generaciones análogas.<br />
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<br />JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-81267191675567610912018-12-17T19:47:00.000-08:002018-12-17T19:47:10.668-08:00TURQUÍA O LA FRONTERA MÁGICA<br />
Cruzar un continente es una sensación única e infinita. Un momento eterno parado en la mitad del ferry en pleno Mar del Bósforo, donde las extremidades deciden qué pose continental adoptar. El lado europeo cosmopolita, moderno, suntuoso y vertiginoso; o el lado asiático parsimonioso, conservador, místico y milenario. Estambul ofrece aquella encrucijada mágica, una ciudad caótica de 15 millones de habitantes, envuelta en alfombras, historias imperiales y magia transcontinental.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJkPoIrJvmsDzQV4EY7e9vFRQah_jHFLabhJ7geawoOL7z3GtHrPtoEnGpreLBKcZatXOwJUYaoi0K7i0vzVtmUKW6pKATmlox82T3P6u1saPRhPiolcNk3Qzs1DmOcZxPptYVM00FA88/s1600/IMG_3716.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJkPoIrJvmsDzQV4EY7e9vFRQah_jHFLabhJ7geawoOL7z3GtHrPtoEnGpreLBKcZatXOwJUYaoi0K7i0vzVtmUKW6pKATmlox82T3P6u1saPRhPiolcNk3Qzs1DmOcZxPptYVM00FA88/s320/IMG_3716.JPG" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #0b5394;">El Mar de Bósforo conectando continentes</span></i></td></tr>
</tbody></table>
Hormigas de cuatro ruedas invaden las autopistas y calles principales de Estambul, su tráfico es tan incesante y desesperado como el de cualquier ciudad sobrepoblada en América Latina. Entre burkas, hiyabs, bigotes y legendarias ojeras de comerciantes turcos se mueven las dinámicas calles de la capital, que se concentran en llamar la atención mediante su casco histórico, mitológico lugar de imperios, reverencias islámicas y baños turcos.<br />
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El camino del antiguo hipódromo de Constantinopla -hoy convertido en una especie de bulevar de vestigios- guarda pasos de historia por doquier. Jeroglíficos egipcios se plantan en el obelisco antiguo de Teodosio y más adelante posa su primo, el obelisco de Constantino, sin inscripciones, ajado, pero estoico. Reposa la Columna de las Serpientes sin serpientes, pues fueron descabezadas por la inquina de la historia. Lo más moderno que se visibiliza en aquel espacio de grandeza decaída es La Fuente Alemana, recuerdo prusiano de comienzos del siglo XX, que conserva sus formas a diferencia del maltrato al Hipódromo, que sin embargo, es una arruga histórica de gran valor.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiUF1KxEM6HTtYeVo6SfzX6S3b5Fitz84YfSpwkl9Q23lmERQYN914p5uEJNsCIEV2w7RMgQ1E8Fazj7zZRqljHBx-Nwzgr5BJqzwMY0nrMgT321535hAGNejLc0o8oFkZ7vDCzA_-y8k/s1600/IMG_3761.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiUF1KxEM6HTtYeVo6SfzX6S3b5Fitz84YfSpwkl9Q23lmERQYN914p5uEJNsCIEV2w7RMgQ1E8Fazj7zZRqljHBx-Nwzgr5BJqzwMY0nrMgT321535hAGNejLc0o8oFkZ7vDCzA_-y8k/s320/IMG_3761.JPG" width="320" /></a></div>
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Las mezquitas son la constante. Las principales, en pleno casco viejo, son vecinas: la siempre atractiva Santa Sofía y la de Sultanahmet, conocida como Blue Mosque. Las dos, objeto de adoración y turismo. Las dos, disidentes de zapatos, recolectoras de oraciones y fotografías continuas. Las dos, símbolo de un conservadurismo rígido, exclusión a las mujeres y un culto a Alá lejano a Occidente.<br />
<br />
En contraste, el culto al comercio se encuentra a pocas cuadras. El Gran Bazar, uno de los mercados más grandes del mundo, es una despensa de antojos hechos de oro, alfombra, telas y artesanías. Turcos astutos en pos de presas foráneas están listos para endulzar turistas con cotorreos mercantiles de joyas milenarias otomanas, tapetes indestructibles o juegos de té dignos de palacio. Las ofertas son infinitas, las compras son peligrosamente tentadoras, pero envolverse en el comercio turco hace parte de su magia.<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDzFvaAuT3BqUAsPnlkXbVhWRr-eAGY6xdPynRLSMZuebso9phDvoENgWqotQLeGDqdUDHjE_gQVhGJxCFkA6CiZtygolfE-lDyW3mg5O_K8pWFr9eDvti5zrv5BmCmQTt3gWhHP0FJ2s/s1600/IMG_3672.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDzFvaAuT3BqUAsPnlkXbVhWRr-eAGY6xdPynRLSMZuebso9phDvoENgWqotQLeGDqdUDHjE_gQVhGJxCFkA6CiZtygolfE-lDyW3mg5O_K8pWFr9eDvti5zrv5BmCmQTt3gWhHP0FJ2s/s320/IMG_3672.JPG" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #0b5394;">Un paisaje de altura, la Capadocia.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
Hacia Asia. Del aeropuerto de Kayseri a Göreme hay alrededor de una hora feliz, en la que nos adentramos en las entrañas de la historia misma. Al mejor estilo de Piedradura, la Capadocia es una fantasía de arquitectura mineral. Mineral milenario, su historia guarda cristianos perseguidos en tiempos de Imperio Romano, refugiados en viviendas rocosas, en formaciones geológicas de otro planeta. Hay inscripciones religiosas que lo atestiguan, salas y comedores de otros tiempos, ciudades subterráneas como Kaymakli que sintieron el paso cristiano de familias y animales. Conjuntos residenciales en el centro de la tierra, el espectáculo de recovecos y pasadizos en una ciudad sin luz es curiosamente espléndido. Para calmar el paroxismo y regresar al sol otoñal, un hirviente saç tava mixto de carne y pollo en fajitas es perfecto.<br />
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Pero el esplendor completo solo llega a muchos pies de altura, donde el refugio ya es el cielo en lugar del suelo, a partir del performance aéreo de los madrugadores globos aerostáticos que se desprenden desde la tierra de Göreme para extasiar al turista en un firmamento sin par. Las figuras infladas son invasoras celestes y conforman un ejército de serenos voladores, que cazan felicidad y captan todo el brillo de unas rocas casi sintientes, de una ciudad que cobija antigüedad bíblica, de un paisaje que se apropia del presente y nos refunde en un pasado sin retorno.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVHNvXPjj7Mr3DpYmc4HA_6f-62hHiKxY_A4cDs5VUN6TZXo8NUZA-mfBUtIDD0K5msZ54BlaZmKJC7VAcvT6uYauH1e6p0quBpKNQlE6hUl6fCQaZPnq7I3ggcqjfuXwVyqqaTNWzFuA/s1600/IMG_3797.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVHNvXPjj7Mr3DpYmc4HA_6f-62hHiKxY_A4cDs5VUN6TZXo8NUZA-mfBUtIDD0K5msZ54BlaZmKJC7VAcvT6uYauH1e6p0quBpKNQlE6hUl6fCQaZPnq7I3ggcqjfuXwVyqqaTNWzFuA/s320/IMG_3797.JPG" width="320" /></a></div>
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Hacia el otro lado turco asoma el Mar Egeo, un suroeste que guarda joyas imprevisibles para el occidental desprevenido. A media hora de la tranquila ciudad de Denizli la roca sigue sorprendiendo, allá se esconde un cielo montañoso provisto de una blancura casi polar. Es la prominencia hecha eminencia de Pamukkale, montaña blanca de roca travertina que ofrece termales para el dolor del cuerpo y paisaje para el placer del alma. No importa escalar descalzo, su encanto visual espanta cualquier dolencia.<br />
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En la cumbre nos cruzamos con las termales de Cleopatra, románico paraje de felicidad serena, hirviente y sanadora. Para rematar, la cima de la montaña hospeda las ruinas de Hierápolis, conjunto de glorias pasadas que Alejandro Magno, Augusto y Constantino se regodearon de poseer, una colección de tumbas postmatusalénicas, columnas, puertas y templos sin naftalina que evocan los delirios gustosos de la nobleza imperial antigua. No hay que olvidar el Teatro, la casa del entretenimiento románico de otrora, uno de los más conservados en Turquía.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg52wej_olg6We9JoyNVwHmxNXVbLGnxxiQXPQ0I298hsy1hvzIzRMliy_NEKoW-NLx8NId6qdPn2ereELLdTnNT0Ri7Wo0Q6sr_U58BHGsKS539F5o0xlkv3IWJmpxzw6iPtqav6MRx84/s1600/IMG_3879.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg52wej_olg6We9JoyNVwHmxNXVbLGnxxiQXPQ0I298hsy1hvzIzRMliy_NEKoW-NLx8NId6qdPn2ereELLdTnNT0Ri7Wo0Q6sr_U58BHGsKS539F5o0xlkv3IWJmpxzw6iPtqav6MRx84/s320/IMG_3879.JPG" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #0b5394;">Las ruinas del poder, Efeso</span></i></td></tr>
</tbody></table>
Seguimos en la feliz ruina. A tres horas en tren de Denizli asoman los vestigios fascinantes de Efeso, una maravilla arquitectónica de tiempos remotos donde el deleite visual no tiene pausa. Una línea descendente en caminata que ofrece la descomunal maravilla de la librería de Celsius, el brillo masivo del antiguo teatro, la grandeza imperial del templo de Adriano o la filosófica escatología de las letrinas públicas, donde se construía el pensamiento mientras se destruía el alimento. Las cercanas ruinas al Egeo le permiten a Turquía ufanarse de un historial longevo, patrimonial y aún atractivo, a pesar de la distancia en los calendarios.<br />
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Dificultades de comunicación con la atropellada lengua turca, es cierto; olores poco hospitalarios en el transporte público, otra verdad; yogurts salados, postres redulces y ensaladas que confrontan el estómago, es real; un tráfico endemoniado y de parca lentitud, total realidad. Pero Turquía sigue siendo encanto, brillo ancestral y camino hipnótico. El enorme peso de su historia, la amabilidad de sus habitantes a pesar de no dominar el inglés, la eminencia de sus maravillas naturales, la mixtura sabia entre Oriente y Occidente, el soberbio trabajo de sus alfombras y textiles, el exotismo ameno de sus kebabs, döners, dürüms y la delicia imperial del arroz con leche turco (sutlac) son apenas una porción de un universo paralelo untado de esplendor, aderezado en fábula, una frontera mágica que siempre valdrá la pena descubrir y redescubrir.<br />
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<br />JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-61988081994432323662018-11-20T09:23:00.000-08:002019-02-25T09:42:55.613-08:00EL CAMINO DEL EUSKADI<br />
El tren de mediodía deja vislumbrar un amable otoño en la estación de Pamplona. La calma arbórea, la digestión serena de las calles abre un espectro que poco se siente en las urbes de Latinoamérica: sosiego, prudencia, murmullo, sonrisa respetuosa. El casco histórico asoma en estrechas calles de casas longevas de gran estatura, con un decorado inconforme de una historia difícil con la soberanía española y una lucha constante por mantener su identidad intacta. Iruña abre sus puertas de modo discreto. <i>Kaixo</i>.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgf0hm1RzBGS73jma45aJ_HB0ICpAZEjALbB1HPyOdhFQHUxUIG1N5DMyDuGkBJXfp7ReEw_hqgP0QbJubF_CdTQF0ukuQpyGQQj_9KFsfu-WpFtjZXZVo_DK_WSD1J6StDVDf4TJmTmBM/s1600/IMG_3362.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgf0hm1RzBGS73jma45aJ_HB0ICpAZEjALbB1HPyOdhFQHUxUIG1N5DMyDuGkBJXfp7ReEw_hqgP0QbJubF_CdTQF0ukuQpyGQQj_9KFsfu-WpFtjZXZVo_DK_WSD1J6StDVDf4TJmTmBM/s320/IMG_3362.JPG" width="320" /></a></div>
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<i>Potxas</i> (una suerte de fríjoles amarillos bien cargados) con pato asado y guindillas picantes son el estímulo digestivo de la tarde. El vino, acompañante obligado en muchas comidas, especialmente de la zona de la Rioja, hace parte de los cristales de las cuadrillas de todas las edades. Mesas de septuagenarios felices compartiendo el crepúsculo de los rabos de toro, jóvenes y adultos picándose el verbo en euskera al son del pimentón, charlas voraces en lenguas ajenas con una extraña ansiedad por saber de qué trata aquel universo euskaldún. <i>Mesedez.</i><br />
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Los jueves son la agitación febril de la calle en Pamplona. La población joven se aglutina en un bullicio de tapas, brindis de patxarán, charlas de tono político, melodías de Oi y punk que reverberan en los parlantes y una discordante armonía de jóvenes alegres que lían tabaco, beben montados en bicicleta y prueban orgasmos en forma de tortilla mientras la noche criminal despierta todos los sentidos y conspira para que nunca llegue el mañana entre riffs de guitarra y guturales cánticos en euskera. <i>Topa.</i><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNbp__AymoBdHBbptAs3f6zs5b1lBf_pi3_VQHSD_Ui5ByWDtCnNvhx-0B5M_jqGLrVFg35lbhkFvYtAeXZapL_zerQsmliZxMGGEaFpZ2HJEtRXPm55uvq3ol1_O0PpUeazptD2Ls4ho/s1600/IMG_3425.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNbp__AymoBdHBbptAs3f6zs5b1lBf_pi3_VQHSD_Ui5ByWDtCnNvhx-0B5M_jqGLrVFg35lbhkFvYtAeXZapL_zerQsmliZxMGGEaFpZ2HJEtRXPm55uvq3ol1_O0PpUeazptD2Ls4ho/s320/IMG_3425.JPG" width="320" /></a></div>
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La impresión del asombro en País Vasco se recoge en San Sebastián. El niño mimado de la zona es un verdadero deleite ocular, donde se funden la costa y la arquitectura en un vínculo mágico y lúcido. La cuna del famoso festival de cine sufre de pompa involuntaria: ha adquirido cierta valorización turística que lo convierte en un destino cool pero un tanto elitista, pero del cual es inevitable no caer en su hechizo. Edificios de smoking, mar de gala, luces de malecón de lujo, y un ambiente de divinidad que viven atrapando con cada ladrillo, con cada paso en la arena. El casco viejo y el mar en amable disputa por atraer al desprevenido y ahogarlo de visiones placenteras, solo en Donostia. <i>Sinestezina.</i><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8GmWvLT4Nmyy3oXUNCEVvhVYA03rOVQl50EvqzhG-B3_HhadNqvqzZpPY1wyDYWewS5NOJS1PWg6bxWZd-I44ODF_hG3LJSzyR2Yu2B0s02uEAraTpHY1StyP2U3TtvwxQyAbYJka0X4/s1600/IMG_3442.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8GmWvLT4Nmyy3oXUNCEVvhVYA03rOVQl50EvqzhG-B3_HhadNqvqzZpPY1wyDYWewS5NOJS1PWg6bxWZd-I44ODF_hG3LJSzyR2Yu2B0s02uEAraTpHY1StyP2U3TtvwxQyAbYJka0X4/s320/IMG_3442.JPG" width="320" /></a></div>
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Más discreta, más parca, más pujante, Bilbao asoma en un amanecer grisáceo, un tanto industrial, con la expectativa de que al día lo salve el amor al arte. Y así sucede. El Museo Guggenheim es el punto de la redención artística en País Vasco. Años de lienzos, esculturas, esfuerzos ingeniosos y epifanías visuales se recogen en sus paredes, con nombres de resonancia magna como Picasso, Monet, Van Gogh o Giacometti. Un trago artístico de Europa en las Rocas. Es la parada obligada, por encima de los botes turísticos, de un partido del Athletic o la playa de Plentzia. <i>Handia.</i><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHE_rwIkBgkkfabo2S_0l9UJu7dpuA9Czlc6ErewyeWuWGqcfdVVZ6avmDnmwww-Mm7CywpzHb-hW6JZOvKrC57ppfIp-ukNSZLp9xI6YWgvysjkGexhMKWdzAbuKwvwQJRvxJ5mSbOF0/s1600/IMG_3455.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHE_rwIkBgkkfabo2S_0l9UJu7dpuA9Czlc6ErewyeWuWGqcfdVVZ6avmDnmwww-Mm7CywpzHb-hW6JZOvKrC57ppfIp-ukNSZLp9xI6YWgvysjkGexhMKWdzAbuKwvwQJRvxJ5mSbOF0/s320/IMG_3455.JPG" width="320" /></a></div>
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Para asegurar la sensación de buena marcha por el camino del euskadi, es necesario dejarse llevar por el golpe de la Pelota Vasca en el frontón de Labrit. El bícep más letal, la muñeca más contundente, la disputa de una tradición que los locales disfrutan tanto como el fútbol, entre despedidas de soltero y pasionales arengas a los pelotaris. Hay tres partidos, dos de doblistas y uno en sencillos. El torneo se deja impregnar de un apellido: Olaizola, el legendario delantero de mil batallas ante la pared, que poco a poco disminuye su leyenda con el pasar de los torneos y cae con Víctor, relevo generacional. Los seguidores de la tradición se lamentan, los detractores miran con buena cara el futuro. Todos detrás del símbolo máximo del brazo más diestro, la <i>Txapela.</i><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTH_C8qGXq82oRmKzWinbCNchBOvabknTF-l9ZPf3LqD-_Sq9J3pqMxvGmr0ud0K1YWdvpkt6aNypb6Ka2bOLL1F-KUilp6v5_PBPV9TyVNSqgORNCaVro339iV5icpirX8wIrepy3VsI/s1600/IMG_3484.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="180" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTH_C8qGXq82oRmKzWinbCNchBOvabknTF-l9ZPf3LqD-_Sq9J3pqMxvGmr0ud0K1YWdvpkt6aNypb6Ka2bOLL1F-KUilp6v5_PBPV9TyVNSqgORNCaVro339iV5icpirX8wIrepy3VsI/s320/IMG_3484.JPG" width="320" /></a></div>
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Redondear una jornada en País Vasco es introducirse en el Nafarroa Oinez, una especie de colecta para las <i>ikastolas</i>, escuelas de euskera en el territorio, a través de un evento cultural que dispone de secciones deportivas, gastronómicas y musicales, reivindicando el espíritu del nativo. Altsasu fue la localidad escogida en esta ocasión, con una helada bienvenida mañanera y un otoño con cara de pocos amigos. No obstante, las competencias rurales deportivas amenizaron el nubarrón matinal entre socatiras - tira y afloja de cuerdas por equipos-, la búsqueda del leñador más veloz o acrobático y los aserradores más efectivos.<br />
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Gigantes muñecos, personajes tradicionales del costumbrismo vasco, desfilan junto a los conjuntos veteranos que aderezan con txistus y tamboriles la marcha dominical, y poco a poco van invocando al sol. La cerveza se hace compañera de las cuadrillas, no hay edad para liar tabaco y la congregación de sangre hecha en Nafarroa incrementa su cauce. El soporte musical en vivo se manifiesta a través del oi, el ska duro y los berridos pasionales en euskera, delicias del respetable que brinca hasta que el riñón lo permita. Finalmente, el beat electrónico, soberbio en pesadez, termina de desacomodar las vestiduras de los felices borrachitos de la tarde y soltar cariñosos balbuceos euskaldunes. El futuro es idílico y la tarde promete besos y pollo frito en euskera. La noche cae y el Oinez termina, pero la aventura de la vida no brinda pausa. El tren de la mañana hablará otro lenguaje. <i>Agur.</i><br />
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<br />JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-88064591430342659832016-12-27T09:32:00.000-08:002016-12-27T09:32:03.759-08:00CINEMA COLOMBIA 2016<br />
Luego de un glorioso 2015 que trajo reconocimiento y un repunte crítico a las producciones cinematográficas engendradas en Colombia, la marea se mantuvo alta a nivel de exhibición con más de treinta títulos en cartelera, no obstante no logró tener la figuración notoria de festivales internacionales de gran peso. A pesar de no contar con Osos de Oro, algún Oscar o una Palma de Oro en Cannes hubo cintas como <i>Los Nadie, Magallanes</i> u <i>Oscuro Animal</i> que mantuvieron el nivel digno y aún ávido de mostrar nuevas producciones de este país criollo.<br />
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<i><b><span style="color: purple;">LA TAQUILLA QUE DA RISA</span></b></i><br />
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Como siempre, las pantallas locales iniciaron con los sabores típicos de comedia taquillera desde el 25 de diciembre y durante el período vacacional. El éxito monstruoso de asistencia de <i>Uno al Año no Hace Daño </i>en 2015 de Dago García Producciones quiso mostrar la misma eficacia en 2016 con una nueva secuela y los mismos borrachos de la primera edición, y aunque no superó su antecesora, logró convocar más de un millón de espectadores a las salas y siguió demostrando que el humor de estereotipos sigue siendo funcional en las familias promedio que asisten al cine de entretenimiento. Junto a su taquillazo navideño García estrenó este año dos comedias adicionales, <i>Polvo Carnavalero</i>, mostrando el contraste de idiosincracias entre los cachacos y costeños que ha funcionado muy bien como fórmula televisiva, y <i>El Coco</i>, una mezcla entre humor y terror de chistes simples enmarcados en una casa embrujada con el elenco de Sábados Felices, que terminó siendo la película más taquillera del año con 1.154.396 espectadores. Lo que indica que la tendencia no cambia: comedias de estereotipo reventando en ganancias y crítica feroz que no logra atraer al público para ver otro tipo de cine.<br />
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La contraparte de la comicidad rentable vino por parte de las 'nuevas generaciones', con Take One Producciones entrando en pugna por el rédito con <i>¿Usted no Sabe quién soy Yo?</i> y varios de Los Comediantes de la Noche en acción en una comedia de apariencias y despropósitos románticos con el patrocinio nada subliminal de la emisora Olímpica Stereo. La misma frecuencia radial le brindó auxilios al segundo largometraje cómico de Hassam, <i>El Agente Ñero Ñero 7,</i> una especie de <i>Johhny English</i> a la colombiana con chistes del estilo de Sábados Felices, con brazo financiero de Dago García y una alta productividad doblando en taquilla a su antecesora <i>Güelcom to Colombia</i> llegando a más de 700.000 espectadores. Finalmente, la gente de Dynamo se animó a producir un remake del exitoso <i>Nosotros los Nobles </i>con<i> Malcriados, </i>mostrando una familia acomodada venida a la quiebra que debe obligarse a trabajar para sobrevivir, en la segunda salida de Felipe Martínez (<i>Bluff</i>) como director.<br />
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<i><b><span style="color: purple;">OTRAS LOCACIONES, OTRAS ACCIONES</span></b></i><br />
<i><b><span style="color: purple;"><br /></span></b></i>
La cartelera tuvo espacio para acercamientos al suspenso y al western con varios títulos estrenados en 2016. Riccardo Gabrielli (<i>La Lectora</i>) rodó <i>Cinco </i>en Nueva York, con Carolina Guerra como una ladrona profesional que queda encerrada en un cuarto y debe buscar salida, en una muestra de buena factura técnica pero flojo desarrollo narrativo. En marzo se estrenó <i>La Semilla del Silencio,</i> debut del director Felipe Cano, con cierto homenaje al cine negro y metiéndose en la investigación de los falsos positivos hacia las altas esferas, con un aceptable esfuerzo por contar una historia policíaca, que finalmente faltó de ingredientes más sorpresivos. Coqueteando el western apareció en abril <i>Malos Días</i> de Andrés Beltrán, con visos al estilo Tarantino, gran selección de locaciones, y seguimiento de varios personajes tras unas esmeraldas que intenta infundir un western a la criolla, con resultados regulares en las escenas de acción. En un tono mucho más rural se estrenó <i>Pariente</i>, el primer largo de Iván Gaona, reconocido en la escena por sus cortometrajes aplaudidos (<i>Los Retratos</i> y <i>El Tiple</i>), y que se remonta a la región de Santander para mostrar una historia de amor y traición familiar con actores naturales, buscando fusionar las bondades de la ficción con el naturalismo más criollo.<br />
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Lo regional siempre cuenta. Todos los años hay miradas descentralizadas de nuestra óptica multicultural desde distintos parajes colombianos. <i>Siembra </i>(de Santiago Lozano y Ángela Osorio) es la tierra negra, la pena negra, un retrato de entorno donde hay añoranza de hogar, desde la óptica de una Cali marginal llena de nostalgia. <i>Dos Mujeres y una Vaca</i> (Efraín Bahamón) es el viaje que busca respuestas desde la ruralidad analfabeta de dos campesinas que añoran ver de nuevo al hombre de la casa y emprenden una travesía por el sendero de la vida y la muerte en los caminos del Huila. <i>Oscuro Animal </i>(Felipe Guerrero) es la joya del 2016 que muestra la huida de la guerra desde la angustia silenciosa de tres mujeres, en un denso pero hermoso retrato de la violencia rural y la búsqueda por evitarla. <i>El Soborno del Cielo</i> es el sexto largometraje de Lisandro Duque, una interesante crítica al poder religioso y su manipulación en los pueblos del interior, donde disputar la palabra de un cura se convertía en sacrilegio. Estos ejemplos desde otras locaciones, con entramados distintos y propósitos diversos, fueron esfuerzos que realzaron la calidad del cine colombiano durante este año.<br />
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<b><i><span style="color: purple;">OTROS GUERREROS REGIONALES</span></i></b><br />
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También regional, pero con menos fortuna o pretensiones distintas, se exhibió desde el Putumayo <i>Chamán El Último Guerrero</i>, una aventura selvática de la lucha indígena por liberarse del yugo blanco, donde el director Sandro Meneses intenta construir un héroe de acción, pero que peca por sus excesos gráficos, sonoros y una formación actoral muy incipiente. Desde Pueblorrico en la región antioqueña viene una película familiar con gestos de inclusión, <i>Pasos de Héroe</i> (de Henry Rincón), que cuenta el sueño de un niño afectado por una mina antipersonal que quiere ganar un campeonato de fútbol, con una mirada tierna y optimista desde la actuación infantil, pero que carga con varios vicios televisivos y que pierde novedad. A final de año se exhibió exclusivamente en Pereira <i>Los Asombrosos Días de Guillermino</i> (de Gloria Monsalve), aventura infantil rodada en 2003 y lanzada con bastante sacrificio en 2016, en un esfuerzo por estampar un nuevo largometraje hecho en Pereira, cosa que no sucedía desde 1926 con <i>Nido de Cóndores</i>.<br />
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<b><i><span style="color: purple;">INDEPENDIENTE INDISPENSABLE</span></i></b><br />
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El cine independiente colombiano se ha vuelto presencia inobjetable en la cartelera, que le paga de forma ingrata. A veces prefiere viajar primero a través de festivales y conquistar públicos ajenos y sensibles, pero cuando no tiene este chance viene a las pantallas, tiene una vida corta y se silencia por la ingratitud de la industria. En 2016 debutó Jacques Toulemonde con <i>Anna</i>, la historia de una madre bipolar que ama pasionalmente a su hijo y que fue nominada a los Goya 2017 como mejor película. Claudio Cataño debutó como director con la extraña <i>Moria</i>, llena de tristeza malvada, con la localidad histórica de La Candelaria convertida en un epicentro de melancolía hippie, que no logra capturar del todo. Otro debut provino de la tesis de grado de Juan Paulo Laserna con <i>Las Malas Lenguas</i>, relato psicológico en un entorno de señalamientos y prejuicios sociales sobre embarazos dudosos, que intentó innovar a través de formas y propuestas en edición, pero que no logra ser homogénea en su identidad visual.<br />
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Películas corales de carácter independiente también hicieron presencia en la cartelera. El tercer filme de Alexander Giraldo (<i>180 Segundos</i>) fue <i>Destinos</i>, un relato de autor, comprometido con las ansiedades y frustraciones de varios personajes que buscan su propia redención personal, con buenas actuaciones, pero sin una conexión especial entre las historias. Del mismo modo coral también apareció Carlos César Arbeláez (<i>Los Colores de la Montaña</i>) con <i>Eso que Llaman Amor</i>, centrado en Medellín, con personajes urbanos que viven el vacío de sus propias ausencias, aquellos amores incompletos, la intensidad del anhelo que la película acompaña de modo muy natural. Una cinta muy exitosa en el exterior fue <i>Los Nadie</i>, debut de Juan Sebastián Mesa que evoca la rudeza de los tiempos de <i>Rodrigo D </i>y la atmósfera callejera de <i>Los Hongos</i>, haciendo un retrato de una ciudad joven, rebelde pero esperanzada con vivir su juventud a su manera, un homenaje desenfadado a la libertad. Finalmente, y con promoción totalmente independiente se estrenó <i>La Luciérnaga</i>, de Ana María Hermida, el amor iluminado entre dos mujeres a través de la muerte y el duelo, que logró tener algunos reconocimientos internacionales. Lo que mantiene la tendencia de años anteriores: películas personales de corte humano más apreciadas en el exterior, que en esta tierra de la comedia 'idiotincrática'.<br />
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<b><i><span style="color: purple;">LOS NUEVOS MERCADOS</span></i></b><br />
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El género que ha logrado posicionarse gracias a los cines independientes es el documental, cada vez más visible en las pantallas grandes. Hubo de todas las calidades y perspectivas. Cabe destacar tres: <i>Todo Comenzó por el Fin </i>de Luis Ospina, el autorretrato del grupo de cine de Cali, una epopeya freak de cine, drogas, delirio y muerte; <i>Paciente </i>de Jorge Caballero, que de forma desnuda muestra el coraje y la lucha de una madre en un hospital porque su hija reciba la atención médica adecuada para contrarrestar un cáncer inflexible; y <i>No Todo es Vigilia</i> de Hermes Paralluelo, un relato lentísimo pero hermoso sobre el amor en la vejez y la resistencia al tedio vital de los años y a no ser separados sino hasta la hora final. Vienen luego los coloridos documentales de entorno como<i> Aislados</i> (Marcela Lizcano) y su hacinamiento insular en la costa Caribe, <i>Ati y Mindhiwa </i>(Claudia Fischer), que busca la convergencia de dos jóvenes indígenas entre la cosmogonía de la Sierra Nevada y la visión occidental de Bogotá, y <i>Jericó </i>(Catalina Mesa) con las mujeres de este pueblo paisa como sembradoras de nostalgia y una promoción bastante comercial para una cinta de este género. En un lugar menos decoroso pero siempre lleno de esfuerzo hay títulos como <i>La Selva Inflada</i>, con un Amazonas desesperanzado por suicidios juveniles, donde se sugiere pero nunca se cuenta y nos quedamos con una historia nebulosa; <i>Home, el País de la Ilusión</i>, con una visión muy personal sobre una mujer que ha vivido en varios países pero no ha podido definir su nacionalidad, con poca magia en la realización; y <i>Hombres Solos</i>, una semblanza sobre la triste miseria de los pescadores solterones del río Magdalena, con un tono de registro pero sin una narración que trascienda.<br />
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El mercado de coproducción ya es un tópico dentro de la cinematografía local y gran porcentaje de los nuevos títulos cuentan con auxilios económicos de países solidarios con el celuloide colombiano. Tres directores extranjeros fueron partícipes dentro de este tipo de procesos. El español Fernando Vallejo hizo la adaptación del libro de Héctor Abad <i>Fragmentos de Amor</i>, con una Angélica Blandón adecuada como mujer fatal, y una historia de angustia erótica que complace a la mujer, atormenta al hombre, y cuenta con un cameo del escritor del libro original. Desde Costa Rica Esteban Ramírez publicó <i>Presos</i>, con el amor como pena y con la cárcel como centro emocional, donde el encierro es la puerta que abre y cierra las posibilidades del amor. Y Salvador del Solar desde el Perú dirigió <i>Magallanes</i>, intromisión en el pasado oscuro de un militar retirado que busca redimir sus culpas, con un cartel de lujo liderado por Damián Alcázar y Magaly Solier, y que se envuelve con veracidad en el abuso de poder. Todas las coproducciones tuvieron rotación en festivales foráneos y <i>Magallanes</i> fue la más destacada con premios en San Sebastián, Huelva, Lima, Marsella y Washington.<br />
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La apertura consolidada de espacios independientes, la formación de públicos para el género documental y la cada vez más común llegada de coproducciones con países latinos y europeos trabajando en llave han logrado ampliar la oferta, creando nuevos nichos, nuevas miradas y reiterando la posibilidad de ensanchar una industria incipiente. Los 37 estrenos del 2016 ofrecieron variedad de temas y estilos, siempre con la comedia triunfando en la taquilla y el cine de autor haciendo lo propio con la crítica, con una relevancia internacional no tan mediática como en 2015, pero sí con un mayor atrevimiento por explorar nuestra humanidad con temas más universales desde territorios muy locales.<br />
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<br />JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-17074561657640249912016-11-18T17:54:00.001-08:002016-11-18T17:54:28.594-08:00ÉPICA SELVÁTICA: EL ABRAZO DE LA SERPIENTE<br />
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Adentrarse en la selva puede ser un viaje sin retorno. Quienes logran sobrevivir vuelven a la civilización convertidos en nuevos seres. No es una aventura apta para cualquier sujeto, y para entrar en sinergia con la naturaleza es necesario dejarse llevar por una distinta y fabulosa sabiduría ancestral. A Ciro Guerra y Cristina Gallego siempre les inquietó la idea de introducirse en la magia amazónica y nadar en las aguas de un conocimiento ajeno, lleno de mística, gobernado por una cosmogonía inusual, donde la anaconda, el jaguar y los animales selváticos cobran vital importancia para la vida de la tribu. Su terquedad resiliente logró que se hiciera visible en 2015 <i>El Abrazo de la Serpiente.</i><br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAni_tNAeg0dlkvcgTOtP5J8_NYv7D869Sked5_1gavH9eBSQ56otiZicvxtjlwQPm8NJLXW6cAH7NuSAdKl446DWzHoORVXG1wd35F7ArhU4V8brbgsZZs7Vs-f0KvFpUZ9ZxpKhRWXE/s1600/Ciro+y+Crew.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="192" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAni_tNAeg0dlkvcgTOtP5J8_NYv7D869Sked5_1gavH9eBSQ56otiZicvxtjlwQPm8NJLXW6cAH7NuSAdKl446DWzHoORVXG1wd35F7ArhU4V8brbgsZZs7Vs-f0KvFpUZ9ZxpKhRWXE/s320/Ciro+y+Crew.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #93c47d;">Ciro Guerra, el mediador del blanco y el indio.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
Inspirada en los diarios de viaje de dos exploradores europeos a comienzos del siglo XX, la película desarrolla dos historias similares con un solo protagonista indígena cohiuano, Karamakate, quien revela una personalidad desafiante y recelosa en su juventud, y una serenidad resignada y sin alma en su vejez. El centro de la aventura es la Yakuruna, flor sagrada camuflada en la lejanía que contiene grandes secretos botánicos y espirituales, y por la que los dos exploradores, en épocas distintas, emprenden una azarosa búsqueda junto a Karamakate.<br />
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El entrelazado narrativo de las dos historias abre la impresión inmediata de un intenso contraste cultural, donde hay una puja por defender un conocimiento de lado y lado, y en la que entra el recelo como ingrediente crucial para no revelar secretos milenarios. El tono materialista del blanco toma notoriedad en su equipaje vasto, su necesidad ansiosa de comida, su música de vitrola y su ansiedad de explotación industrial; el tono esencial del indígena figura en sus ropajes escasos, sus dietas de prohibición, el sonido del río como música y su respeto por la fauna y flora de la espesa selva. Hay un continuo tira y afloja entre las virtudes y defectos de los dos conocimientos, y durante todo el filme la divergencia es protagonista.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPh59YkGoclWGXb7ltHQJrN6tSloocUOgAS1KOstluYWbzRAtu_z8iJv4cQGgOz4OAwrAG6IykjTwiiFAToAiDZUdTN-GpzGWvtoOCJQBNt8-EvtHgJpBDWjD940G0PiIku58YGyHHKIQ/s1600/karamakate.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPh59YkGoclWGXb7ltHQJrN6tSloocUOgAS1KOstluYWbzRAtu_z8iJv4cQGgOz4OAwrAG6IykjTwiiFAToAiDZUdTN-GpzGWvtoOCJQBNt8-EvtHgJpBDWjD940G0PiIku58YGyHHKIQ/s320/karamakate.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #93c47d;">Karamakate, la esencia del ancestro.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
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Pero el guión de Ciro Guerra y Jacques Toulemonde no sólo se remite a señalar las diferencias culturales, sino visibilizar el continuo perjuicio que el blanco ha causado al indígena por invadir su territorio. La fiebre hostil de las caucheras se expone en cuadros conmovedores, donde el mismo Karamakate grita con furia <i>'El caucho significa la muerte'</i>. La obligada visión religiosa de Occidente retuerce los pensamientos de los nativos, creando Mesías falsos y oraciones ajenas, alejándolos de su respeto ancestral por la Tierra y los seres vivientes. Mientras tanto, la desconfianza y el recelo crece con las falsas promesas del blanco, quien llega a 'civilizar' el entorno con una tierra prometida desgastada en ladrillo y ansiosa de devorar un verde inocente, próxima víctima del rencor industrial.<br />
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Parte de la sorpresa agradable durante ese rodaje de siete semanas fue la selección de actores nativos. Nilbio Torres (Karamakate joven), oriundo de aquel Vaupés cubeo, se llena de recia personalidad y coraje brutal para enfrentar los rigores del río y las ambiciones del blanco. Entretanto Antonio Bolívar (Karamakate viejo), un septuagenario de la casi extinta tribu ocaina, es un sabio fantasma sin recuerdos, de tensa pasividad, poseedor de una misteriosa sabiduría y un manejo sereno de los tiempos y las pausas. Complementa el reparto de origen indígena Dionisio Ramos, ticuna del Amazonas, con un abnegado papel de sirviente leal del blanco, cómplice y testigo de la magia, la muerte y la belleza del protagonista sin voz pero con gran voto durante todo el filme: el Río, majestuoso, imponente, sabio, dador de vida y muerte, el conducto principal de esta aventura.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAHdvhm-S8SPqH6o1gFyLM05_XIvme0VL53_CEueZB1IVGgqF8SQHpmgOyufhGo45o-kFThqwT8tgAgS7G0O_L0tZSKsTJrkglaVrakrTer9CyHsEwCe-6RVoDTnUaG8hOybx7LukVPaY/s1600/Rio+mejor.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="166" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjAHdvhm-S8SPqH6o1gFyLM05_XIvme0VL53_CEueZB1IVGgqF8SQHpmgOyufhGo45o-kFThqwT8tgAgS7G0O_L0tZSKsTJrkglaVrakrTer9CyHsEwCe-6RVoDTnUaG8hOybx7LukVPaY/s400/Rio+mejor.png" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #93c47d;">Un épico road movie fluvial.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
El trabajo de coproducción fue clave para poder sacar adelante este proyecto. Colombia, Argentina y Venezuela unidos en la causa de la odisea aborigen, con un presupuesto ajustado, unas últimas semanas de rodaje difícil y locaciones tan maravillosas como inaccesibles entre las que cuentan el río Igará-Paraná y los imponentes cerros de Mavicure. Fotografía ejemplar en blanco y negro, de aplicada observación en aquel road movie fluvial, remontando brazadas de remo de los primeros años 1900 con un arte y maquillaje cuidadosos, con una producción agotadora que vadeaba caudales y sorteaba obstáculos naturales; la música es reverencial, se entremezcla con la selva monocromática entre cantos indígenas y nos invita a un viaje remoto y sin fronteras; entretanto el montaje juega a dos universos paralelos con un mismo protagonista en décadas distintas, jugando con el río como hilo conductor.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/FdOYd-21qaA" width="560"></iframe> </div>
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Los reconocimientos en Cannes, la nominación al Oscar y su paseo legendario por varios festivales del mundo son la muestra de un río audiovisual de buen caudal. El homenaje a la cultura amazónica, la denuncia informal del maltrato blanco, la exhibición corajuda de una selva monumental a blanco y negro, el buen recurso humano actoral y técnico, y la enorme capacidad de no dejarse vencer por la corriente hacen de <i>El Abrazo de la Serpiente</i> una película compacta, mística, algo surreal pero sensata, una épica selvática en busca de la sabiduría indígena que cada vez más se refunde entre el verde desconocido de la jungla inmensa.<br />
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<br />JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-51446006073264906112016-10-13T16:12:00.001-07:002016-10-13T16:16:01.447-07:00BOZ SCAGGS - BOZ SCAGGS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimFFGekKGuNrfN4IqUrePbFEPkAATDsWZ-ptJ5pJn9dbho4wCTdJ-e7kJyVAUHti_-5AwiFZ9P39cmkunC6T6EEyouXlNH1HjSv_RJDpFy96aTwFqC_bU_97KOXvpDn2zOSeZUD8WDXtM/s1600/Cover.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="318" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimFFGekKGuNrfN4IqUrePbFEPkAATDsWZ-ptJ5pJn9dbho4wCTdJ-e7kJyVAUHti_-5AwiFZ9P39cmkunC6T6EEyouXlNH1HjSv_RJDpFy96aTwFqC_bU_97KOXvpDn2zOSeZUD8WDXtM/s320/Cover.jpg" width="320" /></a></div>
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Podría haber sido una especie de Van Morrison americano en aquella época. Sin embargo, las ventas y la poca difusión no lo quisieron así. Pero el tiempo, los pergaminos y los talentos que se unieron para crear <i>Boz Scaggs </i>(1969) le han representado una gradual retribución de dividendos y buenas críticas. El músico oriundo de Ohio presentó un album debut con disquera grande -Atlantic- y logró retratar en distintos colores musicales un album muy americano soportado por el country, el blues, el soft rock y el blue eyed soul.<br />
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William Royce Scaggs no era nuevo en la escena musical de fines de los sesentas. Fue compañero de aventuras musicales de Steve Miller y grabó voces y guitarras en sus dos primeras placas. Además, tuvo un lapso europeo donde grabó un album solista inicial que se lanzó en Suecia pero que estuvo apagado para el resto del orbe. La iluminación discográfica dio su primer chispazo a través de su contrato con Atlantic, gracias a los favores de su amigo Jann Wenner, fundador de la revista Rolling Stone. Fue el debut oficial de Scaggs con Norteamérica.<br />
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<span style="color: #e69138;"><b><i>MÚSICA CON MÚSCULO</i></b></span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgg7OfMQ3sUbqShXSWG1_0YgGkc_3-PUlvW6XSPwNTmNpxEIsR7P7JyJsoupUIcwAm7zW_mcGjEmjcA-jrzzBJNb9bp7i7PDoHJxaDC-7f35zFCmm13JGVauWeNVXYC2Kd0ofWqNaeom34/s1600/Muscle+Shoals.png" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgg7OfMQ3sUbqShXSWG1_0YgGkc_3-PUlvW6XSPwNTmNpxEIsR7P7JyJsoupUIcwAm7zW_mcGjEmjcA-jrzzBJNb9bp7i7PDoHJxaDC-7f35zFCmm13JGVauWeNVXYC2Kd0ofWqNaeom34/s200/Muscle+Shoals.png" width="142" /></a>El tejido muscular musical cimentó sus bases en la acertada elección de una pequeña cofradía de músicos de sesión conocidos como los Muscle Shoals: un inspirado Barry Beckett en los teclados y composiciones, un austero pero adecuado David Hood en el bajo, un tranquilo Roger Hawkins en batería, y cuerdas de cortesía por parte de Jimmy Johnson y Eddy Hinton, además de una sección de metales y coros femeninos que le inyectaron impresiones de gospel y soul al disco.<br />
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Pero el elemento clave en la grabación del LP fue el virtuoso Duane Allman, joven e inquieto talento guitarrístico del rock sureño de los Allman Brothers, quien se trajo una amalgama de emociones virtuosas en sus cuerdas y logró compactar un sonido vigoroso pero a la vez sentido. La unión de Scaggs, Muscle Shoals y Allman desembocó en el tremendo clásico blues "Loan me a Dime", cover de Fenton Robinson, solidificado por el Hammond conmovedor de Beckett, el acento apasionado de los vientos, la sobriedad versada de Allman y el canto sensible de Boz, la Voz. El tiempo se encargaría de revelar su grandeza.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/-RTh5t8yEqI" width="560"></iframe> </div>
<i><b><span style="color: #e69138;"><br /></span></b></i>
<i><b><span style="color: #e69138;">DESENGAÑOS SOUL Y COUNTRY</span></b></i><br />
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La voz de pasión apacible de Boz comienza a dar las señales inequívocas del desamor en la mayoría del repertorio del disco. Con desengaño elegante se despacha en varios de sus títulos de no retorno y desencanto sentimental. Hay una intimidad expresiva en "I'll be Long Gone", combinación de dulzura y apasionamiento en un soul de buenos arreglos; en la balada soul lastimera "Another Day (Another Letter)" existe la evocación de antaño y la resignación del abandono amoroso, muy al estilo Motown; el inconsolable destino lírico del disco crea resoluciones fatales en "Sweet Release (Desolation Avenue)" con un Scaggs cubierto de dolor y olvido en un track despierto pero ceremonial, y la guitarra de Duane piloteando la tristeza: <i>'Curse my pain/ Curse the sunrise every dawn/ On those sidewalks ran me ragged/ Yeah those cracks my only guide'.</i><br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/1HfU97N76uQ" width="560"></iframe> </div>
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Pero la desilusión también estaba coloreada de ruralidad musical. Con bastante influencia del country</div>
</div>
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Scaggs se alinea en el campirano "Now You're Gone" retomando el tema de las relaciones fallidas; con un tempo más sereno pero no desprovisto de tonos campesinos "Look what I Got" mantiene el tono de reclamo amoroso, <i>'If you treated me right I'd be comin' home to you'</i>; el desconsuelo con sabor country se cierra con un cover de Jimmie Rodgers, "Waiting for a Train", pura desesperanza en canto yodeling de Scaggs, violín nostálgico de Al Lester, bar polvoriento en el piano de Beckett y guitarra agraria de Allman. Fue el lado más sureño de Boz.</div>
</div>
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<br /></div>
<i><b><span style="color: #e69138;"><br /></span></b></i>
<i><b><span style="color: #e69138;">EL BOZ POSTERIOR</span></b></i><br />
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Boz Scaggs iría matizando con los años su corriente a tonos más sofisticados y se casaría con un estilo adulto contemporáneo impregnado de tonos soul, entre la euforia y la intimidad. Dos ejemplos de este LP, "I'm Easy", contando con una fuerte influencia del soul de los sesentas, fue parte de la sustancia vibrante de algunos de sus clásicos posteriores, mientras "Finding Her" es melancolía madura, de arreglos finos y voz cuidada, una muestra del Boz reposado y sensible.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTMJRQh6U9BRTSPDotoUROdpQc0UqiM2C6R0RJYgeKTm1qnyAk0L83dHBTJsSeP4ol_mWUbuG0U6srWvoE7_37peOxjk0F1DynyZsHxsm-0vg6_Nzu9SbyCzbIwiMDwndSv5mpCZ8ib1Y/s1600/duane+allman.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"></a><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTMJRQh6U9BRTSPDotoUROdpQc0UqiM2C6R0RJYgeKTm1qnyAk0L83dHBTJsSeP4ol_mWUbuG0U6srWvoE7_37peOxjk0F1DynyZsHxsm-0vg6_Nzu9SbyCzbIwiMDwndSv5mpCZ8ib1Y/s320/duane+allman.jpg" width="221" /><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5DJd0MXvxXV8W3jICMRMgqh7i9RFhv3dK956o6WGVTMrfs8_6DclfrI_Uvfk3ACGcBx_Kn6xyCZGOPSi4OpVJISENkuupYXg55NoSlQlipjHoBzwhbPYHWKjwGI82XKzGy-cVUFR0b8E/s1600/Scaggs.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5DJd0MXvxXV8W3jICMRMgqh7i9RFhv3dK956o6WGVTMrfs8_6DclfrI_Uvfk3ACGcBx_Kn6xyCZGOPSi4OpVJISENkuupYXg55NoSlQlipjHoBzwhbPYHWKjwGI82XKzGy-cVUFR0b8E/s320/Scaggs.png" width="176" /></a></div>
<div style="text-align: center;">
<i><span style="color: #e69138; font-size: x-small;"> Allman y Scaggs, gran dupla americana.</span></i></div>
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Duane Allman, exquisito músico de sesión, fue el condimento sensible para que <i>Boz Scaggs </i>sonara americano sin ser muy blanco, muy negro o muy country. Su lamentable partida temprana en 1971 impidió ver posibles evoluciones musicales junto a Scaggs. Por su parte, Boz cambiaría de disquera, de músicos y de estilo para conquistar las audiencias del soft rock y la adultez reposada sería su estampa clave de éxito en placas como <i>Slow Dancer</i> o <i>Silk Degrees </i>a mediados de los setentas. Su album homónimo es el rescate primario de su relación cercana con los sonidos autóctonos, haciéndolo una especie de Van Morrison americano, de finas fibras cuando se habla de melancolía, de ímpetu feliz cuando se habla de energía, un Scaggs anterior listo para conquistar a su propia gente. El tiempo se lo ha permitido de manera progresiva.<br />
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<br />JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-69218441246733950652016-09-15T14:50:00.001-07:002016-09-15T14:57:48.409-07:00EL SENTIDO DEL TEOREMA ZERO<br />
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¿Cuál es el sentido de la vida? ¿A qué vinimos a este mundo? Disertaciones filosóficas envueltas en un paquete surrealista nos trae en su entrega de 2013 en gran pantalla el siempre genial y caótico director Terry Gilliam, maestro de universos paralelos, realidades alternas y un imaginario desbordado, quien esta vez busca conjugar sus atractivos disparates distópicos con reflexiones filosóficas acerca del sentido de la existencia en <i>El Teorema Zero</i>.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRkgLu4uqa__2qicq2h-16quaC0Z9EGqj2Dpm9k7Q7QwLK6geBDdXNiwL4SAMMoSUBbe28SGJa_uSa6LzrjeppcVBjQwVEJ5EPFoFrt8QmqJ7AB_nK4n10uk_Yibz_nOOcPI-5gITUy5w/s1600/Gilliam+y+Waltz.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRkgLu4uqa__2qicq2h-16quaC0Z9EGqj2Dpm9k7Q7QwLK6geBDdXNiwL4SAMMoSUBbe28SGJa_uSa6LzrjeppcVBjQwVEJ5EPFoFrt8QmqJ7AB_nK4n10uk_Yibz_nOOcPI-5gITUy5w/s320/Gilliam+y+Waltz.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #e06666;">Waltz y Gilliam, buscando un orden al caos.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
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<span style="color: #e06666;"><i><b>BUSCANDO LA ESENCIA</b></i></span><br />
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Un brillante pero tímido calculador de entidades llamado Qohen Leth (Cristoph Waltz) busca la discapacidad laboral para trabajar en casa y evitar un mundo exterior plagado de publicidad y gente extraña por doquier. Bajo el mandato de La Dirección. una entidad que parece controlar el planeta, Leth es comisionado para cumplir en su casa una misión tan audaz como desgastadora: lograr calcular la entidad más difícil, el Teorema Zero, que descifrará los grandes enigmas del Universo, su esencia y su sentido.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeucdgjY8HVrUOcAvlFWG-VHJ2mscKaOo6_qvBH2QDDEzG2EgMxa85Vhx61QuzcT-iKhoZbk_aL89-3-TR1wRtwyhlom7iVR163pjEZb1zFADeVs0lxVry3Dxx22NaSbaqyKCxnpVLzwE/s1600/Waltz+solo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="196" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeucdgjY8HVrUOcAvlFWG-VHJ2mscKaOo6_qvBH2QDDEzG2EgMxa85Vhx61QuzcT-iKhoZbk_aL89-3-TR1wRtwyhlom7iVR163pjEZb1zFADeVs0lxVry3Dxx22NaSbaqyKCxnpVLzwE/s320/Waltz+solo.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="color: #e06666;"><i>Qohen Leth, esperando ser iluminado por el sentido de su vida.</i></span></td></tr>
</tbody></table>
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Aunque pareciera ir en la búsqueda metafísica y emprender un relato revelador, el guión se queda en la sugerencia y la interpretación personal sin llegar a un ámbito reflexivo de gran profundidad. Sin embargo, los componentes técnicos y artísticos que le brindan estructura a la cinta son de tan alta factura y absoluto deleite que nos hacen olvidar el fondo para dejarnos llevar plácidamente por la forma de este universo paralelo. Un mundo feliz lleno de colores extravagantes, vestuarios de látex y telas excéntricas, tonos sintéticos y colores chirriantes, publicidad sobreexpuesta de pantallas y neones, autos diminutos y señales de tránsito absurdas, un cosmos único e irrepetible camuflado en las calles de Bucarest, locación real de la película.<br />
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<span style="color: #e06666;"><i><b>LOS ELEMENTOS ACTORALES DEL TEOREMA</b></i></span><br />
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El único ser oscuro es Leth. Ropajes austeros, cabellos ausentes, palabras cortas, agorafobia comprobada y una capilla venida a menos es su entorno. Christoph Waltz repite aplausos a través de una soberbia interpretación, un misterioso ser que no soporta la idea de un mundo consumista y que sólo espera la iluminación a su vida a través de una llamada telefónica que revelará su verdadero propósito en la vida.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjk9npdmxiHQCAIP4KGx38NU7Uuc4C2qkHDHUJzgWh9jJyOmM642R-WwU0z94I1WDEnyZQ28o1l_WEsri-YdjwgSl25Xwu7uxgoU841s-gg2GN-qmqMKRbpdywRewzOwnH-EKBigzbgcds/s1600/Matt+Damon.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="164" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjk9npdmxiHQCAIP4KGx38NU7Uuc4C2qkHDHUJzgWh9jJyOmM642R-WwU0z94I1WDEnyZQ28o1l_WEsri-YdjwgSl25Xwu7uxgoU841s-gg2GN-qmqMKRbpdywRewzOwnH-EKBigzbgcds/s320/Matt+Damon.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="color: #e06666;"><i>Matt Damon es La Dirección. El Gran Hermano camuflado de tapiz.</i></span></td></tr>
</tbody></table>
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El soporte actoral de <i>Teorema Zero</i> no pierde brillo y es garantía de credibilidad. David Thewlis interpreta al supervisor de Leth, medio chiflado y optimista, Tilda Swinton es una psiquiatra de domicilio virtual, Matt Damon es el mando de la Dirección, Ben Whishaw y Peter Stormare son matasanos de un mundo paralelo. Los talentos no tan conocidos de la extrovertida enamorada Melanie Thierry y del niño prodigio Lucas Hedges son valores agregados al componente actoral.<br />
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<div style="text-align: left;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyM0wMwHd720echSpmWpO-ZPdQCQ3q_bs1nYVeYga4qaNWwt5p8sJQzZq-2V5ARXwj4k9L8hbh9djC7zg2ixwV9rGpwmtIN1Ufu4wNv6MyPDnHzQ1wvRBStzlOd4GMMWTbpEhBz0KzN64/s1600/Ciudad.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="227" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyM0wMwHd720echSpmWpO-ZPdQCQ3q_bs1nYVeYga4qaNWwt5p8sJQzZq-2V5ARXwj4k9L8hbh9djC7zg2ixwV9rGpwmtIN1Ufu4wNv6MyPDnHzQ1wvRBStzlOd4GMMWTbpEhBz0KzN64/s320/Ciudad.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #e06666;">El deslumbrante universo de Terry Gilliam en Zero Theorem. </span></i></td></tr>
</tbody></table>
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Son Thierry y Hedges quienes buscan modificar el austero y opaco mundo del protagonista invadiendo su casa y su modus vivendi. Mientras Bainsley (Thierry) es herramienta de seducción, Bob (Hedges) es elemento de estímulo anímico. Ambos quieren sacar del limbo unipersonal a Qohen y mostrarle un mundo distinto donde tal vez logre encontrarle sentido a través de la compañía y las relaciones interpersonales. Una coyuntura emocional bien sonorizada a través del <i>Creep</i> de Radiohead estilizado desde la óptica jazz de Karen Souza.<br />
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<br /></div>
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<b><span style="color: #e06666;"><i>EL NUEVO UNIVERSO DE GILLIAM</i></span></b><br />
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Bajo una estampa de surrealismo futurista se desarrolla la búsqueda del algoritmo perfecto que encaje y logre comprobar el <i>Teorema Zero</i>. Los recursos técnicos difieren de un posible futuro cibernético real y se desvían a ordenadores gigantes, gráficas de modelado 3D en tonos básicos y matemáticos, ausencia del chroma y efectismos barrocos, y una ingeniosa mirada de un futuro de algoritmos y tubos de ensayo que en medio de la tecnología se ven muy orgánicos. Cabe agregar la concepción del sexo impersonal del futuro a través de la interfaz tántrico biotelemétrica -con un diseño de vestuario bastante peculiar de Carlo Poggioli- y un imaginario virtual que nos conduce a la ruta escapista de una realidad agobiante.<br />
<br />
Terry Gilliam como siempre, ama despacharse en múltiples discursos que ronden la locura, el esclavismo moderno y los universos distópicos. Algunos guiños a <i>Brazil</i> en la consecución de un escenario laboral, esta vez no dominado por la burocracia sino por la excesiva publicidad y la siempre atenta mirada de un Gran Hermano laboral, que se deleita en buscar el orden para desordenarlo y volverlo a emparejar en un circulo vicioso sinfín, donde La Dirección se manifiesta a través de su certera sentencia <i>'El Caos es Rentable'</i>.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/rae7_O_6EtU" width="560"></iframe> <br />
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La parafernalia descollante de aquel escenario nos impresiona tanto que finalmente nos desvía de un verdadero propósito narrativo. Para disfrutar <i>El Teorema Zero </i>se debe contar con dos requisitos: ser seguidor del delirio surreal de Terry Gilliam, y buscar matices distintos al ver la película más de una vez, pues en medio de un discurso un tanto difuso, se puede encontrar la placidez siguiendo a Qohen, el hombre que puede llegar a ser humano y encuentre sentido a su existencia a través de una buena compañía. Bien lo puede resumir Bainsley en aquella disfuncional relación con Qohen, '<i>Yo necesito tanto que me necesiten'. </i>Mientras tanto, resolver el dilema metafísico de la esencia del universo tendrá que apreciarse en otro filme, porque en el nuevo universo de Gilliam, surreal y de acogedor caos, nunca será revelado.<br />
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JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-85251127578302721272016-08-02T20:53:00.000-07:002016-08-02T20:53:02.337-07:00LOU REED - BERLIN<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjGkgtRzNp6NSpqHVJTrURgJdO9XdenDLMWL85VjRdZQHbfrjTKKK1nl53YKj07P7REOuZ-MelUgcNRNVwEpSCV0KuR9dxZC7c259rkSsIEw6iadeQsEBlFdh2_UmsfYICRfdSSxdtVUT0/s1600/Cover.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjGkgtRzNp6NSpqHVJTrURgJdO9XdenDLMWL85VjRdZQHbfrjTKKK1nl53YKj07P7REOuZ-MelUgcNRNVwEpSCV0KuR9dxZC7c259rkSsIEw6iadeQsEBlFdh2_UmsfYICRfdSSxdtVUT0/s320/Cover.jpg" width="306" /></a></div>
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El mundo estaba contento con aquel Lou Reed de <i>Transformer</i> (1972). Se veía una presencia jovial, de sensualidad desparpajada y con el ingrediente glam que conquistaba el universo en aquellos incipientes setentas. La gente esperaba algo similar para su tercer disco, pero la bofetada fue magistral. Y Reed se encargó de abarrotar de sombras el panorama con una apuesta osada, pretenciosa y audaz.<br />
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<i><b><span style="color: #bf9000;">UNA ÓPERA PARA EL DESAMOR</span></b></i><br />
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La sangre de Velvet Underground aún recorría sus entrañas, intoxicadas de droga, esquinas oscuras, prostitución, desamor y suicidio. Reed creó una capa gótica que expelía depresión por todos los poros, en un album conceptual de densidad abrumadora repleto de abalorios sonoros, algunos mágicos y otros sobreproducidos, una ópera rock de absoluta desesperanza ubicada en el Berlin de la época.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9A4sI59y0tfRWYmxSYgD_hNefczaA7-_lk6AOljEBUZh_gDnQc4HWfa3L2vf1pZabyDEjENXcTSB6ttWKu_KtBlyC6rSCL9NIEQwPXBbLsxE96hOuSiX6yAYQedsZqUkpkqdNVIvj_hc/s1600/HUNTER_REED_1973.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="276" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9A4sI59y0tfRWYmxSYgD_hNefczaA7-_lk6AOljEBUZh_gDnQc4HWfa3L2vf1pZabyDEjENXcTSB6ttWKu_KtBlyC6rSCL9NIEQwPXBbLsxE96hOuSiX6yAYQedsZqUkpkqdNVIvj_hc/s320/HUNTER_REED_1973.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #bf9000;">Lou Reed y Steve Hunter, pregoneros de la tragedia.</span></i></td></tr>
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Todo parecía indicar aceptación pública en 1973 luego de la convocatoria de nombres de peso dentro del universo rock: el reputado productor Bob Ezrin (Alice Cooper), Steve Hunter en la guitarra líder, Jack Bruce (Cream) en el bajo, Steve Winwood (Traffic) en teclados, los jazzistas Michael y Randy Brecker en los metales, Aynsley Dunbar (Bluesbreakers) en batería, entre otros nombres no menores. El resultado, un pomposo conjunto de arreglos y texturas orquestales camuflados en rock, y perdidos en el horizonte más deprimente bajo las líricas fatalistas de Lou Reed. La crítica cayó con azotes y el público de entonces se sintió horrorizado ante el cambio tétrico del compositor.<br />
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La historia no era tan sencilla. Una pareja de enamorados errantes, Caroline y Jim, residen en aquel Berlin dividido, viviendo y muriendo un amor excesivo, que lentamente se despedaza en partículas de infortunio. En orden lineal, Lou se encarga de desmenuzar un amor fallido donde se incluyen los ingredientes más amargos y donde jamás hay retorno.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/nKSDlq05kTE" width="420"></iframe>
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<b><i><span style="color: #bf9000;"><br /></span></i></b>
<b><i><span style="color: #bf9000;"><br /></span></i></b>
<b><i><span style="color: #bf9000;">EL ABANDONO ORQUESTADO</span></i></b><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlPw4TDaMNl9fOafHP91S8y0kY7vFPUhLCfA4U7AkWeCNyCIbuJQF3kkgRkXPowIiqUcnVwdiNlhiPX2gGm7jcEksMFje84nkaNboBALlZR1NAoYLnQDmGnF9oZv-Uve3xtYhvP3dBbVo/s1600/Reed+1973.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlPw4TDaMNl9fOafHP91S8y0kY7vFPUhLCfA4U7AkWeCNyCIbuJQF3kkgRkXPowIiqUcnVwdiNlhiPX2gGm7jcEksMFje84nkaNboBALlZR1NAoYLnQDmGnF9oZv-Uve3xtYhvP3dBbVo/s400/Reed+1973.jpg" width="306" /></a>El tema "Berlin" (rescatado de su primer LP homónimo) es la ciudad aparentemente romántica que abre la aventura con un piano sereno pero sentido, botella de vino y ambiente de café bar, donde la evocación es el lado más positivo del álbum, mientras Lou prepara lentamente lo peor. Y la malsana celebración de la desdicha comienza con "Lady Day", tema clásico de conciertos, de orquestación trágica y producción intachable, haciendo apología a la musa del jazz Billie Holiday y su vida en desequilibrio, tal como la de Caroline, que lentamente cayeron en abandono a su modo, <i>'After the applause had died down/ And the people drifted away'.</i><br />
<i><br /></i>
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El nihilismo de Lou Reed se siente alrededor de la tragedia amorosa. Jack Bruce coopera con el caos y hace un esfuerzo notable de bajo en "Men of Good Fortune", reciclaje de la época Velvet Underground que desprecia las posturas de casta o estrato al son de la orquestación. Luego del anarquismo nos sumergimos en las quejas sentimentales de "Caroline Says I", memorial de agravios de pareja, <i>'Caroline says that I'm just a toy/ She wants a man, not just a boy'</i>. El rock orquestado, lleno de ornamentos sonoros en la producción de Ezrin, deja lista la calistenia de la debacle.<br />
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Drogas, violencia, odio y desaliento, la atmósfera que invade a <i>Berlin</i>. "How do you Think it Feels" contrasta la sección viva de vientos de los Brecker y el entusiasta solo de guitarra de Steve Hunter con las líricas marchitas de abandono y narcóticos, el suplicio solitario del hombre en estado de postración anímica. Luego "Oh, Jim" genera la reacción violenta junto a los tambores poderosos de Aynsley Dunbar. <i>'When you're looking through the eyes of hate' </i>es parte del desahogo de golpes, reclamos e inconformismo de Jim hacia Caroline.<br />
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<b><i><span style="color: #bf9000;">EL ARRULLO DE LA TRAGEDIA</span></i></b><br />
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La miseria humana se revela explícita en los momentos acústicos. Hermosa desesperanza trae "Caroline Says II" en un melódico ahogo de desamor. Superando la versión original de "Samantha Says" de la Velvet, esta es una pieza magna de desafecto, <i>'You can hit me all you want to/ but I don't love you anymore'.</i> El paisaje se vislumbra más lóbrego con el lamento de "The Kids", el momento en que Caroline pierde la custodia de sus hijos y dibuja la pérdida como destino, mientras Tony Levin (King Crimson) acompaña con un bajo triste y BJ Wilson (Procol Harum) es ceremonioso baterista que escolta la angustia.<br />
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Es el final. "The Bed" es el punto de congregación de la nostalgia, las últimas emociones y el acto suicida de Caroline. Nunca antes la muerte había sonado con tal candidez trágica. Reed, casi susurrando, brinda el sonido letal con ternura fúnebre, con las teclas de Steve Winwood abriéndole paso al más allá, <i>'This is the place our children were conceived/ Candles lit the room brightly at night/ This is the place where she cut her wrists/ That odd and fateful night'</i>. Brutalidad acústica en todo su esplendor triste.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/7EPuWnDELrg" width="560"></iframe> </div>
<i><br /></i>
<i>Berlin</i> finaliza con la pesadumbre orquestal de "Sad Song" y como en el primer track, evoca lo que pudo haber sido. El vacío colmado de recuerdos por parte de Jim es dulcificado por una banda sonora entre la epopeya y el cuento de hadas de casi siete minutos. Lou Reed se ha adelantado a muchos gentiles depresivos del futuro sin que la generación de la época lo supiera apreciar. Tal vez <i>Berlin</i> tenga tonos pretenciosos, otros excesivos, y un cargado peso de tragedia, pero no deja de ser brillante, audaz y auténtico para la época. Un cántico al no futuro representado en una historia de amor que hace parecer los dramas de Shakespeare puras canciones de cuna. El neoyorquino lo hizo de nuevo: deslumbrar con su oscuridad descollante.<br />
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<br />JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-23257629440458582752016-07-08T19:17:00.000-07:002016-07-08T19:17:14.798-07:00EL MIEDO TRIUNFAL DE MAGALY SOLIER<br />
Una inocencia maliciosa se esconde tras el desinteresado look de la peruana Magaly Solier, una de las actrices naturales más sorprendentes de la última década. Aquella mirada de sufrimiento ancestral logra penetrar las fibras del más escéptico y sus formas nativas de convincente naturalidad han logrado darle un acento destacado al panorama del cine inca.<br />
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Huanta fue territorio hostil en la época oscura de Sendero Luminoso, donde se vivió el ultraje y la violación a los derechos humanos llenando la tierra de sangre. En aquella provincia tuvo que hacerse a pulso Magaly Solier, de origen campesino, manos de chacra y ojos andinos, que sin proponérselo comenzó a tejer una imagen casi mítica, envuelta en una sábana de inocencia golpeada que siempre persigue la emancipación.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWSRPuJ-al_ljjTMmHplH9NwjR60s-ww274XfL2CE6HXPMNWeAsDCClSZPEcuWm2g6RjhDWIJiE0pkI90zBSdLF6NPyTTnBzDC3aZNbS_j0LOT13i8w9-omUR9AEQfsltJYma0Rtavdhc/s1600/Captura+de+pantalla+2016-07-08+a+la%2528s%2529+21.00.48.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="237" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWSRPuJ-al_ljjTMmHplH9NwjR60s-ww274XfL2CE6HXPMNWeAsDCClSZPEcuWm2g6RjhDWIJiE0pkI90zBSdLF6NPyTTnBzDC3aZNbS_j0LOT13i8w9-omUR9AEQfsltJYma0Rtavdhc/s320/Captura+de+pantalla+2016-07-08+a+la%2528s%2529+21.00.48.png" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: orange;">El temor ganador: La Teta Asustada.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
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Su filmografía no cuenta con la fortuna de tener una distribución amplia en nuestro continente. No obstante, Solier ha logrado conquistar públicos más lejanos como el europeo, gracias a la exhibición de sus películas en festivales prestigiosos como Cannes, la Berlinale, San Sebastián e incluso una nominación al Oscar por <i>La Teta Asustada</i>, el punto álgido de su carrera como intérprete.<br />
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La impronta actoral que Magaly ha transmitido en sus cintas es aquella vulnerabilidad femenina que busca redimirse. Lágrimas de pasados tortuosos, canciones quechua que relatan el terror para apaciguar el temor, movimientos corporales de ingenuidad que guardan reverencia y desconfianza simultáneas. La actriz huantina es símbolo de un bello desasosiego que carga con el peso de sus raíces indígenas y que algún día busca salir del oscuro pasaje de la vejación occidental.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjupnReho5Mfm40q1REwEYXRuhhC8VRPHL00kkMqHRtRQDJ7rU9LSWLyReEoK1gUTQaKeuR6P_lBVV-8IpxeRWEd4BHDGyrd-oqufaM0HG6PYf6S049ZCw_z_gEDXaoCD01zTmfrfQxI2M/s1600/madeinusa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjupnReho5Mfm40q1REwEYXRuhhC8VRPHL00kkMqHRtRQDJ7rU9LSWLyReEoK1gUTQaKeuR6P_lBVV-8IpxeRWEd4BHDGyrd-oqufaM0HG6PYf6S049ZCw_z_gEDXaoCD01zTmfrfQxI2M/s320/madeinusa.jpg" width="212" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: orange;">Madeinusa: Una virgen no tan santa.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
Su debut en <i>Madeinusa</i> (2005) es la simpleza autóctona con un sueño occidental. Con apenas 19 años interpretó a una niña de costumbres ancestrales tentada por los hábitos occidentales de Lima, que debía cumplir con el ritual de ser la Virgen oficial del Tiempo Santo, época de un pueblo para hacer prácticas non sanctas. Una inocencia que se mueve en la ambigüedad del pecado, <i>'Yo si quiero ser Virgen'</i>, decía Madeinusa. En su primera aparición en gran pantalla dejó conocer sus lágrimas andinas, sus sueños de liberación y su hermosa voz quechua al canto, objeto de aclamación por los foráneos y de algunas críticas por los puristas del huayno.<br />
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Claudia Llosa fue su hada cinematográfica. Luego de descubrirla en la preproducción de <i>Madeinusa</i> y notar los buenos resultados, la directora la volvió a reclutar en <i>La Teta Asustada</i> (2008), la historia de una joven que padece una enfermedad psicológica adquirida por el terror subversivo en los ochentas, y que busca revertir el ultraje y la violación al introducirse de forma permanente una papa en la vagina. Allí Magaly Solier consolidó una estampa de identidad muy definida: una mujer estoica, temerosa, triste, recelosa, arraigada a su madre, pero siempre con la esperanza como pulmón.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAlnRa-Nk-gtipd4G7LBFHmxbt_SRWRQQ7w_UOWXXn3TVwtLO257LWPMMIb-YNyv9ZrxrkuM2ay9CDJkeNTKLDXJYJI7o3ad2Osfa-fPDWb2VSPIbmkz0JZGPf79n7VfQIW-ARPXsNJCA/s1600/Captura+de+pantalla+2016-07-08+a+la%2528s%2529+21.05.04.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="173" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAlnRa-Nk-gtipd4G7LBFHmxbt_SRWRQQ7w_UOWXXn3TVwtLO257LWPMMIb-YNyv9ZrxrkuM2ay9CDJkeNTKLDXJYJI7o3ad2Osfa-fPDWb2VSPIbmkz0JZGPf79n7VfQIW-ARPXsNJCA/s320/Captura+de+pantalla+2016-07-08+a+la%2528s%2529+21.05.04.png" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: orange;">Estoicismo a prueba. Celina, personaje de Magallanes.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
Un personaje no tan lejano al anterior se vislumbra en su más reciente aparición en cine con <i>Magallanes</i> (2015), donde interpreta una humilde peluquera con un pasado de vejaciones y abusos que no quiere recordar, y un presente de tenacidad y búsqueda por salir adelante con su hijo. En la película de Salvador del Solar, la peruana reconfirma que sus roles de mujer vulnerable le sientan bien al ojo espectador, pues combina muy bien su aspecto de sufrimiento y de resistencia esperanzadora. <br />
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El plus obligado es su faceta como cantante. Los discos <i>Warmi</i> y <i>Coca Quintucha</i> son prueba sonora de las capacidades vocales de Magaly, pero su momento glorioso se vive en la sensibilidad de "La Sirena" y los cantos quechua de <i>La Teta Asustada</i>, un soundtrack sublime inspirado en el terror donde la música es método de catarsis, pues <i>'Hay que cantar cosas bonitas para esconder nuestro miedo'</i>, dice su personaje Fausta.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmhB-I_zY5n8R1Gp-KlmOKaEBdKpGO3fo9Z3rSBgyvkg8AVLB0cC72eRSqHyKnCnqzczfbXIFNJD9Mwgy6OpKxUEat2cOrrPqw8FuU61JViV44_uAjSYkuGINjNaqgCPYhDZLOtgvXlik/s1600/magaly+singer.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="199" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmhB-I_zY5n8R1Gp-KlmOKaEBdKpGO3fo9Z3rSBgyvkg8AVLB0cC72eRSqHyKnCnqzczfbXIFNJD9Mwgy6OpKxUEat2cOrrPqw8FuU61JViV44_uAjSYkuGINjNaqgCPYhDZLOtgvXlik/s320/magaly+singer.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: orange;">El quechua melódico. Magaly Solier cantante.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
Si bien ha intentado mostrar facetas menos frágiles en títulos como <i>Blackthorn</i> o el corto <i>Ñusta Huillac, la Tirana</i>, Magaly no deja de ser la dulzura endeble de <i>Magallanes</i> o <i>Amador </i>(2010), y ya hace parte de un estilo que conmueve e invita a una candorosa intranquilidad. Sin embargo, para que la artista fortalezca su currículo internacional deberá someterse a roles con más carácter o explorar géneros alternos al drama para consolidar el gramo de credibilidad que le falta para ser actriz de élite. Por ahora, Magaly Solier puede jactarse de sufrir de un miedo triunfal en el mundo del séptimo arte.<br />
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<br />JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-89235234728249854732016-06-03T17:02:00.000-07:002016-06-03T17:02:05.959-07:00THE WHITE STRIPES - WHITE BLOOD CELLS<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_WLZwaXlMDjcZ3uC6WOLa0VcJC5ZaUOTjIx63oU6_xL6MrcRBtiEtL4Tt7mMFVXhxjvsVdNGVdt7c-bLAmOSJ_s5_4o1CTLcpeHXZTw4BQ50bFt0sHTtPEjYjJ8w0zbaJop8WqJdxqjI/s1600/White+Blood+Cells.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_WLZwaXlMDjcZ3uC6WOLa0VcJC5ZaUOTjIx63oU6_xL6MrcRBtiEtL4Tt7mMFVXhxjvsVdNGVdt7c-bLAmOSJ_s5_4o1CTLcpeHXZTw4BQ50bFt0sHTtPEjYjJ8w0zbaJop8WqJdxqjI/s320/White+Blood+Cells.jpg" width="317" /></a></div>
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The White Stripes tienen un esquema sonoro sucio, clásico, contundente, práctico. Reflejo entero de su ciudad, una Detroit sucia, clásica, contundente, práctica, refugiada en un pasado nostálgico y buscando sacudirse a gritos de su progresivo desempleo y del ingrato abandono. De algún modo esa situación acomodó la furia minimal de un dúo listo para desenfundar estruendosos disparos de efectividad melódica. La música de la inminente pobreza estatal, de las raíces y de las ganas de gritar se materializó con solidez a comienzos de este siglo a través de cuatro manos que lograron producir la amplificación más brutal para darle un cachetazo al rock y anunciarle que estaba vivo. Culpables totales, los White.<br />
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<b><span style="color: red;"><i>DECIBELES PELIGROSOS</i></span></b><br />
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Jack y Meg White son el incesto del blues y el punk, el dúo fraternal para los medios, conyugal para la recámara, los artífices de la simplicidad incendiaria. Tres es el número clave en sus movimientos: sus acordes en las canciones, su vestuario (rojo, blanco y negro), los instrumentos de sus discos (guitarra, batería y piano), entre otras cábalas personales. Y armados de herramientas básicas, removieron las entrañas del rock rescatando el garaje sesentero, amplificándolo hasta decibeles peligrosos y desfogando una sensación de desenfreno sin límite que los llevaría a la cumbre del respeto musical contemporáneo.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/7OyytKqYjkE" width="420"></iframe> </div>
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El blues fue compañero de varios riffs en sus primeras andanzas musicales, <i>White Stripes</i> (1999) y <i>De Stijl </i>(2000). La rabia aún estaba contenida. Pero en 2001 no escatimaron niveles de ruido y en menos de una semana en un estudio de Memphis le hicieron homenaje al estruendo minimal con 16 pistas irreprimibles condensadas en <i>White Blood Cells</i>, su primer álbum estelar, objeto de aplausos masivos y de flashes de cámara acosadores, que bien se pueden reflejar en su cubierta.<br />
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El disco no se explaya en piezas virtuosas de larga duración. Son cortas, incisivas, paranoicas y atronadoras. Jack se despacha entre líricas de idilios fallidos, evocaciones agridulces y recelo de la fama. Su guitarra es un riff de hirviente distorsión, la batería de Meg es escándalo sin restricción, el piano es un cómplice moderado al lado del salvaje paisaje de acordes.<br />
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<b><i><span style="color: red;">EL AMOR SEGÚN LOS WHITE</span></i></b><br />
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Las relaciones afectivas son claves en el músculo lírico de White. Ambigua sensación de bienestar y desencanto rueda entre sus canciones. "Dead Leaves and the Dirty Ground" se despacha lentamente en la evocación de la pérdida con los buenos favores visuales en el clip de Michel Gondry, "The Same Boy you've Always Known" carga con la nostalgia de un tiempo que ya no se puede rescatar, y "I Can't Wait" (con un intro a lo "Heart-shaped Box de Nirvana), es el reproche de la indecisión de sostener una relación.<br />
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La línea entre el desencanto y el entusiasmo es sostenida por el hilo ruidoso del garaje. Su tema insignia del disco es caluroso y destila amor a pura vociferación, "Fell in Love with a Girl" es explosión de simpleza perfecta con un descrestante videoclip de Gondry, recreando el amor y la música desbordados en figuras de Lego. Menos veloz, pero no menos ruidosa está "I Can Learn", dispuesta a ilustrarse para la conquista. La parada final del disfrute amoroso viene en el empaque bucólico de "Hotel Yorba", poco agraciado alojamiento de aquel Detroit, que esta vez le hace concesiones al amor de zona industrial.<br />
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No obstante, después de la conquista viene lo difícil, coexistir en una correspondencia perfecta. Entre momentos sinuosos de prisas, pausas, explosiones y pianos conciliadores aparecen las canciones de confrontación. "I'm finding it harder to be a gentleman" comprueba las dinámicas distintas entre el hombre y la mujer, <i>'Well I'm finding it hard to say/ that I need you twenty times a day/ I feel comfortable so baby/ Why don't you feel the same?'</i> En una clase de blues desigual y sucio, "Expecting" revela las fallas de dar más que el otro y no ser bien correspondido. Y "Now Mary", con las distorsiones un poco apaciguadas, busca el consenso entre las dificultades afectivas.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_s281YC0Ojq4cKuJjwuZeRqpTeGOLX8Mbg93NRQ_qKQDMN_jblIkkUaJdKY2Kh6u4KL2y9Jq_o7L5y8TAyJYqK0Z25d_CA-vcyiMNc84W54IXJ9KvOnWd2uIhdSq75lZNVHwvZbHIo1E/s1600/Live+2001.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_s281YC0Ojq4cKuJjwuZeRqpTeGOLX8Mbg93NRQ_qKQDMN_jblIkkUaJdKY2Kh6u4KL2y9Jq_o7L5y8TAyJYqK0Z25d_CA-vcyiMNc84W54IXJ9KvOnWd2uIhdSq75lZNVHwvZbHIo1E/s320/Live+2001.jpg" width="320" /></a></div>
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<b><br /></b>
<i><span style="color: red;"><b>LA SIMPLICIDAD CONTRA LA FAMA</b></span></i><br />
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En aquel momento los White sufrían de muchas prevenciones hacia la fama. El estado de comodidad pobre que les brindaban sus tiempos de <i>De Stijl</i> se iba diluyendo entre el acoso de la prensa y la popularidad en listados. Eso les generó cierto delirio de persecución que se hizo notorio en el bombo insistente de Meg y la voz quejumbrosa de Jack en "Little room" y un minuto de descontento con la fama, <i>'When you're in the bigger room/ You might not know what to do'</i>. Con las espuelas puestas en los punteos de guitarra, se mantiene la queja sobre el peso de ser personaje público en "Offend in Every Way". La gente menos interesante y más interesada se presenta oportunista para tomar ganancia con "I think I smell a Rat". Y desde su faceta más oscura y densa evocan al símbolo de la fama sin alma, el Ciudadano Kane, protagonista de "The Union Forever", canción que advierte sobre la celebridad envuelta en vacío.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhB6gKk0P2A1Q2G1FDqObwGU7PKySo3KVeOtIuBC-WM0O9E1CLFTB_DvWf4OmZDSlaIltTRKF6amBAn3gs1G-uWLBY6Mvsc-TIjvUqZcz7g4HOWnEVUEXEFiWDBIU6-nDNq5ufLWMHvFho/s1600/we%2527re+going+to+be+friends.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="315" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhB6gKk0P2A1Q2G1FDqObwGU7PKySo3KVeOtIuBC-WM0O9E1CLFTB_DvWf4OmZDSlaIltTRKF6amBAn3gs1G-uWLBY6Mvsc-TIjvUqZcz7g4HOWnEVUEXEFiWDBIU6-nDNq5ufLWMHvFho/s320/we%2527re+going+to+be+friends.jpg" width="320" /></a></div>
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Tanta fama y prestigio solo podía evadirse a partir de la simplicidad. La simplicidad de una batería de brusquedad esencial, de tres acordes efectivos de guitarra, de evocar mejores tiempos desobligados, tal como en "We're going to be Friends", la dulce evocación musical de infancia donde el acto más relevante es divertirse, <i>'There's dirt on our uniforms/ from chasing all the ants and worms/ We clean up and now it's time to learn'</i>. Es el momento de intimidad dócil del disco, donde los Stripes no desentonan en aquella cándida masa de cuerdas acústicas y bombo cómplice.<br />
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Y a punta de sencillez, los White ganaron fama y respeto. No hay mayores arandelas, lo básico se hace grandioso y la fórmula es pasión de rock de garaje, desmedido en volumen, simple en construcción. <i>White Blood Cells </i>fue el leucocito de rescate para un rock and roll que se veía alicaído a comienzos del nuevo milenio, partiendo desde lo esencial haciéndolo descomunal y promoviendo una figura novedosa que poco se conoce en el medio musical, un <i>power duo</i> que fuera capaz de generar tanto con tan poco, aquel escándalo plácido que marcó con fuerza la primera década del nuevo siglo.<br />
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<br />JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-57039797606170911202016-05-02T07:38:00.000-07:002016-05-02T07:40:40.147-07:00LARRY FLYNT O LA JUSTA OBSCENIDAD<br />
Escándalo. El término favorito de Larry Flynt, magnate de la pornografía con la firma Hustler en su respaldo, que causó jaquecas y repudio entre la comunidad moralista durante las décadas de los setenta y ochenta. Parodias contra líderes religiosos, fotos explícitas de coños libertarios, videos comprometedores en negocios de drogas y desafíos verbales sin prejuicio en los estrados de la corte. Un cúmulo de razones para desenvainar unos cuantos rollos de celuloide y rescatar una serie de aventuras judiciales para terminar en gran pantalla. El checo Milos Forman asumió el reto y se encargó de convertir a un ordinario pero divertido patán del negocio adulto en un portavoz de la libertad de expresión en las carteleras de 1996.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIa8_fPHCrshMRTE7s_LJrzx1Y1FiycchKuFeSAVNd6b0Z95CEXbJ2v0Dsb_SXk1mcv1U62h1p_LmsLwUi9ShPlCXAIAOiz58-aELeuSAJ4LcvLJxfOtq4f4vnQ1vH0zLyOQicY7pLsTM/s1600/milos.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjIa8_fPHCrshMRTE7s_LJrzx1Y1FiycchKuFeSAVNd6b0Z95CEXbJ2v0Dsb_SXk1mcv1U62h1p_LmsLwUi9ShPlCXAIAOiz58-aELeuSAJ4LcvLJxfOtq4f4vnQ1vH0zLyOQicY7pLsTM/s1600/milos.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #6fa8dc;">Milos Forman, el nombre del escándalo audiovisual.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
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Forman ya contaba con buenos créditos para emprender este proyecto. <i>Atrapados sin Salida</i> (1975), <i>Ragtime</i> (1981) y <i>Amadeus</i> (1984) son comprobantes de buena dirección. Con la mano amiga de Oliver Stone decidieron crear un perfil rebelde, autoritario, audaz y problemático de un Larry Flynt que siempre tuvo sus ojos centrados en dos palabras, ganancia y controversia. El candidato ideal para interpretarlo fue Woody Harrelson, popular en esa época por su papel del asesino Mickey en <i>Natural Born Killers</i> (1994), dirigida por Stone.<br />
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<i><b><span style="color: #6fa8dc;">VAGINAS CON PERSONALIDAD</span></b></i><br />
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Flynt fue un negociante intrépido. Desde sus tempranos negocios de licor casero hasta sus clubes de strippers en Cincinnati, la visión de utilidad a través del placer fue su consigna desde muy joven. Bien dijo <i>'Si la gente supiera lo buenas que son en la cama, tendríamos éxito'</i>. Aquel espíritu impulsivo lo llevó a montar un imperio de imágenes explícitas, vaginas aromáticas a billete que lo convirtieron en magnate. Hustler es la coprotagonista del film. Gracias a la revista y sus continuos desafíos a una sociedad americana pacata, se revelan los estados de ánimo de una comunidad amarrada a los estándares tradicionales y las propuestas librepensadoras de un ser humano que pecaba <i>'solamente por tener una revista'</i>. El biopic se agarra fuertemente de las controversiales impresiones de vaginas progresistas, cuentos infantiles acalorados en dibujo genital y burlas incestuosas a líderes respetables. Todo para reforzar un tema en concreto: el flujo libre de las ideas.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOkS0P1_NjlO0yViPNBIL5Au33rCQ0NSNtO4Yc8UV50jLjPqD7leIhSMMzj78QyboF61ODIU3MWlZKosMCm0uYSAoGpxFUXBJjoUZHq_FyxnwXokefdneLXYoDoh-aebI1oFzhtUW_cJ4/s1600/flynt+juez.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="232" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOkS0P1_NjlO0yViPNBIL5Au33rCQ0NSNtO4Yc8UV50jLjPqD7leIhSMMzj78QyboF61ODIU3MWlZKosMCm0uYSAoGpxFUXBJjoUZHq_FyxnwXokefdneLXYoDoh-aebI1oFzhtUW_cJ4/s320/flynt+juez.JPG" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #6fa8dc;">Condenándose a sí mismo. El Larry Flynt real, juez en el filme.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
En medio de la discusión, los estrados son la locación estelar. Un recinto cerrado, apático a las cámaras y de marcada solemnidad, resulta ser el centro más interesante de los parlamentos, donde se resuelven entuertos de legalidad, de inmundicia literaria, de falsa difamación y de libertades civiles. Hasta el mismo Larry Flynt real se enrola irónicamente en el papel de un juez que falla en contra suya. Allí se desarrolla un prolongado litigio entre la sociedad y el empresario, rico en puntos de vista, posturas moralistas y liberales. El debate de la libertad de expresión (actualmente en boga con las redes sociales) no deja de ser un interesante juego de intereses construido con eficacia por Scott Alexander y Larry Karaszewski, guionistas del film.<br />
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<i><span style="color: #6fa8dc;"><b>SIMPÁTICA ANTIPATÍA</b></span></i><br />
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Mientras Flynt pelea con medio planeta en su cruzada liberal y libertina, el aplauso recae en sus protagonistas. Woody Harrelson emplea sus mejores armas de rebelde, palurdo, obstinado en una causa e interpreta a un Flynt creíble, en especial desde el atentado que sufre en Georgia y su confinamiento a la silla de ruedas y a una dicción imperfecta. Por su parte, Courtney Love -sí, la chica de Kurt Cobain sabe actuar- representa una Althea Flynt (esposa de Larry) libre y despreocupada, que va sufriendo una transformación sorprendente con el desarrollo de la cinta y que convence con su desparpajo enfermo y su ordinariez entusiasta. Un Edward Norton muy joven interpreta al abogado de Larry, Alan Isaacman, con fiel paciencia, encarnando la voz moderada de la protesta. Finalmente cabe destacar el papel de Donna Hanover como la devota Ruth Carter, quien intenta evangelizar el reino de Gomorra de apellido Flynt desde su iglesia cristiana.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitxvgH_39V8dMmz4IQuIV7OfPlT9Et0kMh0QDR-5SiAXnaGeIxSw8vY5xB_-hs-H13W4PiZhYnGl4nheEI-BYKigi9RUG2xzO8SbUAfyOqXGOeT0nRdV_GKrrQEA1NQecX6faNhpTSvNc/s1600/Couple.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitxvgH_39V8dMmz4IQuIV7OfPlT9Et0kMh0QDR-5SiAXnaGeIxSw8vY5xB_-hs-H13W4PiZhYnGl4nheEI-BYKigi9RUG2xzO8SbUAfyOqXGOeT0nRdV_GKrrQEA1NQecX6faNhpTSvNc/s320/Couple.jpg" width="211" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #6fa8dc;">El amor pervertido. Los Flynt, Woody Harrelson y Courtney Love.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
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Milos Forman se deja contagiar en instantes del espíritu de Stone y juega con un montaje ágil, con alegorías animales y con enlaces entre escenas inteligentes que se asocian con fuerza, como pasar del nombre del banquero moralista Charles Keating a la imagen de una registradora, o de una frase polémica de Flynt a una sorpresa intempestiva de otro personaje en la escena siguiente. El alma ocular de Oliver Stone tiene su notoriedad en el video promocional de la Convención de Cincinnati, donde se combinan sin ninguna restricción el sexo y la violencia, el coño juguetón y la sangre soberbia, y donde Flynt acuña una de las líneas más competentes en su lucha por expresarse libremente: <i>'¿Qué es más obsceno? ¿El sexo o la guerra?'</i><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIvx8qEXdmFDfIkY8AdlMKRLg8Gae7HAKqOY_dc45fq9hQAQo5jYI8gcpyPgKn55kjaIpPklE86WjQanpBWEwqjazXaLfIYrNqlF5y0opc_Qr-wdlrUMem3SEoA8Y3C7riO2nf_BroOH8/s1600/Flynt+speech.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="137" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIvx8qEXdmFDfIkY8AdlMKRLg8Gae7HAKqOY_dc45fq9hQAQo5jYI8gcpyPgKn55kjaIpPklE86WjQanpBWEwqjazXaLfIYrNqlF5y0opc_Qr-wdlrUMem3SEoA8Y3C7riO2nf_BroOH8/s320/Flynt+speech.png" width="320" /></a></div>
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<i>People Vs Larry Flynt</i> logra captar la simpatía por la antipatía. Romper el tabú se vuelve consigna del espectador, promover causas libres y entablar consenso con la diferencia, a pesar de un protagonista testarudo, irrespetuoso y autoritario, que finalmente solo quería tener voz libre entre las páginas millonarias de Hugh Hefner (Playboy) y Bob Guccione (Penthouse). Milos Forman logra salir bien en la forma, con un arte y vestuario respetable de época, una fotografía que si bien no es suntuosa cumple con un buen registro, y con un fondo interesante donde la moral y el libre albedrío tienen una confrontación tan pareja que es para alquilar silla en el tribunal.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/byueNcr92ZE" width="420"></iframe>
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<br />JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-21028475635485615932016-04-05T20:56:00.002-07:002016-04-05T21:00:38.224-07:00BELLY - STAR<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifE6zVHzuxRA1WDFxDWon9W6veCsIv4jdn_KwDxsMOzLtw47_hvmKAj5wn18m6C8RCXV9U5NtVvsLSpHaTBScNu3KDmXmQ77YsI_iXjRTwZi4XKlZkpRPYfFLOYR0Ps2eJBjPXR-VQBIM/s1600/cover+star.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifE6zVHzuxRA1WDFxDWon9W6veCsIv4jdn_KwDxsMOzLtw47_hvmKAj5wn18m6C8RCXV9U5NtVvsLSpHaTBScNu3KDmXmQ77YsI_iXjRTwZi4XKlZkpRPYfFLOYR0Ps2eJBjPXR-VQBIM/s320/cover+star.jpg" width="320" /></a></div>
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Los noventas cargaban con la distorsión alternativa desde su inicio. Y aunque el estado de Washington fue el promotor del estallido, progresivamente se fue esparciendo como un virus por todos los estados del país del Tío Sam. Sin embargo, una enorme influencia dio brote en Massachusetts con Pixies, el equilibrio entre la descarga crepitante y la insolencia pasiva, engendrado por Black Francis y Kim Deal, esta última precursora de la presencia femenina sin aspavientos dentro del panorama alternativo. Deal uniría fuerzas con Tanya Donelly para ensamblar The Breeders y concretar otra salida triunfal del rock en Boston. Pero las distorsiones llegaron a adquirir un aire especial a través de un nuevo proyecto de Donelly, quien le abrió las puertas del cielo a los ruidos con su voz de candidez luctuosa y su banda Belly.<br />
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<span style="color: #93c47d;"><i><b>EL INICIO DE LA DULCE ASPEREZA</b></i></span><br />
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Tanya Donelly ya cargaba con kilometraje musical. Proveniente de Rhode Island, había formado junto a su hermanastra Kristin Hersh el grupo Throwing Muses, que se precia de ser el primero fichado en EEUU por el sello 4AD. Cuatro LPs, un historial independiente de culto y dos líderes de inversas ambiciones, el desequilibrio experimental por parte de Hersh, la dulzura surreal por parte de Donelly. Lo mejor era inclinarse por nuevos caminos. Y luego de su lapso útil en Breeders decidió ser líder del ensueño disfrazado de rock. Nació Belly.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidaYtPLt90tROSDMwcdefCQX2yVixhh9dax7djkSPk7abpnMGdMRWXkbL3P142t54ozWqZTi0nfawHPewZ4a196QghDCVHq_jsX1Ar-2ESQ8FZRbxj3wJ7Zhs9IpZIWfITZm6tMoLz4x8/s1600/Tanya+%2526+los+Gorman.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidaYtPLt90tROSDMwcdefCQX2yVixhh9dax7djkSPk7abpnMGdMRWXkbL3P142t54ozWqZTi0nfawHPewZ4a196QghDCVHq_jsX1Ar-2ESQ8FZRbxj3wJ7Zhs9IpZIWfITZm6tMoLz4x8/s320/Tanya+%2526+los+Gorman.jpg" width="259" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #93c47d;">Donelly y los Gorman. El ruido melancólico.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
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Belly es una dulce aspereza llena de mitos, reproches y frustraciones líricas. Las cuerdas se distribuyen sin mayores complejidades, entre bonitos arpegios que rezuman lágrimas de pasado, con la hermosa voz de Donelly piloteando un avión estelar con aires de fatalismo suave. Los hermanos Tom y Chris Gorman son los cómplices de aquel cándido desengaño entre cuerdas y baquetas, mientras el bajo discreto de Fred Abong acompaña el ensamble del poder discreto.<br />
<i><b><span style="color: #93c47d;"><br /></span></b></i>
<i><b><span style="color: #93c47d;"><br /></span></b></i>
<i><b><span style="color: #93c47d;">MELANCOLÍA ALTERNATIVA</span></b></i><br />
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<i>Star</i> fue lanzado en enero de 1993 como album debut, luego de tener un EP el año anterior. Quince temas basados en cuerdas tristes y voces tiernas, un marco de pura melancolía alternativa. Fue un éxito, teniendo en cuenta dos nominaciones al Grammy, 2 millones de discos vendidos y figuración en listas a los dos lados del océano. Un éxito bañado de vacío dulce, con la candorosa Tanya quejándose con los arpegios casi góticos de "Someone to Die For" o ladrando un rock inquieto pero desconsolado en "Full moon, Empty heart".<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHgnsazLmBU05wVdNK5Aq3DM6jI4Z22-FB-lXvXrRTlD9JwZca2UFw_YK6e1HjKKXHQU6AT8EBYKEbFO9oMFJmmAkJAEY3M1ntoBl3IIfzzka9DNUqDXl4U-1ji9IuoqwLVRJyVr0BYoU/s1600/Tanya.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="217" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHgnsazLmBU05wVdNK5Aq3DM6jI4Z22-FB-lXvXrRTlD9JwZca2UFw_YK6e1HjKKXHQU6AT8EBYKEbFO9oMFJmmAkJAEY3M1ntoBl3IIfzzka9DNUqDXl4U-1ji9IuoqwLVRJyVr0BYoU/s320/Tanya.png" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #93c47d;">Tanya Donelly, el ángel desconsolado del ruido.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
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Las guitarras de Donelly y T. Gorman son absolutas protagonistas de aquel abatimiento sereno. Desde el slide surreal de "Witch" que nos mete en una intimidad eléctrica, pasando por la ruralidad de rompimiento acústico en "Untogether" lleno de fatalidad dulce <i>(</i>'<i>Sometimes there's no poison like a dream')</i>, hasta llegar a la melancolía más intensa y angustiosa de "Star". Durante todo el disco los arpegios solemnes se turnan con los riffs azarosos en un efectivo lamento electroacústico comandado por una voz femenina que no pertenece al plano terrenal.<br />
<br />
La docilidad melódica se hace enérgica en algunos pasajes y el ruido se entremezcla con las disertaciones oníricas. Agobiante dosis de drama celestial trae "Angel", con acordes rescatados de la época de Throwing Muses y su "Raise the Roses". El ensueño es agresivo en "Dusted", lleno de muerte y melancolía rabiosa, anticipado por el bajo de Abong, quien sería reemplazado en la gira por la inquieta Gail Greenwood. Cierta acidez salpicada de efectismo traen las guitarras de "Sad Dress", donde Donelly sigue desbaratando con mansedumbre las relaciones humanas y le abre camino infinito a la tristeza.<br />
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<div style="text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/mnjPsLkspkg" width="420"></iframe>
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<span style="color: #93c47d; font-style: italic; font-weight: bold;"><br /></span></div>
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<b><i><span style="color: #93c47d;">QUEJIDOS PARA LA RADIO</span></i></b><br />
<b><i><span style="color: #93c47d;"><br /></span></i></b>
Su apuesta masiva se logró a través de un One Hit Wonder, aún recordado por el público juvenil de la época: "Feed the Tree", el tema menos etéreo, el menos rocanrolero, el que menos compagina con sus quejidos nebulosos, que cuenta con un efectivo mestizaje pop y fue de libre acceso para muchos oídos, que a diferencia del desánimo lírico del LP propone una letra que busca cultivar amor y respeto, <i>'Take your hat off when you're talking to me/ And be there when I'll feed the tree'.</i><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwHO6COWlcA-y5frM10fGx2m8m5jHBN_97I1EAFjSfQsFjJJxTZmHlFP3ZqBVnz1na1VV_3m-XTFVsJzhHRStZsKvYdgWtfi0DRKoqCl3RB0SoDD4VWqj39z1aRcSIB2KUzi3NKxsXLfY/s1600/gepetto.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="179" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwHO6COWlcA-y5frM10fGx2m8m5jHBN_97I1EAFjSfQsFjJJxTZmHlFP3ZqBVnz1na1VV_3m-XTFVsJzhHRStZsKvYdgWtfi0DRKoqCl3RB0SoDD4VWqj39z1aRcSIB2KUzi3NKxsXLfY/s200/gepetto.jpeg" width="200" /></a><br />
<br />
"Feed the Tree" fue la única canción funcional en radio, pues sus dos intentos posteriores no tendrían el mismo impacto. "Gepetto" es una canción de rock pop traviesa, bastante jovial para el repertorio de Belly, con inyecciones de nostalgia lozana, y que le quita el vestido tradicional al folk para disfrazarlo de pop desinteresado y entusiasta <i>('And if you bore me/ You lose your soul to me')</i>. El tema más rápido del disco es "Slow Dog" que se desenvuelve en melodías accesibles y rimas pegajosas de rifles y perros, que no logró llegar a los listados grandes. La selección de la disquera fue la más 'comercial', pero tal vez su público sabía que en su disco se encontraban mejores ejemplares para ser escuchados en radio.<br />
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<b><i><span style="color: #93c47d;"><br /></span></i></b><br />
<b><i><span style="color: #93c47d;">RIFFS DE LIJA DULCE</span></i></b><br />
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La fórmula del aplauso es su furia contenida en riffs de lija dulce. Es un quejido rock suavizado por el esplendor vocal de Tanya, pero siempre viajando a un destino sin retorno. "Every Word" es una lenta y llevadera aspereza empacada en reproches <i>('So you go to leave/ More room to me').</i> Como un canto fúnebre de agitación aparece "Low Red Moon", reforzado con unos teclados de drama intenso, voces de lamento ritual y un derrotismo evidente que evoca al pasado con dolor. El mayor acierto musical de <i>Star </i>es el espeso y misterioso "White Belly", compuesto a cuatro manos entre Donelly y Abong, y con una cadencia de pesadilla tierna que lo hace fantástico. Un tema que se amolda muy bien a la filosofía del sello 4AD.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/4of7_ApVjSQ" width="420"></iframe>
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El álbum cierra como debe ser, a punta de la dulzura lacrimosa de "Stay", donde hay un ápice de esperanza en medio de tanta pesadumbre, entre lentos arpegios de ensueño rural. Tanya Donelly había logrado aderezar la distorsión fatal con el tono de candidez preciso, para hacer de <i>Star</i> un trabajo memorable. Su pertinente tristeza celestial logra camuflarse entre el ruidoso aparato alternativo de Boston y encaja con lucidez, y a pesar de no figurar entre los albums inmortales del público y la crítica, es un dechado de sonoridad bien construida, donde la melancolía humedecida en lágrimas de distorsión se vuelve estelar.<br />
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<br />JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-58669229414683881732016-03-04T18:32:00.001-08:002016-03-04T18:32:39.458-08:00MAURICE WHITE, EL ELEMENTO CLAVE <br />
Espíritu. Palabra que se ondea junto a a bandera musical de Earth,Wind and Fire, el proyecto liderado por el inmenso Maurice White, del que su nombre no es objeto común de búsqueda, pero es la omnipresencia de un ensamble que logró conjugar el mayor sabor de la música negra americana de los setentas con puestas en escena llenas de magia, luces, vestuario pero sobre todo, un positivismo ritual que impregnó todos sus discos y shows. Aquella presencia física nos ha dejado a comienzos de 2016. Pero su Espíritu se hace más fuerte.<br />
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El mundo de la música generalmente va de la mano con historias de vida, presencias líricas frontales de la tragedia, expresiones de protesta social, anarquía juvenil o simplemente despilfarro y goce pagano. Tal vez ningún grupo tenga la onda de hambre optimista que siempre estuvo al servicio de Earth, Wind and Fire. Una dosis de espiritualidad jovial que nunca cayó en la etiqueta religiosa y que siempre pugnó por una vida saludable al son de la fiesta. El Memphis natal de Maurice White le enseñó que los cantos gospel de su abuela Elvira y la concepción de un Creador poderoso lo iban a guiar a transmitir un mensaje a través de su música. La idea era camuflar aquel misticismo en un disfraz de juerga virtuosa y exaltación escénica.<br />
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<span style="color: red;"><b><i>KALIMBA STORY</i></b></span><br />
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Africa. La raíz, el llamado ancestral, la inquietud por la percusión. <i>'My whole thing is rhythm'</i> dijo White y lo demostró en Chicago a través de sus baquetas cómplices de los sonidos de Etta James, Muddy Waters, The Impressions, Buddy Guy, entre otros, quienes le brindaron la confianza para soltarse en la amalgama musical negra y fortalecer sus vínculos con el blues, el jazz y el soul. Pero fue el fecundo pianista Ramsey Lewis quien le aportó soltura necesaria para mostrarse en su Trío durante el segundo lustro de los sesentas, y que de paso le presentaría su futura amante por décadas, la kalimba (instrumento de percusión africano originalmente llamado Mbira), instrumento que haría las delicias de propios y ajenos en la discografía del grupo de los Tres Elementos.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNCxQ2xqi0Likh7oPjNgQEwNHus-efLWV-Yfx83CK1v6-3nUfSVqwp7bkafjeIYfKS6fV-tC_XvZcim5GpxFhj-wIyLQqnCsqO5alZh3seOLim34lLax9_vWLGzD4ozi4G4nmtfqg7G-c/s1600/Con+Ramsey+Lewis+Trio.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="215" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhNCxQ2xqi0Likh7oPjNgQEwNHus-efLWV-Yfx83CK1v6-3nUfSVqwp7bkafjeIYfKS6fV-tC_XvZcim5GpxFhj-wIyLQqnCsqO5alZh3seOLim34lLax9_vWLGzD4ozi4G4nmtfqg7G-c/s320/Con+Ramsey+Lewis+Trio.png" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: red;">Maurice White, en sus tiempos de Ramsey Lewis Trio.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
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El reconocimiento se vio más viable en Los Angeles. Y allí se le aparecieron con la venia del éxito. Earth, Wind and Fire se hacía presente con su propuesta mística, con su descarga ventilada de buenas vibraciones y con una convicción nacida de lo emocional, <i>'La música es un proceso creativo que proviene del corazón'</i>, afirmaba White. Junto a sus hermanos Verdine y Fred, y una comitiva especial de individuos que transpiraban música conformó su proyecto, acompañado del falsetto sensible de Philip Bailey y una sección de vientos robusta en color. Una trayectoria que inició en 1971 con un álbum homónimo, y que trascendió con placas vitales como <i>That's the Way of the World</i> (1975), <i>I Am</i> (1979), o <i>Raise! </i>(1981).<br />
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<i><b><span style="color: red;">UN GENIO SIN EXCESO</span></b></i><br />
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La vibración positiva era la sensación a irrigar desde tarima. No tenían nada que envidiarle a los estruendos soberbios de Kiss, a la parafernalia del glam o a la arquitectura magnífica de Pink Floyd. La demostración en escena de EWF era una suite de sudor láser, ilusiones ópticas, coreografías entusiastas, pirámides mágicas, aliens disparando y músicos levitando, todo bajo el comando de un Maurice que parecía tener baterías recargables para un decenio, envuelto en su traje de psicodelia mística, cargado de un discurso extraído del libro <i>The Laws of Success</i>, provisto de un arraigo por Africa y las pirámides de Egipto casi obsesivo, y llevando como amuleto camuflado la figura de Dios entre símbolos y señales en el escenario. Lo más sorprendente, bajo ningún influjo alucinógeno, donde las armas secretas eran entusiasmo desbordado, horas de sueño de rigor y un par de vitaminas. Un genio sin exceso.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQOERrblb7SgaNEIzDIyR_LOf6ZMrd9tpcmGszQTeWZqew2yq_TNLQcHQLWBIzWQfwHNsgWOsgjYAUh8oezW9RHP8Ww7E_rKBLICH8Rk1HrTcfabgG8i8nzoFCgrE5FpzW-DTdZ_5Jy1E/s1600/ewf-maurice.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQOERrblb7SgaNEIzDIyR_LOf6ZMrd9tpcmGszQTeWZqew2yq_TNLQcHQLWBIzWQfwHNsgWOsgjYAUh8oezW9RHP8Ww7E_rKBLICH8Rk1HrTcfabgG8i8nzoFCgrE5FpzW-DTdZ_5Jy1E/s320/ewf-maurice.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: red;">El elemento estelar de Earth, Wind and Fire</span></i></td></tr>
</tbody></table>
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Los arreglos, la escritura, la interpretación de instrumentos, la labor de frontman, la producción. Maurice White no solo brindó dádivas cerebrales a su grupo consentido, sino que junto a Charles Stepney conformaron una llave como productores que hizo su nombre respetable; pasaron por Kalimba Productions Deniece Williams, The Emotions, Barbra Streisand, Atlantic Starr, el mismo Ramsey Lewis, entre otros. Y aprovechando la pausa de su banda durante los ochentas lanzó su disco solista homónimo en 1985 con el cual tuvo un pequeño lapso de brillo para su nombre con el cover de Ben E. King "Stand by me" y el tema "I need you". Sin embargo, nunca le prestó atención al veneno de la fama y su nombre como solista mantuvo un perfil moderado, sobrio y bajo criterio respetable.<br />
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No existirá un "September" más lleno de amor groovy; no hay invitación más saludable a la fiesta que "Let's Groove"; no hay un tema Disco más infestado de Soul que "Boogie Wonderland"; no hay sonrisa más reluciente que "Shining Star". No es casual vender más de 90 millones de ejemplares de su discografía, ganar 9 Grammys y tener el aplauso al unísono de la crítica y el público. Detrás de aquel esplendor sonoro siempre estuvo el paciente, místico y entusiasta Maurice White, quien siempre abogó por una imagen desprovista de razas, religiones o estratos para cantarle a una sola Humanidad y que promulgó la idea de un universo donde la gente se inspirara a través del pensamiento reflejado de Earth, Wind and Fire. No hay duda que, de estos tres Elementos, White fue la clave del equilibrio. <i>Gratitude</i> para la estrella más brillante de aquella constelación musical.<br />
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<br />JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-15548537856580271612016-02-02T20:39:00.000-08:002016-02-02T20:49:27.634-08:00THE STONE ROSES - STONE ROSES<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_f4gdzjmtu5PQqYGMykG0f2Y9Xeu0udJKxrili87ow9JQP_8y7uzkNOXMRas122j2EWKusfbAW4O6dtb_8D-_mhEACj2ukdUN84vETM5TbMzbElUNN6rlU4RV69ygBitHz7QVgFffQtw/s1600/Cover.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_f4gdzjmtu5PQqYGMykG0f2Y9Xeu0udJKxrili87ow9JQP_8y7uzkNOXMRas122j2EWKusfbAW4O6dtb_8D-_mhEACj2ukdUN84vETM5TbMzbElUNN6rlU4RV69ygBitHz7QVgFffQtw/s1600/Cover.jpg" /></a></div>
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Arrogante y fresco. Un pop rock que aparenta sencillez, engancha entre dulzuras mordaces y ha sido ensalzado entre la crítica con el paso del tiempo. Catalogados entre la escena del Madchester, no llegaron a poseer ese beat tan bienvenido en la Hacienda a lo Happy Mondays, pero capturaron parte del desparpajo de finales de los ochentas, y le hicieron las primeras tareas a un incipiente brit-pop, el factor dominante en la música inglesa de la siguiente década.<br />
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Escuchar sin atención a Stone Roses causa una impresión algo dulzona, absolutamente influenciada por las melodías del rock sesentero entre The Beatles (Pre-Revolver) y The Byrds, unas guitarras con acento pero que no causan heridas y una voz angélica y no tan eminente. Agarrados de una melancolía pretenciosa, casi mesiánica en sus letras y de un culto al ego como subtexto. Hasta allí, es un grupo inglés más sin más.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXmUSyJS0NW5EzcdmfRMbd3Y4SCCSfRf5jd87412aV4OB3Sd2Tj7D_a_A7a8sKIlqcSQdmim4SdTfvz0URbExCRdTRqtrdxmNk6vP2qtGr6DhzWubZ31J8vaJSvgQcRpWBfe76LH7PlpY/s1600/stone-roses-1989.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="187" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXmUSyJS0NW5EzcdmfRMbd3Y4SCCSfRf5jd87412aV4OB3Sd2Tj7D_a_A7a8sKIlqcSQdmim4SdTfvz0URbExCRdTRqtrdxmNk6vP2qtGr6DhzWubZ31J8vaJSvgQcRpWBfe76LH7PlpY/s320/stone-roses-1989.jpg" width="320" /></a></div>
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Este album debut tiene un peso que no se percibe tanto en 1989, año de su publicación. Se hizo cada vez más fuerte, más compacto, el Peso de su influencia a través de las décadas. Bandas como Oasis, Blur, Suede, Kula Shaker y toda la parafernalia del brit pop no hubieran adquirido una identidad si no hubiera existido un padrinazgo indirecto de la música de Stone Roses, pues ellos fueron quienes comenzaron a darle molde a esa sonoridad que hizo explotar de popularidad ese rock joven, ególatra, sin ebulliciones épicas pero muy efectivo en las melodías, y con un tono catchy que logró tener en sus manos a críticos y fans.<br />
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Hay que agregar al plus las capacidades musicales de sus integrantes. La línea de bajo de Mani es decisiva y marca la pauta, la batería de Reni sin ser explosiva logra desenvolverse con soltura, la voz de Ian Brown se deja llevar entre melancolías de almíbar y atmósferas un poco más enérgicas entretanto su cuerpo se zarandea en un baile a lo Madchester. La joya melódica de la banda reside en las manos de John Squire y sus grandes virtudes a la guitarra, que se despacha entre arpegios cándidos o solos compulsivos y brillantes.<br />
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El ejemplo más cercano al Madchester es aquella convulsión de rock, beats y ácidos de "I am the Resurrection" provisto de una sección instrumental delirante y de espíritu rave, donde los músicos exorcizan sus mejores atributos y se dejan envolver por la atmósfera de la fiesta. "I Wanna be Adored" es su lado más etéreo, un viaje comandado por el bajo y el baile madchesteriano de Brown que estira sus cuerdas vocales hasta el infinito, en un mantra indie que sobrevive a las décadas.<br />
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Las osadías del album se remiten a la versión en reversa de "Waterfall" titulada "Don't Stop" con una letra nueva superpuesta y un aura psicodélica que hace pensar en alguna extracción sonora desde Medio Oriente, rematando con la comprobación de un ego que supera cualquier intento de alarde, <i>'Don't stop, Isn't funny how you shine?' </i>Con toda la propiedad del asunto también se encargan de lanzar sus piedras líricas contra la Reina de Inglaterra en el arpegio acústico de "Elizabeth my Dear", donde el odio se camufla en sutileza.<br />
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El resto del disco se hace dócil, camufla lindas construcciones de arpegios y arreglos que evocan los momentos más gloriosos de las armonías Beatle, los jugueteos jangle de Roger McGuinn y las candorosas escenas sesenteras de Beach Boys. "She Bangs the Drums", "Bye bye Badman" y "Waterfall" son un claro ejemplo de esa herencia dulce.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQ3mboDfe5OAULxzM0ARlMJvTVIr85qnnN_tUEVJh0D4RDMFOgH2wpfpCGoV6XOFoTglXDh5NPY_93_u0xuQarg-sxoxSR0Bd8WeZFLIUcNDzjOAh9yTngZ-ixDBpiNHyHDImordGLhV4/s1600/Stone_Roses_I_Am_the_Resurrection.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQ3mboDfe5OAULxzM0ARlMJvTVIr85qnnN_tUEVJh0D4RDMFOgH2wpfpCGoV6XOFoTglXDh5NPY_93_u0xuQarg-sxoxSR0Bd8WeZFLIUcNDzjOAh9yTngZ-ixDBpiNHyHDImordGLhV4/s1600/Stone_Roses_I_Am_the_Resurrection.jpg" /></a></div>
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Stone Roses generó un seguimiento mitológico a partir de su album debut, pero jamás se pudo desprender de este y sus siguientes intentos no lograron igualar el coletazo de respeto crítico. "Fools Gold" fue el single de finales de 1989 que dejó encumbrados a los cuatro de Manchester con su himno Madchester, y su LP <i>Second Coming</i> (1994) le generó buenos números pero no tantas buenas críticas. Su influencia se siguió sintiendo en manos ajenas como Pulp, Ocean Colour Scene, James o MGMT y esa fue su principal carta de recomendación: lograr impactar con su pop rock de arpegios astutos y baqueteos limpios a generaciones del futuro que fueron embriones del final de una década marcada por el delirio de las fiestas y la autoestima cenital del rock inglés de entonces.<br />
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<br />JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-78947315661079785262015-12-23T10:09:00.000-08:002015-12-23T10:15:20.165-08:00CINEMA COLOMBIA 2015<br />
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Una erupción inusitada de títulos colombianos inundó la cartelera nacional en el 2015, provocando una especie de aparente boom que ofreció variadas posibilidades en género, formas y talentos incipientes que en teoría brindaron una inyección refrescante de cine local a todos los teatros del país. No hubo mes donde alguna cinta colombiana no estuviera en cartelera, lo que simuló una buena salud en el panorama cinematográfico; cabe agregar las cintas premiadas en tierras y festivales ajenos, con títulos del calibre de <i>El Abrazo de la Serpiente</i>, <i>Gente de Bien</i> o <i>La Tierra y la Sombra</i>, lo que podría redondear el 2015 como el año clave del cine colombiano. Todo muy colorido, todo muy bonito.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRwDxuKcVtXEsVDWnZQoGmkolvmgn1GULfcF58w_sv9DcQSDrfAMDoyUFRejnAByXYSowRjs2nHie0e3XRlL9c9rbKHRxvHjBX6ENo_nHKSRY1lF2pBJ6CgIWC4076W8iyE5mQ7pYFwas/s1600/Abrazo+S.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRwDxuKcVtXEsVDWnZQoGmkolvmgn1GULfcF58w_sv9DcQSDrfAMDoyUFRejnAByXYSowRjs2nHie0e3XRlL9c9rbKHRxvHjBX6ENo_nHKSRY1lF2pBJ6CgIWC4076W8iyE5mQ7pYFwas/s400/Abrazo+S.jpeg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: orange;">El Abrazo de la Serpiente, el Amazonas mítico y épico.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
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Pero de alguna forma el cine es como el amor. Necesita ser correspondido para una entera satisfacción. Con más de 30 títulos estrenados, premios ganados en Cannes y en festivales de renombre, y un germen benigno de nuevos realizadores y caras modernas que modifican las narrativas y los modos de ver el cine local, faltó un ingrediente necesario para que exista una industria palpable: el público. Cierto es que hay un problema de distribución con las salas, donde hay películas que resultan castigadas con apenas una semana de cartelera en horarios difíciles de acceder y unos resultados lacrimosos en recaudación, y que las salas comerciales no contribuyen a divulgar los productos de manera ecuánime entre los productos de fácil consumo -estilo Dago García o Take One- y las propuestas alternativas. Pero cierto es que las salas son parte de un negocio que necesita rentabilidad y no puede dejar un recinto al servicio de proyecciones solitarias. Mientras no exista una cultura de aprecio y conocimiento de lo nuestro y haya una continua estigmatización del cine colombiano como producto chatarra, no habrá un futuro luminoso para las próximas cintas a estrenar, lo que generará desgaste, angustias económicas y resignación de los cineastas locales. Sin embargo, a pesar de los huecos en las sillas, hubo propuestas para todos los gustos, desde lo elemental hasta lo complejo, un desfile variado en 2015.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/5XD4waS2-bs" width="560"></iframe>
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<b><i><span style="color: orange;"><br /></span></i></b>
<b><i><span style="color: orange;">TAQUILLAS SONRIENTES</span></i></b><br />
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Como siempre, las arcas llenas corresponden al nombre de Dago García, quien se volvió a anotar un éxito de grandes proporciones con <i>Uno al Año no hace Daño,</i> Juan Camilo Pinzón en su cuarto turno como director de la firma, y un registro histórico de más de 1.600.000 asistentes a las salas que se dejaron seducir de nuevo por el universo Dago, lleno de clichés criollos, situaciones de comedia fácil y una idiosincracia que ya es parte de su rúbrica audiovisual. El mismo Dago se aventuró en la dirección con dos géneros distintos, con un éxito no tan generoso pero igualmente atractivo para el público masivo, primero con los dibujos animados plumíferos de <i>Reguechicken</i> y el gancho del reggaetón para el público infantil, y luego con cantantes costeños envueltos en melodrama y el gancho del vallenato para el público adulto con <i>Vivo en el Limbo</i>, con una telenovela biopic vestida de película inspirada en la vida del fallecido Kaleth Morales.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDWPbUPdQHMCW-y-zAlnKz0guEUWZeNkvaMBtJKCJSS5-t3fKjQ_hFSRWlDKZDNgrjis8ycfvxGA-5qg1jcxPn5lVGp0XnKEeoBYi7WQCO6Cvix54_5giNIaBgNyrg2778KRa6MOv9NvU/s1600/cartel+papa.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="212" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDWPbUPdQHMCW-y-zAlnKz0guEUWZeNkvaMBtJKCJSS5-t3fKjQ_hFSRWlDKZDNgrjis8ycfvxGA-5qg1jcxPn5lVGp0XnKEeoBYi7WQCO6Cvix54_5giNIaBgNyrg2778KRa6MOv9NvU/s320/cartel+papa.jpeg" width="320" /></a>Lo comprobado es que la taquilla sonríe cuando la comedia es el género a vender. Uno de los recientes contrapesos de Dago García es el grupo de Take One, que con Fernando Ayllón, Francisco Bolívar, el reclutamiento de algunos Comediantes de la Noche, otro tanto de Sábados Felices y el apellido Orjuela en sus huestes, ha logrado posicionarse en el mercado del maíz pira sin mucha dificultad. Para engrosar su productividad tuvieron dos comedias exitosas provenientes de la misma idea, a partir del matrimonio Fabiola Posada-Polilla crearon el proyecto <i>Se nos Armó la Gorda</i>, filmado primero en San Francisco y en su secuela <i>(Se nos Armó la Gorda al Doble) </i>en Las Vegas, que les ha representado buenos réditos, siguiendo una filosofía similar a Dago García con rostros distintos y locaciones extranjeras. El lado más negro de la comedia siempre lo trae Laberinto, que después de títulos como <i>Bluff</i> (2007) y <i>Sanandresito</i> (2012) esta vez publicó <i>El Cartel de la Papa</i>, de Jaime Escallón, contando la historia de una familia boyacense que usa la papa como fachada empresarial para traficar droga. Finalmente, la última risa del año en curso la trae otro personaje extraído de Sábados felices, Hassam y<i> Güelcom to Colombia</i>, usando el recurso del juego de palabras entre idiomas distintos y creando un campeonato mundial de tejo como pretexto para construir una escuela. Risas fáciles y usos criollos que no aportan novedad, pero sí efectividad en taquilla con más de 300.000 asistentes a salas. Cabe anotar que Ricardo Coral <i>(Te Busco)</i> logró llegar a su octava entrega como director con este filme, todo un suceso en nuestro país.<br />
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<i><b><span style="color: orange;">EL MUNDO DE AFUERA</span></b></i><br />
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La coproducción estuvo presente, con menos acento que el 2014. Comenzando con la historia de suspenso <i>Desde la Oscuridad</i> del español Lluis Quilez (con la producción colombiana de Juliana Flórez), y la leyenda de unos niños quemados que asustan en un pueblo cercano a la selva, pero que se manejó geográficamente de un modo confuso rodando en Honda haciéndolo parecer un pueblo cercano a la jungla, y asustando con lo justo. En marzo se hizo la versión local del éxito taquillero en Argentina <i>Corazón de León</i> bajo la dirección de Emiliano Caballero, que relata la historia de amor entre un hombre de talla baja y una mujer afro, y que toca el tema de la inclusión y aceptación social bajo la cortina de la comedia romántica, destacando el buen trabajo de efectos especiales en incluir el rostro de Marlon Moreno en el cuerpo de su 'doble' Juan David Traslaviña. Desde Perú arribó Javier Fuentes-León <i>(Contracorriente) </i>con<i> El Elefante Desaparecido, </i>bajo la producción de Dynamo<i>, </i>y una críptica historia negra sobre un escritor que termina enredado entre la ficción y la realidad mientras busca a su mujer ausente sin explicación alguna desde siete años atrás, en un intento Lynchiano de confusiones de tiempos, espacios y narrativas. Y en Argentina hizo presencia la productora Burning Blue apoyando el desarrollo fílmico de <i>Refugiado</i>, de Diego Lerman, con el constante acecho de la violencia doméstica y el periplo de huida de una madre embarazada y su hijo de siete años, con mucha expectación y ansiedad pero nunca con un discurso visual explícito. A nivel de taquilla ninguna logró un golpe espectacular, tal vez <i>Corazón de León </i>se acercó a una cifra medianamente digna con más de 100.000 espectadores.<br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTVzgG3dfYipsVim5T8RxoNE9LH6fuAlpAryFSsTv2RE3NGVrdzSMkg-jIM9aKRN8nGu2B0YJQGxgKpU3gKM82ZKDUesGmJmb39byrvlubLZAaI-Hfc6hI2mxF9PCQ9E2_CNueC-77OOY/s1600/la-tierra-y-la-sombra.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="157" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTVzgG3dfYipsVim5T8RxoNE9LH6fuAlpAryFSsTv2RE3NGVrdzSMkg-jIM9aKRN8nGu2B0YJQGxgKpU3gKM82ZKDUesGmJmb39byrvlubLZAaI-Hfc6hI2mxF9PCQ9E2_CNueC-77OOY/s400/la-tierra-y-la-sombra.jpg" width="400" /></a></div>
Mientras en Colombia la gente no asiste a las salas para ver lo que hacen sus coterráneos, en otros lugares del mundo los festivales enaltecen el talento local. Tres títulos de 2015 son los responsables de que el cine colombiano tenga aplausos extra: la épica aventura amazónica que busca una flor sagrada en <i>El Abrazo de la Serpiente</i>, rodada en Guainía, y dirigida por Ciro Guerra, el director más brillante de la bandada costeña de los últimos años, éxito en Cannes y prenominada a los Oscar; el retrato realista de los prejuicios de clase social que trajo <i>Gente de Bien</i>, de Franco Lolli, con una actuación sobresaliente del niño protagonista -Brayan Santamaría- que debe enfrentar las costumbres y los modos de la clase adinerada a la que no pertenece, en una película premiada en Alemania, Bélgica y San Sebastián; y la honestidad brutal de los cañaduzales y la dura vida de los corteros en <i>La Tierra y la Sombra</i>, de César Acevedo, en una historia que respira humanidad con toda la veracidad posible, y que reclama por las ingratitudes de la tierra, de la familia, del ser humano, y que la hizo acreedora de la Cámara de Oro en Cannes, el mayor premio recibido por una cinta en la historia del cine colombiano. Y siguen diciendo que el cine colombiano es de mala calidad.<br />
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<b><i><span style="color: orange;">INDEPENDENCIA GRITA</span></i></b><br />
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La oleada de nuevas cintas provino especialmente desde el sector independiente, donde algunos directores debutaron, otros repitieron, pero todos tuvieron el objeto común de una fría aceptación por parte de la taquilla. El año independiente arrancó en abril con <i>Ruido Rosa</i>, la segunda película en exhibición de Roberto Flores, otro costeño con visiones propias de autor, y la historia de un romance lento y lluvioso, y con el premio a mejor director del FICCI; llegó luego <i>El Último Aliento</i> en el debut de René Castellanos bajo el padrinazgo de Colbert García <i>(Silencio en el Paraíso)</i> y una historia real de fútbol apasionado que termina con un muerto haciendo barra en el estadio de fútbol de Cúcuta; apareció la fotografía preciosista y lúgubre de <i>Ella</i>, de Libia Stella Gómez en su segunda película, donde recorremos la muerte en blanco y negro con gran calidad técnica, una gran actuación de Humberto Arango y una reflexión sobre la muerte digna para la población vulnerable; conmemorando los 30 años de la Toma del Palacio de Justicia fue lanzada <i>Antes del Fuego</i>, de Laura Mora, que narra los hechos previos al suceso fatal y la investigación de un periodista y su practicante intentando esclarecer las motivaciones y los verdaderos autores del trágico hecho.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/u1Y_i5FHh1s" width="560"></iframe> <br />
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La memoria sobre la Toma del Palacio vuelve a ser punto de referencia en <i>Siempreviva</i> de Klych López, una película basada en la obra de teatro más aclamada de Colombia y que cimenta su potencia en las grandes actuaciones de nombres como Enrique Carriazo, Laura García y Andrés Parra, en un plano secuencia ininterrumpido y con una estética teatral alternativa que le dio un respiro a las formas de narrar en el cine nacional; a finales de octubre se estrenó <i>Suave el Aliento</i>, de Augusto Sandino, en un tríptico generacional expuesto en colores desaturados que cuenta las formas de amar y los dilemas de vida que enfrentan una mujer mayor, un adulto y una muchacha de quince años, que tuvo un triste respaldo de taquilla; llegaría luego tal vez la más impactante y vertiginosa película local del año, <i>Alias María,</i> de José Luis Rugeles <i>(García)</i>, que trata sin prejuicios el tema del reclutamiento infantil en la guerra, el aborto y el abuso de poder, en una acertada visión del absurdo del conflicto y con un ritmo en crescendo que puede espantar cualquier parpadeo en la sala de cine; en las salas comerciales terminó el calendario independiente el debut de Salomón Simhon con <i>Detective Marañón</i>, con un tono policíaco que acentúa los valores desgastados y la doble moral de nuestro país bajo el protagonismo de un investigador privado -Manuel Sarmiento- medio geek y maniático, un experto en mantener la suciedad moral de sus clientes bajo total secreto.<br />
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<i><b><span style="color: orange;"><br /></span></b></i>
<i><b><span style="color: orange;">ASOMOS DE TAQUILLA</span></b></i><br />
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Bajo la sombra de su padre David Stivel y antecedentes televisivos actorales apareció Mateo Stivelberg, que dejó las andanzas adolescentes de <i>Conjunto Cerrado, </i>creció y rodó <i>La Rectora</i>, basada en el famoso caso de la bailarina exótica Silvia Gette y su vertiginoso ascenso a la cúspide administrativa de una universidad, con una buena actuación de la española Nona Mateos, pero una historia contada de modo muy predecible. El infaltable Harold Trompetero lanzó su filme #12 en una de sus facetas más dramáticas con <i>Pa! (Por mis Hijos lo que Sea) </i>y la historia de un padre que, luego de vivir las comodidades de un trabajo estable es despedido y debe dedicarse al rebusque para mantener la familia a flote, y aunque su apellido es sinónimo de taquilla rompedora, no logró superar los 60.000 espectadores. Finalmente, otro nombre que ha podido combinar respeto y taquilla es el ojo clínico de Carlos Moreno, quien esta vez se arriesgó -de un modo muy osado- con <i>Que Viva la Música</i>, en una versión libre inspirada en el libro de Andrés Caicedo, que cuenta con todos los elementos visuales para hacer atractiva una película, pero que interpreta de una forma un tanto escueta y fragmentada las letras de Caicedo, con un apaleo inclemente de la crítica y la confusión de un público que ha visto un collage de excesos bastante lisérgico, que ha pecado por apoderarse del nombre del libro para ganar taquilla.<br />
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<b><i><span style="color: orange;">ASOMOS DE REALIDAD</span></i></b><br />
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Cada vez es más frecuente la inclusión de documentales en cartelera comercial, que poco a poco han ido ganando terreno dentro de las salas como género alternativo, sin embargo no ha sido consolidado puesto que aún falta el empujón de la asistencia para que cuente con el respaldo de las salas que los proyectan. El primero en salir a la luz en mayo fue <i>El Viaje del Acordeón</i>, trabajo cooperativo entre Andrew Tucker y Rey Sagbini que logra crear el contraste cultural entre Alemania y Colombia a través de un solo instrumento, en la travesía de tres virtuosos músicos que no logran ser profetas en los festivales de su tierra, pero sí logran causar impacto a miles de kilómetros de esta; en julio salió <i>Carta a una Sombra</i> de Daniela Abad, un homenaje audiovisual a Héctor Abad, médico y pensador asesinado por paramilitares, en una emotiva construcción de voces, imágenes y nostalgias provenientes de su propia familia y de las letras del libro <i>El Olvido que Seremos</i>; Patricia Ayala Ruiz es una de las pocas afortunadas en colocar en cartelera dos documentales en distintas épocas, primero lo hizo con el virtuoso <i>Don Ca (2013)</i>, y ahora repite con <i>Un Asunto de Tierras</i>, menos virtuoso pero más agudo, con la lucha de muchos campesinos despojados de sus fincas y terrenos por regresar a través de una complicada y enmarañada ley de restitución.<br />
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La nostalgia y el rescate de la tradición fueron ejes del rodaje de <i>Monte Adentro</i> del argentino Nicolás Macario Alonso, quien se tomó la tarea de recrear las épocas de la mensajería y acarreo primitivo de los arrieros, una especie social en vía de extinción, en un documental de sudor y montaña; la búsqueda de la realidad, el distanciamiento de la espectacularidad mediática y el lado más atroz del ser humano se expone sin tapujos en el tremendo documento <i>El Valle sin Sombras</i> de Rubén Mendoza, un experto en abrir heridas hermosas con el lente y que, a través de testimonios de afectados por la erupción del volcán Nevado del Ruiz cuenta muchas verdades de Armero donde descubrimos la ineptitud de la dirigencia y la codicia de los seres ajenos a la tragedia; desde Europa del Este y Estados Unidos convergen dos personajes para evocar añoranzas de países propios y ajenos en <i>Parador Húngaro</i>, un documental nostálgico que rinde homenaje al inmigrante Gyuri Villás, quien huyó del Comunismo para terminar sofriendo chorizos en el centro de Bogotá, y que fue rescatado en imágenes por la iniciativa conjunta de Aseneth Suarez Ruiz y Patrick Alexander.<br />
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Curiosamente el documental tuvo su lado mainstream en 2015, con dos propuestas disímiles en tacto, pero comunes en llegarle a la gente con un formato más comercial. <i>Colombia Magia Salvaje</i>, sin ser netamente una producción colombiana y dirigida por el inglés Mike Slee, se convirtió en un fenómeno de taquilla sin precedentes, convirtiéndose en la película más taquillera de la historia local con un promedio de 2'322.618 espectadores (y contando) en la cartelera nacional, usando el recurso de una fotografía magistral y un seguimiento minucioso a varias especies silvestres del país, conformando un bello collage visual, apocado por una locución densa y de tono institucional de Julio Sánchez Cristo. Tan institucional como promocional puede ser la segunda propuesta, <i>Porro hecho en Colombia</i>, dirigido, cantado, y hostigado hasta la saciedad por la cantante Adriana Lucía, quien usa el género folclórico cordobés como excusa para promocionar sus últimas canciones y termina maltratando el producto, convirtiendo el documental en un EPK, que finalmente contó sin mucha fortuna en taquilla y no superó las 5.000 personas en su registro de asistentes.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZk3OZ2HSG1cufambgZ7wlbqnnj2dYCqaif5jG0gL5ARfKYNmNWuQOxYXq928fPY8Zo1Vstqc_ePSjrAYhQ9L8-IdM-d0MJm29VjtkHfNsvxUZFRMHvhArxZuKEdu7C5u5lZ-tfzvEO4A/s1600/ella.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZk3OZ2HSG1cufambgZ7wlbqnnj2dYCqaif5jG0gL5ARfKYNmNWuQOxYXq928fPY8Zo1Vstqc_ePSjrAYhQ9L8-IdM-d0MJm29VjtkHfNsvxUZFRMHvhArxZuKEdu7C5u5lZ-tfzvEO4A/s400/ella.jpeg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: orange;">Llevando la muerte a cuestas. Ella, de Libia Stella Gómez.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
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Mucho de donde escoger. Una oferta variada, con sus picos y sus huecos, usando risas baratas en algunos tramos, frases ingeniosas en otros, planos magistrales en aquellos. El cine colombiano se alimentó de una buena cantidad de cintas (38 mal contadas) que tuvieron promociones, halagos, insultos y resultados desiguales. Aunque solamente <i>La Tierra y la Sombra</i> y <i>Que Viva la Música</i> se estacionaron en el paraje cinematográfico más productivo del país (Valle del Cauca), la diversificación de títulos y la inclusión de otros lugares como Guainía, Cúcuta y la Costa Caribe hacen de nuestro cine un cine más nacional, de trajes y recursos escénicos variados y posibles. Tenemos la gran fortuna de contar con talentos creativos de distinta índole, pero el gran público todavía no sabe apreciar lo que le ofrece. Mientras no haya una demanda consecuente, la oferta siempre se verá maltrecha. Tal vez las salas comerciales se animen a abrir funciones específicas con horarios accesibles para el cine independiente y dejar un espacio mínimo de al menos tres semanas con la posibilidad de ver las cintas en gran pantalla. Tal vez la gente pierda el prejuicio de que el cine colombiano es un vomitivo narrativo que no vale la pena rescatar y se anime a sentarse a evaluar con criterio propio y no basado en voces del pasado. Tal vez las producciones nacionales sean más exigentes y logren solucionar el tema más difícil de desarrollar para captar público, los buenos guiones para la gran pantalla, que aunque ya existen algunos, no hacen parte de un gran porcentaje. Tal vez el cine colombiano deje de ser objeto de estigmas y alguna vez sea visto desde los mismos estándares que cualquier producción extranjera. Ojalá sea pronto.<br />
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<br />JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-50659894685466070022015-11-24T19:48:00.000-08:002015-11-24T20:22:58.545-08:00OUTKAST - STANKONIA<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFhRc4q-HZie_7TnN0ttrhkuSC_JH9TD1IFB1TwFfYuymtra8NAxHGSroIo46yhwfK6TNl1NXyxBV9vOLYKNMFA1bV6m2NFebwbvuveXqpotBWq4slmHErqWdxSIBB8L8LLi3-FO3E5K0/s1600/Cover.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhFhRc4q-HZie_7TnN0ttrhkuSC_JH9TD1IFB1TwFfYuymtra8NAxHGSroIo46yhwfK6TNl1NXyxBV9vOLYKNMFA1bV6m2NFebwbvuveXqpotBWq4slmHErqWdxSIBB8L8LLi3-FO3E5K0/s320/Cover.jpg" width="320" /></a></div>
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La década del 2000 naciente apremiaba por golpes de éxito abrazados de novedad en la escena del hip hop. El dominio comercial lo ostentaba el descaro de Eminem convirtiendo su <i>Marshall Matters LP</i> en uno de los álbums más vendidos de la historia; Common mantenía la espiritualidad de su rap consciente mientras Dead Prez estallaba en una demanda de rimas políticas; Ghostface Killah lograba éxito doble como solista y con su gente de Wu-Tang Clan, y Xzibit se consolidaba en su propuesta gangsta. Aunque exitosos y aportadores del género, la osadía de estos artistas no llegó a los niveles inesperados que tenía entre manos Outkast, uno de los dúos más revolucionarios que convirtieron el hip hop en un conglomerado de posibilidades sonoras.<br />
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<b><i><span style="color: #b45f06;">EL MOMENTO MOTHERFUNKER</span></i></b><br />
<b><i><span style="color: #b45f06;"><br /></span></i></b>
Habían tenido antecedentes de buena factura con <i>Aquemini </i>(1998). El par de inquietos componentes de Outkast habían incorporado instrumentos en vivo y atmósferas galácticas. Poco a poco la escena del hip hop se iba haciendo más orgánica y accesible desde otros flancos de la música negra como el soul, el funk, el jazz y cómo no, el rock. Llegó el 2000 y el eclecticismo explotó a partir de su cuarta placa llamada <i>Stankonia</i>, fusión de palabras entre Stank (un sinónimo de algo muy funky) con Plutonia, palabra proveniente de un afiche de una ciudad futurista. Y el futuro llegó con aquellas melodías que turbaron de forma benigna el hip hop de la época.<br />
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Esa revolución de variedad exuberante llegó a través de las cabezas de André 3000 (antes se hacía llamar Dre) y Big Boi, dos seres diametralmente opuestos pero muy complementarios. Uno es compositor pausado, el otro freestyler consumado; uno va inyectando energías del legado negro de otras músicas, el otro prestando el lugar de importancia a la zona hip hop. Representantes de peso del sonido Dirty South de Atlanta donde competían con otros raperos de renombre como Ludacris, Usher, Bubba Sparxxx o Lil Jon, no fueron los que más dinero ganaron, pero lograron hacerse a una identidad respetable, única y poderosa, que le brindó al género una frescura inusitada que no se sentía desde la agonía de la edad dorada del hip hop a mediados de los noventas.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/fVyVIsvQoaE" width="560"></iframe> <br />
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La imagen a proyectar que tenían prevista era simplemente demostrar que eran '<i>The Coolest Motherfunkers on the planet</i>' tal como lo riman en "So Fresh, So Clean", bañados en tonos de R&B, conquistadores, poseedores de una personalidad irresistible, mostrando ser los dandies del vecindario. Y para sentar aquella posición de raperos cool y de respeto tenían más argumentos cantados: "Snappin' and Trappin", rimas puntuales de un ego de alta autoestima entre beats psicodélicos y rimas colaboradoras de Killer Mike; "Xplosion", compacto sonido con rimas de B-Real (Cypress Hill), desafiante y sin prejuicios demostrando que son los dueños del mundo desde la detonación de Atlanta; y finalmente, su incendio más efectivo, "B.O.B. (Bombs over Baghdad)", una especie de drum and bass a 155 beats por minuto, con todas las revoluciones aceleradas y André y Big Boi ostentando una velocidad envidiable en el fraseo mientras los coros gospel van bombardeando verbalmente sobre Bagdad y la guitarra de fondo invoca a un Jimi Hendrix envuelto en scratches. <i>'Thunder pounds when I stomp the ground/ Like a million of elephants and silverback orangutans / You can't stop a train'</i> es el indicador en la rima de poderío musical y verbal, transformador desde muchos flancos y con el que se ganaron la admiración de toda la comunidad musical.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqnTvGyWJ3gEcOz4V1kG-krd5eO0NHVUrSAZg5rC160BdczphLNhgV35-fkjRAG4Dl4zW0PdaHLzLMbZGeqT1JUAXFi6Fkom82sje2DQIelabJyMBisF5DxjOTQwMzpuoRRGHG8O6Ccnc/s1600/outkast.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="226" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqnTvGyWJ3gEcOz4V1kG-krd5eO0NHVUrSAZg5rC160BdczphLNhgV35-fkjRAG4Dl4zW0PdaHLzLMbZGeqT1JUAXFi6Fkom82sje2DQIelabJyMBisF5DxjOTQwMzpuoRRGHG8O6Ccnc/s320/outkast.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #b45f06;">André y Big Boi: combustible estelar para el hip hop.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
<i><b><span style="color: #b45f06;"><br /></span></b></i>
<i><b><span style="color: #b45f06;">FRASEOS PARA LA CABEZA</span></b></i><br />
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Pero el dúo de Georgia no quería quedarse en alardes cool. Después de un período agitado entre los excesos corporales, André Benjamin quiso hacer un alto en el camino y construir mensaje a partir de una nueva actitud crítica pero optimista. El fraseo inteligente y reflexivo también rodeaba sus piezas donde confrontaban una sociedad inestable, un materialismo acaparador y la frivolidad de un mundo vacío. "Gasoline Dreams" tiene el sonido heredero de Prince y el verso heredero de Sly & the Family Stone con intención anti-policial, anti-drogas y las ganas de hablar de una juventud que necesita salir de la línea de fuego que le propone el sueño americano. "Red Velvet" es una poderosa pieza cubierta de golpes electrónicos que se mueve entre el legado de Afrika Bambaataa y los jugueteos de Parliament mientras los MCs desnudan las falsas apariencias de vivir en el universo gangster y el peligro que acarrea pertenecer a este. "Gangsta Shit" continúa con la crítica sobre este lifestyle y convoca a varios raperos de la escena sureña como BlacOwned C-Bone, Slimm Calhoun y T-Mo en un rico juego de fraseos que hacen la diferencia en las consonancias irónicas del escenario pistolero. Para aclarar el panorama Outkast emplea la rima esperanzadora a pesar de las circunstancias con "Humble Mumble", de rimas ágiles entre cierto sabor isleño, rap pensante entre la fiesta con la ayuda del sabor R&B de Erykah Badu y el canto a la perseverancia, '<i>Trials and tribulations make you stronger live longer / You wanna reach the nation nigga start from ya corner'</i>.<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-s3cR78mCz5_InI7RZS04vXFlXBFXgMAI0Ap_FL322RTMGlKa7e5NZ8nRXEc58VXWDAqe3y6ZG50I30MAsoAryiZHe_xli7OkpTIsxryFRJJdohnwRtwLjm6T3IkOHIvOcwawI6S581I/s1600/andre+and+erykah.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-s3cR78mCz5_InI7RZS04vXFlXBFXgMAI0Ap_FL322RTMGlKa7e5NZ8nRXEc58VXWDAqe3y6ZG50I30MAsoAryiZHe_xli7OkpTIsxryFRJJdohnwRtwLjm6T3IkOHIvOcwawI6S581I/s320/andre+and+erykah.jpg" width="236" /></a><br />
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Erykah Badu es una vieja conocida en las andanzas de Outkast. Compañera y madre del hijo de André 3000, inspiró a este para el desahogo de una relación fallida en uno de los temas más reconocidos del dúo que llegó a ser #1 en Estados Unidos y ganó el Grammy a mejor canción de rap, "Ms. Jackson" donde el rompimiento y el perdón son protagónicos y André aprovecha para disculparse con su suegra por el daño hecho a Badu no sin antes advertir que no todo es para siempre, '<i>You can plan a pretty picnic, but you can't predict the weather Ms. Jackson'</i>. Los lamentos de humanidad femenina se sienten en el espacio del <i>Stankonia</i>, desde una perspectiva dramática: "Toilet Tisha" aborda el tema del embarazo adolescente con tonos trágicos pero reflexivos, sin fraseos y en un flow lento y psicodélico, con una nítida línea de bajo y juegos vocales de falsetes que exponen a la luz el dilema entre una gestación incómoda y un aborto inminente.<br />
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<b><i><span style="color: #b45f06;"><br /></span></i></b>
<b><i><span style="color: #b45f06;"><br /></span></i></b><br />
<b><i><span style="color: #b45f06;"><br /></span></i></b>
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<b><i><span style="color: #b45f06;"><b><i><span style="color: #b45f06;">AMORES DE OTROS COSMOS</span></i></b></span></i></b></div>
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A pesar del rompimiento y el drama, nunca falta un espacio para el amor desde los ámbitos galácticos del país de <i>Stankonia</i>. En beats sincopados y psicodélicos se declaran amantes de lo kitsch y popular con "Slum Beautiful" y junto al entonces no tan conocido Cee Lo Green (Goodie Mob) sacan pecho al admitir que adoran vivir romances con chicas de barrio bajo y las defienden con capa y espada, <i>'Fuck them bouige bitches they don't know nothin' about you/ Cause you push a big black Buick, so fresh, so clean on them Trues'</i>. Continuando con formas de quebrar el amor convencional llega "Stankonia (Stanklove)" con modos a lo Parliament montados en una nave amorosa en carrera a un motel espacial mientras cantan Big Rube y Sleepy Brown en una de las baladas de amor más bizarras y desparpajadas de su prontuario. Amor estelar en su rostro más exótico.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRCPNdeLpsJ-ZipX-s8MsGPhr5A7mm5P2F3dC-WlRAuycB68y2pqSVB3IPmcGbliTKITOj-t5nP5-FFTtx01SwXvEk2T-GNw9ssEgaFeiCe2Nz7qZiIA2Qb86GQEaV8bei77aj8njolPQ/s1600/Captura+de+pantalla+2015-11-24+a+la%2528s%2529+22.18.13.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="139" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRCPNdeLpsJ-ZipX-s8MsGPhr5A7mm5P2F3dC-WlRAuycB68y2pqSVB3IPmcGbliTKITOj-t5nP5-FFTtx01SwXvEk2T-GNw9ssEgaFeiCe2Nz7qZiIA2Qb86GQEaV8bei77aj8njolPQ/s320/Captura+de+pantalla+2015-11-24+a+la%2528s%2529+22.18.13.png" width="320" /></a></div>
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El disco respira un absoluto aroma al P-Funk proveniente de George Clinton y su legión de Parliament. Jugueteos cósmicos, cambios en los tonos de voz y soltura funky son caracteres constantes. "I'll call before I come" es uno de los ejemplos más cercanos donde música y alegría se juntan para permitirle a las mujeres llegar primero al orgasmo que los hombres durante el coito, <i>'I'm a gentleman, I'm satisfy your soul/ And then I'm a get mine like Wimbledon we back and forth across the court/ Until we give out, do you take it all or spit it out'.</i> Entre la risa y el dicho van sacando verdades y confesiones de sus relaciones con las mujeres. Con "We Luv Deez Hoez" van sacudiendo los artificios corporales tan de moda en la belleza y se pasean por el mundo de las chicas postizas entre las rimas de Backbone y Big Gipp y el inteligente divertimento funky que delata su falsedad.</div>
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<b><i><span style="color: #b45f06;">NUEVAS PRÉDICAS, NUEVOS SONIDOS</span></i></b><br />
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Ser caballero y buscar la chica correcta hacen parte de los propósitos líricos de Big Boi y André. Pero también es importante estar limpio. En un ejercicio de rehabilitación completo, las letras también involucran su proceso de purificación y predican los peligros del exceso. Armados de buen fraseo y sangre hip hop "Spaghetti Junction" es una prédica anti-drogas funcional donde invitan a tomar la ruta en la autopista de la vida más adecuada, <i>'Be careful where you roam cause you might not make it home / Don't you dare ever get lost cause you get caught up in that sauce'.</i> Con el alcohol también tienen su propaganda preventiva, con un André 3000 que se despacha en revoluciones veloces cantándole al mundo que muchos de los defectos de la humanidad provienen del alcohol y calan en el comportamiento, <i>'What can make a nigga wanna lose all faith in/ Anything that he can't feel through his chest wit sensation'</i>. El dúo tuvo tiempo de promover una porción de responsabilidad social a su cuarto disco.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/04hXhdgyDBQ" width="420"></iframe> <br />
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Entre interludios, fraseos y viajes galácticos, este álbum le dio chance a varios artistas de Atlanta de promocionar su flow y hacerse un nombre a futuro. La tropa de Goodie Mob ya llevaba camino recorrido y reforzó varias rimas; Killer Mike despegó su carrera a partir de "Snappin' and Trappin'; y todo el combo de Dungeon Family hizo presencia y aportes de su hip hop sureño. La riqueza de colaboraciones vocales ensambladas junto a aquel viaje musical futurista lleno de color y dinamismo hicieron de <i>Stankonia </i>un disco memorable del 2000, rompedor y respetable, donde lograron introducir al hip hop otras texturas sin miedo y rindieron tributo de modo indirecto a grandes figuras de la música negra como Parliament, Funkadelic, Sly & the Family Stone, Prince y hasta Jimi Hendrix. Fue un disco elaborado sin miedos y sin premuras, entre percusiones programadas y efectos surreales, pero con letras inteligentes de mundos reales en una especie de techno-funk aderezado de psicodelia que se supo involucrar en el género del hip hop con gran tino, y que logró establecer una personalidad definida, segura y original dentro de los artistas del movimiento. Outkast moldeó un país musical que ninguna banda de hip hop de su tiempo logró ensamblar con la misma claridad: <i>Stankonia</i>, la tierra prometida de la autenticidad.<br />
<br />JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-57365832859841409592015-10-15T20:30:00.000-07:002015-10-15T20:30:53.759-07:00LA ESPERANZA SIEMPREVIVA<br />
Somos el país de la resiliencia. A lo largo de su historia Colombia siempre ha sufrido un sinnúmero de vejaciones, ultrajes y maltratos, que ya hacen parte vital del calendario y que se envuelven en la mochila cotidiana. Los retratos de procesiones interiores desfilan por doquier en cualquier calle de ciudad y provincia, y las llagas emocionales se mantienen eternizadas, haciendo parte del atuendo personal de miles de habitantes de este país. Sin embargo, la obstinación sonriente y una extraña pose optimista siempre camina de la mano con la desdicha, entre bombardeos, desapariciones y precariedad económica. Eso pasa con el universo de esta desventura ilusa en <i>Siempreviva,</i> la ópera prima cinematográfica de Klych López.<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh12hNnZCsBKYkfAFx3n0fWLlBOk3srzIEKgQjklCnPjb3IgWxdOroACiANS6v8MWdDCAMNaj-wuDY64BL9oHTtWqsfTcI3_J1LMPxEd2f4Di1EIwwpjydwJU7bjD5JhQUiUJFhfavH5Ho/s1600/Klych+dirige-Alex+Mejia.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh12hNnZCsBKYkfAFx3n0fWLlBOk3srzIEKgQjklCnPjb3IgWxdOroACiANS6v8MWdDCAMNaj-wuDY64BL9oHTtWqsfTcI3_J1LMPxEd2f4Di1EIwwpjydwJU7bjD5JhQUiUJFhfavH5Ho/s320/Klych+dirige-Alex+Mejia.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="color: #45818e;"><i>Klych López, ojo siempre vivo.</i><br /><span style="font-size: xx-small;">Foto: Alex Mejía</span></span></td></tr>
</tbody></table>
La Toma del Palacio de Justicia el 6 de noviembre de 1985 es el pretexto para introducirnos en la historia de un inquilinato del centro bogotano que sufre y sonríe las relaciones de poder y la fragilidad humana de sus residentes. Aunque la trama pareciera centrar la tensión en la desaparición de Julieta -la hija de la dueña del inquilinato- durante los oscuros hechos del Palacio, el contexto histórico se mira de soslayo y el relato prefiere adentrarse en el entorno que se mueve paralelo a la tragedia y comenzar a vivir otro tipo de bombardeos emocionales, todos en torno a los habitantes de la vieja casa colonial: un usurero voraz, un payaso infeliz y su dócil mujer, la dolorida y estoica dueña de casa y su hijo joven e inseguro. Todos ellos reunidos para arder en dolorosas llamas interiores, pero siempre respirando partículas de una certidumbre más amable en el futuro.<br />
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La historia es basada en la memorable obra de teatro de Miguel Torres que vio la luz en 1994, estrenada en una vieja casa del centro y con una postura de realismo indiscutible. Klych López, inquieto por debutar con una película de tono reflexivo, quiso trasladar la escena de las tarimas al celuloide. Lo hizo con sutileza respetando muchas normas teatrales y entregando la película al poder de los diálogos y la intensidad de los gestos, mientras una cámara observa lenta y sosegada, en un plano secuencia interminable que le hace guiños al pasado reciente de <i>Birdman</i>, pero que contempla de un modo meditabundo y resignado las penas y los dilemas de los personajes. <br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzJ8JgSO9XPLO6zEk-DOhK3lAQo6awAgrKwQ6gVyYKuMSSZAAa471oy1UBD3Vtz2VJMK09JHc1aLr8PCXgvNGZCxU1DQz81jX5cSD6ZB8xYcA_85fiSHb4gnuxNRL3KIJfsyd8qX1bZy0/s1600/TV.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="210" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzJ8JgSO9XPLO6zEk-DOhK3lAQo6awAgrKwQ6gVyYKuMSSZAAa471oy1UBD3Vtz2VJMK09JHc1aLr8PCXgvNGZCxU1DQz81jX5cSD6ZB8xYcA_85fiSHb4gnuxNRL3KIJfsyd8qX1bZy0/s320/TV.png" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="color: #45818e;"><i>Buenos actores. Malas noticias.</i></span></td></tr>
</tbody></table>
La potencia carburante del filme reposa en las actuaciones. Pesos pesados del campo actoral confluyeron en la misma historia y le brindaron la credibilidad que necesitaba. Laura García encarna a una humilde madre golpeada por la desaparición de su hija en la Toma, pero obstinada en encontrarla sin un minuto de sosiego; Enrique Carriazo es un prestamista de avidez ilimitada que abusa de sus potestades económicas pero sufre el encarcelamiento de su hijo en otro país; Andrés Parra es un payaso de día y mesero de noche que debe doblegarse ante las deudas pero en simultánea doblega a su mujer en un machismo irrefutable; Fernando Arévalo es un abogado que colabora en la investigación de la confusa desaparición de la muchacha, que nada con maestría en un rol que muestra la autoridad y la debilidad de carácter en un mismo recipiente. Junto a la juventud de Alejandro Aguilar y Andrea Gómez, y al toque cubano de Laura Ramos, completan un reparto compacto, entregado, que no sólo sufre la calamidad histórica de un acontecimiento nacional aciago, sino que debe sobrellevar sus conflictos interiores y piedras de zapato personales con la mejor resistencia que les brinde el alma.<br />
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Ante un brutal suceso como la Toma del Palacio, se traslada ese amasijo pesado e intransigente que llamamos poder, a la vieja casa de <i>Siempreviva</i>. La relación de poder, aquella arbitrariedad insaciable, aquella maldición de infundada superioridad, es el aroma incómodo que respiran las paredes de una construcción que sufre las penas de la hipoteca. El usurero saca provecho de sus pérfidas dotes de negociante, el payaso se infla en ego cada vez que somete a golpes a su esposa, el abogado camuflado en nobleza busca sacar la mejor tajada de una indemnización fundado en sus letras de manipulador en compañía del hijo de la dueña, mientras las mujeres de la historia (la madre, la hija, la inquilina) llevan en su espalda el peso agobiante de la usura, de la brutalidad militar, del machismo, encarnando la historia de un país, exprimido en sus bondades y subvalorado por quienes lo habitan.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg866G00aASgW8hqiUtztvx0HMfbMNxVWiPp1hJ-KeABicrIDf8vL0zxbmR9enhFRT3bjIoBy0pO3bvsMcbvX-eBXQXV024M_GqN91I3RR9CgQrthr3HmLg2NGDGHble4EyeO2Lli3J2go/s1600/Payaso.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="157" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg866G00aASgW8hqiUtztvx0HMfbMNxVWiPp1hJ-KeABicrIDf8vL0zxbmR9enhFRT3bjIoBy0pO3bvsMcbvX-eBXQXV024M_GqN91I3RR9CgQrthr3HmLg2NGDGHble4EyeO2Lli3J2go/s320/Payaso.png" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span style="color: #45818e;"><i>Sobrevivir no da tanta risa. Sergio, el payaso mesero.</i></span></td></tr>
</tbody></table>
La atmósfera densa de un único paisaje lleno de paredes y cuartos se acompaña de las melancolías sonoras de César López y su piano solemne y de una cámara que observa despacio, de cerca, con cuidado y sin pausas la realidad de un país resumida en la cotidianidad de un predio. El trabajo de arte es preciso, nostálgico, a veces pecador en el exceso, pero que resume muy bien otros tiempos de calamidades sin tecnología, de grabadoras sin CD, de televisores sin cable, de motocicletas sin soberbia. El montaje camina invisible entre los empalmes de un prolongado plano secuencia y deja que todo se vuelva teatro, con transiciones imperceptibles de primera vista. Los recursos técnicos de la película juegan a la naturalidad, al despojo de la pretensión y a dejar que los diálogos y las situaciones sean los captadores legales del aplauso.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/1EFokEx31u4" width="560"></iframe> <br />
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El experimento de aquel cine con sabor a teatro por parte de López puede ser ambiguo. Sin mucho ritmo y limitado en planos para unos, osado y con pasión interpretativa para otros. No hay precedentes cercanos en el cine colombiano que muestren esa simbiosis con el teatro, un factor de riesgo válido y de algún modo refrescante en las formas de proponer. Klych López tuvo la paciencia del crowdfunding y de la selección de un guión que lo conquistara para lanzarse al abismo impredecible del celuloide local, y sale mejor librado que muchos otros en sus primeros intentos de hablar con la gran imagen. Mucha gente podría esperar esclarecer las preguntas sombrías de aquel noviembre infeliz a través de esta película, pero su objetivo no es este. Su finalidad es mas bien valerse del recurso histórico para describir un país herido encarnado en seres humanos comunes, vestidos de pena, necesidad y aflicción, pero con la inagotable resiliencia que los hace capaces de mantener la esperanza Siempre Viva.<br />
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<br />JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-61644713925996929912015-09-18T19:46:00.000-07:002015-09-18T19:46:49.701-07:00STEVE MILLER BAND - FLY LIKE AN EAGLE<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOC_zRgyQcthQtzTOrIpB5khUU8OOT1C4S39duGpEQAuwEe8tcUteWhE0veyrtHbjE6x09NuBl1Pm5_YdYIR6VEcgl_erLZupBcokdYVs2FsJE19MjknOd70Z9VdDi_QYpJNN6ZF1lBA8/s1600/Steve-Miller-Band-Cover.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="310" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOC_zRgyQcthQtzTOrIpB5khUU8OOT1C4S39duGpEQAuwEe8tcUteWhE0veyrtHbjE6x09NuBl1Pm5_YdYIR6VEcgl_erLZupBcokdYVs2FsJE19MjknOd70Z9VdDi_QYpJNN6ZF1lBA8/s320/Steve-Miller-Band-Cover.jpg" width="320" /></a></div>
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El rock y la radio comercial del FM se hicieron muy amigos en 1976. Era un punto álgido y extraño de sinergia entre el sonido comercial y el respeto de la crítica. Mientras aumentaba el público en los grandes escenarios, las guitarras de gente como Eagles, Boston o Tom Petty & The Heartbreakers lograban conquistar el dial a punta de rock honesto sin demasiado aderezo y con cierto tributo a la raíz de sus ancestros donde el blues y el country lograban colarse entre sus pistas. En aquel idilio radiofónico se logró incluir el proyecto de Steve Miller Band, uno de los artífices de la transición del AM al FM en Norteamérica, y quien le puso sabor espacial al vestido de vaquero.</div>
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Steve Miller es un bluesman con tejidos de rockero. San Francisco le dejó una estela hippie con cierto sabor a ácido y psicodelia, pero nunca dejó en el olvido sus raíces y siempre sonó muy americano. Tuvieron que pasar ocho albums de estudio para entrar en conexión con la radio cuando apareció <i>The Joker</i> (1973), que luego de intentarlo con discreción solemne, obtuvo el aval de escuchar un par de canciones suyas coreadas por la gran masa. Pero fue <i>Fly Like an Eagle</i> (1976) el punto de mayor sintonía con la gente, la radio y la crítica, basándose en la fórmula menos rebuscada, la del rock honesto y bien producido.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEieyL_R5r03kZ5ip-qDQG5NbEVfw7RZ8Ef-olyNGMXh5AJbCa4s9i9vS_wgZjlC6_WQlnKPYjNZKVUEHqk5jQIIBOeNiA18KOrrhuyR9fNQFH3q6intOXuK00ZtDf2IEtDGNKfmmi-aboU/s1600/Steve-Miller+solo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEieyL_R5r03kZ5ip-qDQG5NbEVfw7RZ8Ef-olyNGMXh5AJbCa4s9i9vS_wgZjlC6_WQlnKPYjNZKVUEHqk5jQIIBOeNiA18KOrrhuyR9fNQFH3q6intOXuK00ZtDf2IEtDGNKfmmi-aboU/s320/Steve-Miller+solo.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: orange;">Steve Miller, gozando al doble.</span></i></td></tr>
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<span style="color: orange;"><b><i>VOLANDO POR LO ALTO</i></b></span></div>
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Miller estuvo muy cuidadoso en la producción, equilibrando las cargas de sus guitarras sencillas pero sólidas, el bajo cooperativo de Lonnie Turner y la ejecución magistral y escrupulosa de Gary Mallaber en la percusión. Un trío que diseñaba un rock diligente, amable con el oído y con un componente vocal de Miller que brinda ambientes apacibles, porcelanas sonoras que describían muy bien el entorno del rock adulto de la época. El ingrediente adicional de este ensamble fue la inclusión de un estado atmosférico, de ensueño, de la mano de unos teclados que le aportaron un color surrealista al rock positivo de la banda. Y que puso a volar su sonido desde el mismo Intro, en un rock espacial listo para seducir desde el aire la frecuencia radial.</div>
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Volaron con optimismo. La fórmula evanescente de teclados aéreos y pellizcos de funk en la elaboración de "Fly Like an Eagle" le dio buenos resultados en Billboard con un #2 envidiable, apenas superado por "Tonight's the Night" de Rod Stewart. Aquel golpe espacial fue la cuota sublime del disco, soltándose en un rock ecléctico, de cadencia cercana al baile y con ingeniosa pulcritud en la producción de Miller. El inicio del disco rezumaba ilusión, alegría y euforia pasiva, un sueño hippie colado en una década ajena. Tal como sucede con "Wild Mountain Honey", una invitación a abandonar el materialismo y entregarse a los beneficios de un planeta sin consumismo con versos estilo <i>'You run for the money/You don't even know about wild mountain honey',</i> envuelto en teclados dulces y compases arrulladores de empaque celestial. Esa dulzura de esperanza sintética hace parte del cierre del LP con "The Window", reiterando esa visión idealista de un planeta cordial, <i>'Well, look through the window/ Tell me what do you see/ A beautiful planet/ Peace and harmony'.</i> Aquella faceta de positivismo sereno trabajaba muy de la mano con el elemento espacial de sus teclados, el lado más hippie de Steve Miller.</div>
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<span style="color: orange;"><i><b>SABOR A SUR</b></i></span></div>
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Pero el guitarrista de Milwaukee recordaba de donde provenía su vuelo. Y sabía que su sangre originaria lo arrastraría al blues como una marca vitalicia. Para fortuna de muchos de sus escuchas clásicos, pues sus piezas más sinceras y macizas transpiran el género. Sin necesidad de solos virtuosos o apasionamientos encordados, "Mercury Blues" es el rescate rural del Mississippi, y una genial adaptación del "Mercury Boogie" original de K.C. Douglas, homenaje a la ancestralidad y desde luego al auto clásico de la Ford, engendrando una exquisita road song. Y para confirmar el apego al origen hay una versión más rugosa, llena de plantaciones y aromas del sur en "Sweet Marie" con una guitarra acústica primitiva pero infalible, y un soporte vital en la armónica del mítico bluesman James Cotton, en un sencillo pero hipnótico ensamble que finalmente converge con la guitarra eléctrica y nos regala un blues sin teclados ni atmósferas pero que parece traído desde otra galaxia por la misma Marie para deleitarnos de delta.</div>
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El romance de la Miller Band con la radio no le impide seguir explorando su lado autóctono, y hacer gala de sus flirteos con el country y los sonidos del Sur. Alegre, gentil y siempre sonriente, la ruralidad se acentúa con "Dance, dance, dance" y la eterna vitalidad de su disco, <i>'If you keep on dancing you'll never get old'</i>. El baile no para y se va tornando a rock sureño con "Take the money and run", dinamismo simple y efectivo de riffs definidos y batería límpida, que le sirvió para mostrarse como primer sencillo de <i>Fly Like an Eagle</i> y rozar el Top 10 de la Billboard, mientras cuenta la historia de dos amantes, ladrones y prófugos, que huyen al mejor estilo de Bonnie and Clyde. Aquella sustancia mixta entre lo sureño, lo rocanrolero y la accesibilidad de su sonido fue garantía de un éxito que conserva su eco en las radios de rock adulto.</div>
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<i><b><span style="color: orange;">LA SIMPLICIDAD VIRTUOSA DE MILLER</span></b></i><br />
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El verdadero equilibrio, la sustancia pura del rock al mejor estilo de Steve Miller se encuentra en dos canciones que lo desglosan como artista, un himno que nunca fue single, y un single que casi es un himno. El primero es "Serenade", favorito entre sus seguidores, dinámico, brillante y con la marca de agua del estilo guitarrístico de Miller, aquel vaquero espacial que canta '<i>Did you hear the music/ Serenade from the stars'</i>. El segundo es su más grande éxito durante la década, la pícara y consistente "Rock'n me", #1 en EEUU y Canadá y #11 en el Reino Unido, de fuego reposado, que homenajea el intro de "All Right Now" de Free, y que muestra la estampa vocal más fresca de Steve, en una pista digna de sonar en carreteras, bares y emisoras en simultánea. Estas dos canciones son la muestra de un trabajo eficaz, sin aspavientos y con una simplicidad virtuosa que truena en la memoria y logra identificar a leguas el sonido de Miller.</div>
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Y aunque sus melodías suenen accesibles, aparenten inocencia melódica y se cuelen fácil en la radio, todo lo producido por Steve Miller viene desde el alma. Y como las canciones que más llevan alma provienen del soul, el compositor se atrevió a remembrar a Sam Cooke y extraer una desnuda pero sentida versión de "You Send me", haciendo un cándido dúo con su guitarra y dulcificando su voz con tanto afecto, que es una serenata acústica de arpegios campestres, elemental pero terriblemente amorosa.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrbKmrwPIt7I5_iAUKWF-X4e8JLb3InJrZhxrpXOQzGPfjpkt-2tuhRRlqF3W_MLnD2sTvdzlojrMGaGc7HigddLc7pJKZz2EydUHZP9ARIJTg4ybbWLmokHaLFioje61FxUwrtPE-PDY/s1600/crew.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="284" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgrbKmrwPIt7I5_iAUKWF-X4e8JLb3InJrZhxrpXOQzGPfjpkt-2tuhRRlqF3W_MLnD2sTvdzlojrMGaGc7HigddLc7pJKZz2EydUHZP9ARIJTg4ybbWLmokHaLFioje61FxUwrtPE-PDY/s320/crew.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: orange;">Un trío funcional. Estaban volando en la época.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
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Las melodías simples pero nítidas, de un espíritu americano inconfundible y con un aire de jovialidad interminable, fueron causas esenciales de la consolidación de <i>Fly Like an Eagle</i> como álbum memorable para los norteamericanos. Incluir fragmentos espaciales, viajar por los sonidos del Sur y confirmar su estilo guitarrístico de sereno arte fueron parte de esta aventura discográfica, una de las más reposadas y frescas cruzadas para conseguir el éxito en los setentas. Llegaría una exitosa placa al año siguiente con más pistas destacadas desde su <i>Book of Dreams</i>, y más adelante terminaría de hechizar al público con <i>Abracadabra</i> (1982). Pero fue <i>Fly Like an Eagle </i>su punto equilibrado, no tan bluesero, no tan pop, no tan afanoso, no tan underground, con el éxito debajo del brazo y con el sonido identitario que haría más accesible a las masas aquella sencillez lúcida de Steve Miller y su banda, que esta vez volaron por todo lo alto con su serenata estelar de rock and roll.</div>
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JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-67562909952953021752015-08-13T17:47:00.000-07:002015-08-13T19:40:33.327-07:00TODOS LOS CAMINOS CONDUCEN A MULHOLLAND DRIVE<br />
Descifrar el lenguaje críptico de David Lynch es una odisea interminable. Sus retorcidas formas de conjugar la realidad y los sueños, de brindarle un espacio ancho y generoso a la confusión, y de convertir la aparente simpleza en un indescifrable puzzle, son parte de su diario de creación, objeto absoluto del amor y odio de quienes ven sus películas. <i>Eraserhead </i>(1977) fue el punto de partida para el horror surreal, <i>Lost Highway</i> (1977) fue la anticipación de las dobles vidas y las tramas sin resolver, y <i>Mulholland Drive</i> (2001) fue la maduración del proceso, donde todas las piezas sueltas nunca encajaron pero lograron despedir el aroma de la fascinación de la crítica y el público.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjqSkxeaXNtqu8pJfAcppg3233kviKx5CjFhZ32OUzgo9nylHON7plVcP8H4Cz0xf2pyiwoq9jm6PkN9ZkjlqDXcPt3u5zbK67r2vm4EvnkZRBnH3KqSBeWuyZ0HFFNFmiHqoNNTGDStQ/s1600/Lynch+y+chicas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjqSkxeaXNtqu8pJfAcppg3233kviKx5CjFhZ32OUzgo9nylHON7plVcP8H4Cz0xf2pyiwoq9jm6PkN9ZkjlqDXcPt3u5zbK67r2vm4EvnkZRBnH3KqSBeWuyZ0HFFNFmiHqoNNTGDStQ/s320/Lynch+y+chicas.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #674ea7;">David Lynch y las Musas de su universo críptico, Harring y Watts.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
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Un accidente de auto en un punto geográfico de Los Angeles conocido como Mulholland Drive. Una mujer que sobrevive al choque (Laura Elena Harring) escapa del lugar, pero queda amnésica y se refugia en un apartamento ajeno. Entretanto una aspirante a actriz (Naomi Watts) llega a Hollywood para hacer una audición y va a quedarse unos días en el apartamento de su tía, donde va a encontrarse casualmente con la desconocida desmemoriada. Comienza entonces un lazo afectivo entre las dos mujeres y la búsqueda por rescatar un pasado refundido en la autopista, que revelará sin forma clara posibles aspectos de la verdadera personalidad de la mujer accidentada. Hasta allí, Lynch nos conduce de un modo lento y ansioso a una historia de misterio por resolver.<br />
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<i><b><span style="color: #8e7cc3;">EL ILÓGICO MISTERIO</span></b></i><br />
<i><b><span style="color: #8e7cc3;"><br /></span></b></i>
<i>'Los seres humanos son detectives, y los misterios son magnéticos, pero una vez descubres algo, el misterio acaba'</i> dijo Lynch en una entrevista. La magia del director de Montana durante su filme es mantener el misterio latente, constante, impreciso y cada vez más confuso. El truco magnético de su película es poner a jugar el razonamiento del espectador con posibles resoluciones a su intrincada historia, en la que los roles de Harring y Watts cambian sin una explicación lógica, en la que se introducen escenas surreales y como aderezo aparecen una serie de personajes que en lugar de desenmarañar aquel laberinto de preguntas, solo sirven para catalizar la turbación. Harring deja de ser aquel personaje sin memoria y se convierte en una actriz famosa, veleidosa y segura, mientras Watts pasa de una profesional con futuro brillante a ser una aspirante a actriz inestable, oscura y con un sino trágico.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcNe_xGgddA6wfbOhRDrZGvu8QICSgSRWzCz2pvPnqlCfMTuzBLvofiNp3OtbtxjAFhos0JielQkjcev6ONJ0u7ecVCgNLLCiwRyPhRJ26lM2SAQdMFd1oOGDZV8olq-3CwGDrpUmlDU4/s1600/Captura+de+pantalla+2015-08-13+a+la%2528s%2529+19.39.39.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="175" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcNe_xGgddA6wfbOhRDrZGvu8QICSgSRWzCz2pvPnqlCfMTuzBLvofiNp3OtbtxjAFhos0JielQkjcev6ONJ0u7ecVCgNLLCiwRyPhRJ26lM2SAQdMFd1oOGDZV8olq-3CwGDrpUmlDU4/s320/Captura+de+pantalla+2015-08-13+a+la%2528s%2529+19.39.39.png" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #674ea7;">Personajes tan extraños como perturbadores.<br />El vagabundo de Winkie's.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
Para seguir rindiendo tributo al desconcierto alucinante, Lynch se vale de sus herramientas audiovisuales para acentuar el gusto por afectar psicológicamente a su espectador. La cámara se mueve de modo paranoico, no tiembla pero es tensa, va hacia adelante en un moderado afán de encontrar algo, pero jamás encuentra respuesta de sosiego. Hay planos generales de espacios abiertos que parecen esconder algo en una atmósfera conspiradora. Las conversaciones de los personajes son pausadas, rígidas, incómodas. Acompaña un silencio turbador, un score invisible que contribuye al apremio intranquilo. Hay una inmersión suspensiva en un posible mundo paralelo, en un sueño, en un paraje indefinido donde la única certeza es una avenida y donde la única posible verdad podría estar en la cabeza del director, pero mantiene su truco del misterio magnético intacto.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/xrC3Bf-CvHU" width="560"></iframe> <br />
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Personajes enigmáticos, sin un origen definido, sin funciones claras, aparecen dentro de una trama borrosa y abundan en el decorado. Agregados escénicos conforman un esquema más bizarro, tales como un empresario de cine escupiendo su café en un pañuelo, un hombre asesinado que termina con un mechón de su melena totalmente erecto o una cantante que emocionada se desvanece en su intervención y al caer continúa su pista en playback. Lo inexplicable puede pasar de lo pueril a lo genial, a David Lynch le funciona perfectamente un esquema audiovisual que no necesita ser argumentado para captar las miradas.<br />
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<i><b><span style="color: #8e7cc3;">EL HOLLYWOOD DESCONOCIDO</span></b></i><br />
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Una película sobre Hollywood sin las intenciones de Hollywood. Un paraíso falso, oscuro, paralelo, bizarro. Donde las palmeras enormes y los estudios gigantes se difuminan en nostalgias oníricas, donde las audiciones de actrices llegan al borde de una irritación luminosa, las candilejas y los lujos se desmoronan en manchas de pinturas y flashes azules difusos. El swing, el blues y el pop despierto de los sesentas se van desdibujando entre los acordes sinuosos y crípticos del soundtrack de Angelo Badalamenti, quien es colaborador directo del caos y que le inyecta potencia al lado desconocido de<br />
la Meca del Cine. La calle Sunset Boulevard es el escenario de realidades posibles, infecto de café, vagabundos, pesadillas y nombres cruzados. El principal punto de creación de ficciones, la Meca de la irrealidad, el monstruo de Hollywood se convierte en una antítesis de sí mismo, donde no existe un verdadero comienzo ni final, y donde la trama se funde en una masa surreal, intocable y lejos de cualquier alcance de comprensión.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxSZeDti-9C8jmAEd2EoilM3Zwe2ngDqVOG7shLo8McXNU8IkEqql1QSMeJoonXwVH9kJFNJoD8hx5x-AnmjZWOc22-o7tEi5SXO7iICOPRyWHbBbyWu9pVM2BYW3HpzVhm5DeZsDPA6Y/s1600/Naomi+Hollywood.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="173" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxSZeDti-9C8jmAEd2EoilM3Zwe2ngDqVOG7shLo8McXNU8IkEqql1QSMeJoonXwVH9kJFNJoD8hx5x-AnmjZWOc22-o7tEi5SXO7iICOPRyWHbBbyWu9pVM2BYW3HpzVhm5DeZsDPA6Y/s320/Naomi+Hollywood.png" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i style="background-color: white;"><span style="color: #674ea7;">El Hollywood soñado no es lo que parece.</span></i></td></tr>
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<i>'Actuar es reaccionar'</i> señala la película. Un filme sobre actores que los obliga a despojarse de una personalidad definida. Naomi Watts debe encarnar dos caracteres opuestos, uno provisto de luz interior y optimismo desbordante (Betty), otro marchito, desesperanzado, de tendencia suicida (Diane); Laura Elena Harring está obligada a vivir la misma experiencia entre dos personajes disímiles de nombres distintos, uno de ingenuidad amnésica y gratitud lésbica (Rita), otro de frivolidad pedante y lujuria glamorosa (Camille); Justin Theroux es un director de cine que debe mostrar distintas caras debido a las circunstancias paralelas, donde debe vivir el despido laboral, la infidelidad y la bancarrota en un día, y el éxito, el aplauso y la correspondencia amorosa en otro. De algún modo Lynch también se encarga de retar a los actores protagonistas a no vivir en una sola carne, no encarar una sola faceta, y obligarlos a ser parte más de una reacción que de un personaje.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/lrMVNWbBgao" width="420"></iframe> <br />
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¿Interpretaciones? Todas las del mundo. <i>Mulholland Drive</i> ha sido sometida a estudios filosóficos, psicológicos, sociológicos y hasta psicotrópicos para lograr desencriptar aquella fortaleza impenetrable de limbo surreal. Lynch desvía una respuesta concreta del tema hablando de la felicidad que le causa la subjetividad de miles de interpretaciones sobre su película, dejando el camino abierto para que cada quien saque una conclusión propia de la materia. Los adeptos a la linealidad odian ese camino fácil y rigurosamente desentrañan ese paquete hasta poderle dar un cuerpo definido a un filme que parece no completar jamás el rompecabezas; los liberales y anárquicos exponen interpretaciones propias pero son felices con su trama abierta y sus extraños cabos sueltos. Lo cierto es que lo único veraz en la película es que hay una avenida llamada Mulholland Drive y todos los caminos conducen a ella. El resto son un retazo de posibilidades que fluyen de una espontaneidad creativa voraz y contundente provenientes de la cabeza de un David Lynch que simplemente se deja llevar por la ruta de las ideas, <i>'Nunca vayas contra las ideas, aférrate a ellas. Siempre te dirán el camino'.</i><br />
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<br />JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-40666113136286610652015-07-15T15:25:00.001-07:002015-07-15T15:27:56.175-07:00MC5 - BACK IN THE USA<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyawTkcoUXxfOlq9Jfps2N5UrY09lmyf06CGAhKZ4HwRLnnJ1wEFQTN7VnDvT7MZCKgWq7C0RgWgsrbRdVoctdFaYp4KHZ78b0Am8Hw2p4OrSPANvduqjXjAAT7ixdLy4Giyb4nRHkSbI/s1600/Back_in_the_USA+Cover.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyawTkcoUXxfOlq9Jfps2N5UrY09lmyf06CGAhKZ4HwRLnnJ1wEFQTN7VnDvT7MZCKgWq7C0RgWgsrbRdVoctdFaYp4KHZ78b0Am8Hw2p4OrSPANvduqjXjAAT7ixdLy4Giyb4nRHkSbI/s320/Back_in_the_USA+Cover.jpg" width="320" /></a></div>
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El estruendo venía de Lincoln Park y Detroit. Nunca se había visto semejante manifestación de poder amplificado bajo unas guitarras que mordían salvajemente los parlantes y un show que amenazaba con derribar toda la solidez posible de un espacio. Aunque el mundo ya conocía los desafueros instrumentales de The Who, o las épicas manifestaciones de sonidos hard con Led Zeppelin y Deep Purple, el verdadero bullicio tenía que venir del otro lado del mar, la orilla americana de barbarie primaria de The Sonics, de la epilepsia influyente de The Stooges, o de la estridencia incontrolable de MC5, manifestación pura de la rebeldía contracultural. Esta última banda, dueña de principios políticos, de proclamación de libertades y especialmente de ruido. De mucho ruido.<br />
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<i><b><span style="color: #bf9000;">ESTRIDENCIAS ESTILIZADAS</span></b></i><br />
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La bestialidad sonora impresa en su primera placa <i>Kick Out the Jams </i>(1969) era fuego disperso por toda Norteamérica, un album debut en vivo lleno de subversión en los instrumentos y promotor sincero del descontrol y la transgresión juvenil. Logró causar gran impacto gracias a su escandalosa puesta en escena, su vitalidad interminable y su fuerte convicción política de izquierda. Sin embargo su producción era muy primaria, los instrumentos sonaban con catarro y el desafuero entre gritos y canciones hacía sonar a la banda poco profesional para la época. Era la hora de debutar en estudio con un tono más competente y elaborado, pero sin perder la chispa de peligrosidad sin arrugas. El encargado de componer el desmadre fue el productor Jon Landau (años después reconocido por su trabajo con Bruce Springsteen), y fue quien dio la pauta para apaciguar la rabia y estilizar el caos. Estaba a punto de iniciar la década del 70 y el estudio de Detroit prometía inyecciones de lozano descaro.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/HyPiGc1RlrI" width="560"></iframe>
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MC5 tenía dos puntos de control. El primero fue su manager John Sinclair, líder espiritual, influyente en las ideas y el discurso, fundador de White Panthers (el contrapeso a las famosas Panteras Negras) y claro manifestante del antiracismo y la contracultura. El segundo se dividía en los furiosos riffs de sus dos guitarristas, Wayne Kramer y Fred 'Sonic' Smith, amigos de adolescencia, líderes del bombardeo musical, artífices de aquella anarquía contagiosa y promotores de un exaltado show en tarima, tan ruidoso para la época que no llegó a tener competencia. Venían complementados por un estallido de tambores compactos y desvergonzados de las manos de Dennis Thompson, el bajo colaborador de Michael Davis y finalmente la presencia esencial de Rob Tyner, la voz, el afro, el agite y el fósforo que prendía las conflagraciones de la banda.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSgAQ-qm1-DBMfYSvOfXBxyiU1fFCBeYlX5OKrZOIPyc7HIcFORcTPK_4CGW1ov99URnfpeNvQ7fwsBqx3MpZCvbLBvPbox9M6ZjPSKvGuPFJIpfNH45O2vQ3W4k2JfH8NGNdMCiqZ0aM/s1600/mc5+faces.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="195" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSgAQ-qm1-DBMfYSvOfXBxyiU1fFCBeYlX5OKrZOIPyc7HIcFORcTPK_4CGW1ov99URnfpeNvQ7fwsBqx3MpZCvbLBvPbox9M6ZjPSKvGuPFJIpfNH45O2vQ3W4k2JfH8NGNdMCiqZ0aM/s320/mc5+faces.jpg" width="320" /></a></div>
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<i><b><span style="color: #bf9000;">SENSIBLES BÁRBAROS</span></b></i><br />
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<i>Back in the USA</i> se grabó para Atlantic luego de las peleas iniciales con el sello Elektra (dueña de los derechos de su album en vivo), y la banda no pudo reencauchar ninguno de los temas de su exitoso LP de alboroto rockero. En enero de 1970 salió a la luz aquella proclama juvenil que seguía defendiendo el amor libre y las drogas alucinógenas, y atacaba el conflicto con Vietnam y el marcado racismo de entonces. Entre las inagotables botellas de alcohol, la transpiración continua de cuerpos en conjunto y el aroma hipnótico de las sustancias, llegaba la estridencia al servicio de los fans. Pero esta vez en dosis articuladas, gracias a las dotes de su productor quien logró ensamblar un incendio musical controlado.<br />
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiejkQPKFauL9CdWhqw_CEJpIoh_qGp7MlJCcTfQuXRJ3IBNEI87ssVchUcRAA2ZWknqb3gflCPctM-RsuAdOUpIyRVHdLZdHOYqvg5moVZZXwGWdJx6xEdxc22cVzjTD3GZyWlGCWxtaY/s1600/landau.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiejkQPKFauL9CdWhqw_CEJpIoh_qGp7MlJCcTfQuXRJ3IBNEI87ssVchUcRAA2ZWknqb3gflCPctM-RsuAdOUpIyRVHdLZdHOYqvg5moVZZXwGWdJx6xEdxc22cVzjTD3GZyWlGCWxtaY/s1600/landau.jpg" /></a><br />
El gusto de Landau por el rock and roll y el soul tiene su tinta en las intenciones de la grabación. Sin mayores pretensiones, los miembros de la banda se dejaron llevar por la influencia del rock primigenio e incluyeron sendos tributos a dos grandes clásicos, "Tutti Frutti" de Little Richard y "Back in the USA" de Chuck Berry. Sin perderles el respeto y con un par de revoluciones de más, MC5 prenden el baile ondeando un rock and roll despreocupado, de picante piano y guitarras alborozadas, que incitan más al baile que al desenfreno. Y es que la intención de ponerle un vestido formal a la estridencia se nota especialmente en "Let me Try", un rarísimo ejemplo de moderación elaborado con éxito, en una balada pintada de soul, con un sorprendente registro vocal de Rob Tyner, unas guitarras cariñosas y una instrumentación protectora y sensible, '<i>I'll be your singer, You'll be my song'</i> canta dulcemente un Tyner que demuestra que lo bárbaro puede ser sensible.<br />
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<b><i><span style="color: #bf9000;">LA JOVEN CELERIDAD</span></i></b><br />
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Cortos, concretos y directos. Los MC5 nunca se fueron por las ramas a la hora de sonar. Sus canciones tenían un promedio de 2'30'' y si no fuera por Landau, aquel álbum se hubiera despachado en un solo improperio delirante y desvergonzado, desprovisto de cualquier detalle de producción. De <i>Back in the USA </i>se desprende el olor a juventud por cualquier flanco, sin reglas, sin ataduras, sin compromiso, la quintaesencia del rock sin tapujos. "Tonight" es activo, con sangre bluesera, guitarrero y rebosante de fiereza y sexo. Las guitarras de Kramer y Smith administran la fuerza en "Teenage Lust", puro 'power' ávido de 'sex' en un viaje ágil y sólido de liberación, <i>'I need a healthy outlet for my teenage lust'</i>. Las chicas, materia prima de inspiración espontánea, siempre presentes en el fraseo de Tyner, parte de la conspiración de la liberación, y partícipes en el punto más alto del disco, el corpulento y brutal "Looking at you", caliente, agreste y voraz, envuelto en seducción de rockstar, extasiado en guitarras desnudas y emancipadas, donde la canción se propone a conquistar a los incautos con un rock soberbio y pesado, más parecido a las andanzas del <i>Kick Out the Jams</i> que a su nueva cara elaborada. Con el apoyo de la producción de estudio el tema logró ser un escándalo maravilloso, insolente en el estudio, totalmente desfachatado en el escenario.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/dfDoUIh23Wg" width="560"></iframe>
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Las ganas por vivir la juventud con celeridad son la bandera del disco. "High School" tiene el propósito liberador en un rock pegajoso de sencillos riffs que grita por la autonomía en la secundaria, <i>'(High School) you better let them have their way'.</i> La agitación y el ánimo por tragarse el mundo se mantiene en "Shakin' Street", con una voz más grave de Tyner clamando por espacios propios para la población joven y hacerle burla a la censura. Con un ánimo más encendido y envenenando un poco el tempo llega "Call me Animal", un poco más agresivo que los dos temas anteriores y con la aparición vehemente de las baquetas de Dennis Thompson, donde el primitivismo sonoro se combina con una grabación equilibrada. Los tres temas mencionados adquieren un tono más 'diplomático' desde la óptica del estudio, aplacando el desenfreno sanguíneo de la banda.<br />
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<b><i><span style="color: #bf9000;">LA PELEA ES CANTANDO</span></i></b><br />
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Aunque el desmadre inundaba los días de gira y las composiciones, los miembros de MC5 recordaban a su manager y mentor John Sinclair, y usaban las canciones como instrumento político para incomodar al gobierno. El dinámico e incisivo "The American Ruse" era un desafío cantado contra Nixon y su maquinaria republicana donde se despachaban en contra de la censura, la represión, el 'american way of life' y Vietnam: <i>'They told you in school about freedom/ But when you try to be free they never let you/ They said it's easy nothing to it/ And now the army's out to get you'.</i> La rabia contra el absurdo de la guerra en un país lejano por el que los jóvenes americanos no merecían ir a morir también se materializa en "The Human Being Lawnmower", donde protestan entre acordes caóticos y guitarras vengadoras en una especie de combate musical que dispara inconforme líneas como <i>'Make way for the killer race/ They use the Bible' </i>y contragolpean con crescendos y golpes de batería que anuncian la destrucción. La pelea es cantando.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6lhdBP46amHCFmhRrelX9DzmUcI1VmvS1rV5AFVCWMoIbkXZm-j5HMEaO4o1iieH3HJ3e2a9W0XwzyHovShFxI40BMgJo-WH-JFPtnmXzklRQShPGPh8bU_ZI0wzemEJy8nxmdWQPysg/s1600/MC5+II.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="107" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6lhdBP46amHCFmhRrelX9DzmUcI1VmvS1rV5AFVCWMoIbkXZm-j5HMEaO4o1iieH3HJ3e2a9W0XwzyHovShFxI40BMgJo-WH-JFPtnmXzklRQShPGPh8bU_ZI0wzemEJy8nxmdWQPysg/s400/MC5+II.jpeg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #bf9000;">Artífices del ruido. MC5.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
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<i>Back in the USA</i> no fue exitoso. Los shows del grupo ya no eran tan masivos y las ventas del disco fueron mediocres. La banda, abotagada de drogas y deudas parecía no encontrar el camino en aquel momento. Hicieron un último intento con el disco <i>High Time </i>en 1971, pero sólo les sirvió para confirmar la bancarrota. Y el destino de la banda parecía ser un agradable memorial de quince minutos de gloria. Pero conforme el paso de los años, la influencia sobre bandas futuras y el legado de su estridencia de tintes políticos los haría reconciliar con la historia. Este no fue su álbum rompedor, pero sí el más elaborado; no fue el que le dio mejores ventas, pero sí el que les brindó la garantía del respeto en las esferas musicales; y aunque no fue el LP más rabioso y el corte final del estudio disminuyó su naturaleza aniquiladora, <i>Back in the USA</i> fue el punto de equilibrio que logró demostrarle a las disqueras, los grupos y la audiencia que la rabia bien vestida también sabe ser notable.<br />
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<br />JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-4211093650122695292015-06-23T15:12:00.000-07:002015-06-23T15:12:45.328-07:00LAS CARAS MÚLTIPLES DE HOLY MOTORS<br />
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Hay historias que gustan de desafiar los códigos narrativos. No se concentran tanto en el Qué, mas bien en el Cómo. Desvían el cauce de las líneas convencionales y le apuestan a una originalidad peligrosa, un extraño brillo difuso que peca por aquella novedad atrevida, pero que envuelta en una vestimenta de autenticidad abstracta, logra ser plato de impresiones gustosas y con sutiles mensajes ocultos. Esto le pasa a <i>Holy Motors</i> de Leos Carax, un relato cinematográfico desfragmentado en múltiples caras que no cuenta nada en concreto, pero que deja su página de celuloide para infinitas posibilidades de interpretación por parte del espectador.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhG-a7oGZyNJzoZtaOEIsJNFQwvacD6HceZ2Cop-Q7DoIrRoUwIwobFUhZLtRsFahyphenhypheniVHSi86reXidE5DKx3MuJubERPbJSMQa1Aib4YWJHCDTkdRoBUWWWkHFW9WET2i_hP234Bmr-ABs/s1600/Leos%252BCarax%252BDenis%252BLavant%252BKylie%252BMinogue%252BCast%252BQLRXfh2_TiIl.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="219" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhG-a7oGZyNJzoZtaOEIsJNFQwvacD6HceZ2Cop-Q7DoIrRoUwIwobFUhZLtRsFahyphenhypheniVHSi86reXidE5DKx3MuJubERPbJSMQa1Aib4YWJHCDTkdRoBUWWWkHFW9WET2i_hP234Bmr-ABs/s320/Leos%252BCarax%252BDenis%252BLavant%252BKylie%252BMinogue%252BCast%252BQLRXfh2_TiIl.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #93c47d;">Múltiples artífices. Lavant, Minogue, Carax y Scob.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
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<span style="color: #93c47d;"><i><b>LAS CARAS DE OSCAR, LAS CARAS DE PARÍS</b></i></span><br />
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Monsieur Oscar sale en la mañana de su casa, monta una limosina y se dispone a cumplir con un itinerario de eventos que debe ejecutar. Aquel hombre encarna nueve papeles distintos de naturalezas dispares, sin aparentes lazos. Todo confirma que es un actor quien comienza este carrusel de mini relatos que cuentan con comienzo, nudo y desenlace, pero que parecen no conectarse entre sí. Denis Lavant, paladín actoral de la filmografía de Carax, se dispone a hacer una de sus mejores interpretaciones personificando distintos momentos, salidas y actitudes, haciendo homenaje a una de las carreras humanísticas más conmovedoras, el ser actor. La construcción de los paisajes surrealistas e inconexos de Carax siempre vive sustentada en destacar la naturaleza del actor, en exhibir sus límites y plantear de algún modo sus inquietudes como ser humano. Es la exposición de múltiples caras, de camuflarse en seres ajenos y dejar de pertenecer a su propio universo, en la enajenación voluntaria para dejarse llevar por <i>'la belleza del acto</i>'.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3_dN942kpyGL_hWUBzrMvS5Fikqq63Y0-lqYkzhypB0Rm6UWBGbXpMDaZ4bbf1hwlkUDFBf16TOemiqy5Gw8L-uXOhnp2LUl1IKRvc0a4VFPFB5vtujTH831ie2Rwmmh548yz8oK8hfA/s1600/Eva+y+Merde.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="215" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3_dN942kpyGL_hWUBzrMvS5Fikqq63Y0-lqYkzhypB0Rm6UWBGbXpMDaZ4bbf1hwlkUDFBf16TOemiqy5Gw8L-uXOhnp2LUl1IKRvc0a4VFPFB5vtujTH831ie2Rwmmh548yz8oK8hfA/s320/Eva+y+Merde.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #93c47d;">La Bella y la Bestia. Kay M y Monsieur Merde.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
Y es que no solo Oscar se disfraza de probabilidades humanas. París es una ciudad de vestimentas variopintas, ataviada de luces románticas y calles limpias en las avenidas de la torre Eiffel, empalagada de exquisitez alrededor de los olores del restaurante Fouquet's y los infinitos pasos del hall del Hotel Raphael, embadurnada en tizne y oscuridad de las cloacas que le refunden su gloria romántica, esquizofrénica y bañada de moda lúgubre en la belleza mortuoria de su épico cementerio Père Lachaise, revolviéndose de nostalgias en el monumental almacén La Samaritaine parcialmente sometido a un obligado cambio estructural, respirando la arquitectura colosal y límpida de la Villa Paul Poiret, la amargura fastuosa del río Sena en el Puente Alejandro III, la austeridad del eterno pasillo de la Iglesia Saint-Merri roto por el herético sonido de los acordeones, y la grandeza napoleónica del Arco del Triunfo. Todas las locaciones respiran, sienten y vibran cambios emocionales que van desde el vértigo hasta la nostalgia, son los disfraces adicionales que enmarcan un espacio que también actúa, hace parte del performance y contribuye a mostrarnos las múltiples caras de una ciudad que habla.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/DwuMdpMBqPE" width="560"></iframe>
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<i><span style="color: #93c47d;"><b>UNIVERSO DE CONTRASTES</b></span></i><br />
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A lo largo de ese cortejo de situaciones, germina el acento de una palabra clave durante todo el relato: contraste. Carax se encarga no solo de romper con los lineamientos de la película, sino de desbarajustar los paradigmas de las locaciones y los personajes, trastornando los objetivos y el orden a través de lo que parece intocable. Cabe mencionar algunos ejemplos de disparidad paradójica que se juntan en las secuencias:<br />
-La belleza moribunda del cementerio viviendo el último embate de la moda europea, donde las lágrimas se transmutan en flashes de cámara.<br />
- La pulcritud del almuerzo de Oscar a bordo de su limosina contrasta con su disfraz de Merde, quien se dispone a comer las flores de los difuntos y las axilas de las modelos.<br />
- Un maniático digno de actos abominables (Merde) entra en disparidad con imponer una moda femenina más austera, tapada, casi musulmana obligando a la modelo (Eva Mendes) a guardar compostura en su atuendo.<br />
- Un espacio de reflexión y oración como la iglesia de Saint-Merri convertido en el santuario del desborde musical, donde acordeones renegados llegan para amasar la anarquía alegre.<br />
- Un criminal que busca convertir a su víctima en sí mismo a través del maquillaje, y que termina siendo ajusticiado involuntariamente por un ser idéntico, hecho a su imagen y semejanza.<br />
-Una casa conformada por una familia de primates, la constitución del salvajismo domesticado.<br />
-Una sobrina triste por la inminente muerte de su tío rompe con la figura luctuosa envuelta en lágrimas con un desnudo satinado y libidinoso.<br />
-Una terraza en forma de mirador romántico llena de luces de ciudad y respirando amor es un escenario dispuesto a la ruptura sentimental.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRIM_U0gbsmtXDAztYZRbE1Vjdo9FmUVXN5By-wzvxElyFtnCq2GTOCxaJX48ler8uEyvu8PCFQcPolzU84_R4g4EtEYEGiLpxGjAnq1hm4ymXYlejIoO-l356BFFOEw9FIaUY5B6dDKM/s1600/acordeones.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="224" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRIM_U0gbsmtXDAztYZRbE1Vjdo9FmUVXN5By-wzvxElyFtnCq2GTOCxaJX48ler8uEyvu8PCFQcPolzU84_R4g4EtEYEGiLpxGjAnq1hm4ymXYlejIoO-l356BFFOEw9FIaUY5B6dDKM/s320/acordeones.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #93c47d;">Herejes melódicos. Acordeones rebeldes en la Iglesia.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
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Aquellos antagonismos escénicos de forma son apenas un reducido menú del constante gusto de la película por convertirse en el paradigma de lo iconoclasta, lo que la hace peligrosamente incomprensible para el público estándar e inevitablemente magnética para los anarquistas. Estos contrastes refuerzan el discurso de homenaje a la actuación y la posibilidad narrativa, donde puede disponer de un espacio, interpretarlo de la forma más antojadiza y convertir un universo habitual y ordinario en un planeta inédito de nuevas circunstancias, donde la lógica va a perder la batalla y el eclecticismo va a ser el estandarte para abrirle la mente a los incautos.<br />
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<span style="color: #93c47d;"><i><b>¿QUIÉNES SOMOS? ¿QUIÉNES ERAMOS?</b></i></span><br />
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Aunque cuenta con un reparto interesante donde se aprecian nombres como Edith Scob, Eva Mendes, Kylie Minogue o Michel Piccoli, Denis Lavant es el alma y cuerpo de aquellas múltiples naturalezas, que pueden originarse en una anciana limosnera que quiere morir pero parece eterna, hasta el padre de familia dedicado y trabajador que llega a casa a cuidar de su esposa e hijo chimpancés. El único inconveniente del actor es que nunca logra descifrar su propia historia, es un cúmulo de emociones engrasadas en maquillaje y de algún modo siente que su castigo es vivir consigo mismo, y para ello se refugia en otras almas efímeras. En uno de los pocos momentos que parecen sugerir el origen del personaje, en su encuentro romántico con otra actriz llamada Jean (Kylie Minogue) en la terraza del Samaritaine, pequeñas líneas de diálogo y una canción intentan finalmente desembrollar aquel laberinto de performances.<br />
- ¿Eres tú?<br />
- Eso creo.<br />
Son actores que viven las vidas que no son, viven los imposibles que podrían ser, pero que los ata de una forma apasionada. El tema "Who were we?" invita a descubrir si en el actor entregado a su profesión existe un pasado posible, si la nostalgia por una realidad palpable puede ganarle al idilio de la belleza de actuar. La pequeña tonada de piano de "Who were we?" acompaña como introducción en la limosina a cada uno de los nuevos performances que Oscar debe realizar, e invita a saber si finalmente el personaje adoptará una identidad definitiva.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/D4K26zNcI6k" width="560"></iframe>
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Una película inspirada en el negocio de las limosinas terminó desatando un sinnúmero de elogios y abucheos por igual para propios y ajenos. Lograr impregnar de perfume de lógica a aquellos recorridos de gasolina lujosa fragmentados en personajes dispares y desvinculados es una labor atrevida, que algunos pueden considerar una pérdida de tiempo, otros una sustentación de apreciación cinematográfica. Lo cierto es que Leos Carax, queriéndolo o no, logró hacer un bello homenaje al cine como tal. Desde su misma introducción, donde un hombre que despierta en su cuarto se acerca al tapiz de sus paredes de bosque y al abrir una puerta secreta se encuentra con una sala de cine, llena y atenta, lista para permitir a sus ojos entregarse al imaginario infinito de la gran pantalla. <i>Holy Motors</i> fue construida como un manifiesto de libertad y autonomía desde todos los flancos de la convención audiovisual y refuerza al final de la historia con "Who were we?" su propósito, desprovisto de cualquier modo ortodoxo, <i>'Tenemos que hacer lo que queremos, de nuevo'.</i><br />
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<br />JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2906592315983975413.post-24953507523478325742015-05-21T20:49:00.004-07:002015-05-21T20:49:43.905-07:00MADONNA - MUSIC<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNPMw088GbVr8t3_3YpJcXrw2UJe7moCWgJWQXpTPzdZs5UNDm52QHOysCpmC7yrdZuKmadxWt1-Bhsv9wkfx5j_YyWAG2LLHJuucaz-V9BFoNDoWWTMxMWWMrBN_Al7o6VoXkoMWq8t4/s1600/Cover.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNPMw088GbVr8t3_3YpJcXrw2UJe7moCWgJWQXpTPzdZs5UNDm52QHOysCpmC7yrdZuKmadxWt1-Bhsv9wkfx5j_YyWAG2LLHJuucaz-V9BFoNDoWWTMxMWWMrBN_Al7o6VoXkoMWq8t4/s320/Cover.jpg" width="320" /></a></div>
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Para un artista musical recibir un nuevo siglo debe ser sinónimo de cambio, de reinvención. La llegada del 2000 hizo que Madonna cumpliera con esa consigna y que lograra una vez más hacer alarde de una capacidad creativa y un despliegue escénico que la tendría de nuevo en la cúspide, acostumbrado sitio de visita para la estadounidense. El reciente éxito de <i>Ray of Light</i> (1998) parecía ambientar un lugar similar en su siguiente creación de la mano del productor William Orbit y sus estructuras techno. Sin embargo, la Reina del Pop fue inconforme y se lanzó al riesgo. De nuevo. Y consiguió el triunfo. De nuevo.<br />
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<b><i><span style="color: #f1c232;">MIRWAIS, EL FERMENTADOR DE BEATS</span></i></b><br />
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Para conseguir aquella mudanza a nuevos sonidos fue necesaria la aparición de un productor clave en el proceso, quien le brindó todas las herramientas para convertir ese álbum en puro veneno electrónico: Mirwais, el franco-afgano especialista en fermentar los beats y convertirlos en bailes de malicia psicodélica y abusos del amperaje para complacencia de los amantes de la fiesta. Una Madonna angloparlante y un Mirwais anglófono no pudieron cruzar mayor palabra a través de sus bocas, entonces tuvieron que recurrir al lenguaje de la música y entrar en sinergia para germinar el sonido de la Reina del Pop en el 2000, empacado en un LP de 10 canciones con el título más sencillo posible: <i>Music</i>.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEglVsopWzCT8nZWmiHeGR_hgAb47Dy7sV2CqmnPJbTZ9kw0O07_Df8c5tdoMl0YxqxLdEutRCrRtkTTEzSRzhx8UYSJr1LyIDV6y_LIVlaLr8VICJcQIJx2LU7F9Acv9ofqTJw3-mswItQ/s1600/Mirwais.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="212" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEglVsopWzCT8nZWmiHeGR_hgAb47Dy7sV2CqmnPJbTZ9kw0O07_Df8c5tdoMl0YxqxLdEutRCrRtkTTEzSRzhx8UYSJr1LyIDV6y_LIVlaLr8VICJcQIJx2LU7F9Acv9ofqTJw3-mswItQ/s320/Mirwais.JPG" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #f1c232;">Mirwais, el culpable del éxito.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
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La elaboración progresiva y los sonidos techno cuidadosos de Orbit se hicieron a un lado, no obstante este pudo trabajar un par de canciones. Mirwais se encargó de sacarle el jugo más ácido a sus máquinas y contaminar en el modo más bailable todas las texturas y acordes con recursos efectistas, melodías sintéticas atrevidas y con un pronunciado lado cyber, además de transmutar las voces de Madonna en vocoders de momentos robóticos, baile futurista para el Y2K. Diez días después de lanzado, <i>Music</i> ya contaba con 4 millones de copias vendidas, Madonna contaba con un embarazo de su segundo hijo y 42 años cumplidos, pero con el cuerpo y la garganta decididos a conquistar el nuevo milenio.<br />
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<i><b><span style="color: #f1c232;">MEDIA HUMANIDAD BAILANDO</span></b></i><br />
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El primer sencillo fue el sello que estampó para la nueva década la consolidación de la cantante como Reina del Pop. "Music" fue un sonido nuevo. Caprichoso, funky, sexy, ácido, travieso. Inmediato #1 en muchos países y un fenómeno de recepción crítica y económica. Gusanitos electrónicos sin mayor velocidad salieron de las máquinas de Mirwais y pusieron a bailar a media humanidad bajo el estandarte de la música como lenguaje universal; <i>'Music mix the bourgeoise with the rebel'</i>, homenajea Madonna a su instrumento de trabajo y de paso hace la extraña pero efectiva mezcla de cowboy, rapper y raver en una sola canción, con un videoclip donde el look se ciñe a los estándares del Oeste, el vehículo se acerca a las cláusulas del rapero gangster y la música se abraza con la electrónica fiestera del nuevo milenio, con un chofer invitado irreverente y cáustico como Ali G y con una atmósfera de fiesta interminable que le regaló a la Reina el record de tener una canción #1 en tres décadas distintas.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDeoxDs2oBze3UGRcIubrtABSe1Ow8nflG-cS8zRyJjK1qhKHdgMSI0ka7fQD1ARGt6Er1JHPr1YSIbRpeY7H7xdFmsJbAf1YETGLKvaHx88uu3v4M5EKF86aLO_15idJ2mmiLQoMzL98/s1600/Impressive-Instant-cover.png" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDeoxDs2oBze3UGRcIubrtABSe1Ow8nflG-cS8zRyJjK1qhKHdgMSI0ka7fQD1ARGt6Er1JHPr1YSIbRpeY7H7xdFmsJbAf1YETGLKvaHx88uu3v4M5EKF86aLO_15idJ2mmiLQoMzL98/s200/Impressive-Instant-cover.png" width="200" /></a></div>
Para que la fiesta continúe es necesario seguir contando con aquel beat malicioso. "Impressive Instant" es un manifiesto de melodías llenas de bacteria electrónica directamente del andamiaje de Mirwais Ahmadzai. Vocoders, zancudos digitales, distorsiones y artificios tecnológicos descarados nos traen esta pieza contaminante con la voz de la Ciccone impregnada de tonos robóticos, que parece celebrar un amor a primera vista del año 3000. Igualmente bailable pero menos futurista llega otra fiesta por parte del productor antagónico, William Orbit. "Runaway Lover" es una de las mínimas secuelas que pudo dejar el paso de <i>Ray of Light</i> por este álbum, con un tono más techno, organismos y texturas más elaboradas y una velocidad perseguidora que parece querer atrapar algún vestigio de los 90s que acaban de morir, mientras Madonna va matando amores del pasado inoportunos e indeseables.<br />
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<b><i><span style="color: #f1c232;">INDULGENCIAS ROMÁNTICAS</span></i></b><br />
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<i>Music</i> es un álbum de balance biográfico para Madonna. Busca redimir sus errores del pasado, pasar la página y ser esposa, madre, pero ante todo, mujer. Una vida amorosa agitada que parece apaciguarse al lado del director de cine británico Guy Ritchie, y un embarazo (que disimuló muy bien durante la promoción de su álbum) que la incita por momentos a reflexionar sobre sus años de bullicio juvenil. "I Deserve It" es la primera balada que aparece en el álbum, una lentitud pop que se mece entre lo acústico de las guitarras y lo galáctico del universo Mirwais, que con melancolía simple la lleva a meditar sobre el club de corazones que dejó atrás, <i>'Many hearts many years have unraveled/ Leading up to today'</i>. Esa parsimonia meditabunda se repite en tonos desacelerados en "Gone", buscando una próxima renovación y dejando atrás los traspiés de un posible pasado ingrato. Esa renovación sería absoluta en el 2005 con la llegada de aquel monstruo en LP llamado <i>Confessions on a Dancefloor.</i><br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/64FqRlvPbAg" width="420"></iframe> <br />
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Madonna es indulgente con el amor en las letras de <i>Music</i> y busca la reparación de víctimas románticas en su vida, cede ante el sentimiento sin mayores concesiones. Donde hace notar su debilidad por los latidos con mayor concentración es en "Amazing", que la muestra vulnerable, amorosa y entregada, en un track hermano de "Beautiful Stranger" muy similar en su melodía, pero con una construcción más eficiente bajo la producción de Orbit. La rendición de cuentas sentimentales no para ahí. "Nobody's Perfect" es un trip efectista espeso y lento que reconoce sus fallas de pareja y que busca redimirse con la disculpa y la cabeza gacha diciendo<i> 'I'm doing my best'</i> entre vocoders, susurros y synths que maúllan y ronronean bajo el mando de Mirwais. Para terminar de infligirse ese castigo lírico llega el íntimo trip de "Paradise (Not for me)", ácida melancolía con versos en francés, lamentos en inglés, videoclips en japonés y tristeza envuelta en un trip hop universal que sufre de un corazón desencajado por las jugadas amorosas del pasado.<br />
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<i><b><span style="color: #f1c232;">LA VOLUNTAD DE LA REINA</span></b></i><br />
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A pesar de los golpes del corazón y una vida marital que busca establecerse, la Reina del Pop siempre tendrá una excusa para emanciparse. Como reina que se respete, su voluntad es mandato. Para completar el descaro de su poder, logra concebir una de las piezas más originales de su carrera con "Don't Tell Me", su segundo single, una especie de country electrónico de vaqueros digitales y roast beefs urbanos, guitarras campiranas fragmentadas sobre una capa de beats confeccionados bajo la genial iniciativa de su productor francoafgano y un reencauche lírico proveniente del cuñado de Madonna Joe Henry, que le ayudó a liberarse un poco, <i>'Tell me love isn't true/ Is just something that we do'</i>. Este tema contribuyó a promover una imagen de <i>Music</i> aprovisionada de jeans, botas texanas, sombreros y arena, que finalmente dominaron temas de carátula y promoción.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj-nFfWRh6trQYV8PJQ7C1JlNG8VzXthlfaVWKKnxcH8AKxJTpJItcORqFm4R15Wnq4DIN_VmK52EgBnPXQLmvGukPHCjmxgJxEbz-0wS79eSZYt7Xzu1yF8BkP5ZsWzu4fVlpZKiXNVc/s1600/Madonna+don%2527t+tell+me.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="248" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj-nFfWRh6trQYV8PJQ7C1JlNG8VzXthlfaVWKKnxcH8AKxJTpJItcORqFm4R15Wnq4DIN_VmK52EgBnPXQLmvGukPHCjmxgJxEbz-0wS79eSZYt7Xzu1yF8BkP5ZsWzu4fVlpZKiXNVc/s400/Madonna+don%2527t+tell+me.png" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i><span style="color: #f1c232;">A Madonna hay que quitársele el sombrero. Don't Tell Me.</span></i></td></tr>
</tbody></table>
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Para confirmar aquella rebeldía y espíritu libre aparece la canción más madura y sofisticada del álbum, "What it Feels like for a Girl", alejada de las dinámicas techno de Orbit y de los jugueteos ácidos de Mirwais. Bajo la producción de Guy Sigsworth y Mark 'Spike' Stent las texturas cambian, el registro vocal de Madonna se desnuda de forma impecable y los artificios bajan la guardia para ceder espacio a un pop bien hecho. La vocalista demuestra sus dotes con un discurso igualitario, desafiante, desmintiendo la teoría del sexo débil, <i>'Strong inside but you don't know it/ Good little girls they never show it'</i>. Para reforzar el tema acude a un intro hablado de Charlotte Gainsbourg de la película <i>The Cement Garden</i> (1993) donde dice que las chicas se ven bien vestidas como hombres, pero los chicos se ven 'degradantes' vestidos como chicas. La furia reivindicadora de Madonna salta a la vista con el video de la canción dirigido por Guy Ritchie, donde se despacha en vandálicas represalias contra el sexo masculino y comete toda clase de desafueros en su auto para mostrar un sexo fuerte. De allí se extrajo una versión trance de Above and Beyond y en su gira Drowned World haría un show del tema con visos latinos cantado en español.<br />
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La llegada del 2000 aplaudió a Madonna desde las cajas registradoras y las revistas musicales. Su arriesgado cambio fue efectivo, colorido y novedoso. Regresó con un álbum al Top 1 en listas Billboard desde su <i>Like a Prayer</i> (1989). La hizo acreedora de cinco nominaciones al Grammy. Un gran éxito, inesperado bajo la expectativa del riesgo. Aunque a comparación del resto de su trayectoria, <i>Music </i>fue un trabajo preocupado en las estructuras tecnológicas y le cedió poco terreno a las virtudes vocales de la artista, donde se nota más inorgánica que en cualquiera de sus apariciones. El vocoder juguetón fue un arma de doble filo donde le brindó picante a las piezas bailables, pero la despojó de total intimidad, y aquellos zancudos sonoros digitales de Mirwais si bien son innovadores, en exceso pueden llegar a ser pesados. Sin embargo, <i>Music </i>cumple con la consigna de los álbums memorables, pues juega a la modernidad (en un año que lo requería con premura), es entretenido, propone atrevidas melodías ("Don't Tell Me" es su bandera) y juega con interesantes métodos de producción. Pero tal vez el factor más valioso de Madonna en su discografía es la búsqueda, esa inquieta sensación de no repetirse, de darle cabida a la innovación, lo que le sigue brindando una indiscutible calificación como Reina del Pop.<br />
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<br />JCesarhttp://www.blogger.com/profile/05961799232089000773noreply@blogger.com0